Der Düsseldorfer Galerist Till Breckner über die Gründe, warum die Ausstellung des Teheran Museums für zeitgenössische Kunst (TMOCA) in Berlin abgesagt wurde. 

Visionär: Till Breckner bleibt im Gespräch mit den iranischen Museen.
Quelle: Silvia Reimann

Lange sah es so aus, als ob die Ausstellung mit der Sammlung des Teheran Museums für zeitgenössische Kunst (TMOCA) in Berlin stattfinden könnte. Nun hat die Stiftung Preußischer Kulturbesitz erklärt, dass der Iran die Ausfuhrpapiere für die Sammlung nicht unterschrieben habe. Damit wird das Unternehmen auf Eis gelegt. Erst einmal, hofft Till Breckner. Der Düsseldorfer Galerist ist einer der Initiatoren des Projekts, das er mit seinem Geschäftspartner Afshin Derambakhsh mit hohem Engagement verfolgt hat.

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Jeff Koons Balloon Dogs Orange Yellow Magenta

Jeff Koons begeistert uns mit seinen neuen Balloon Dog Skulpturen Editionen. Er ist einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler. Seit den 1980er überrascht er die Welt mit seinen farbigen und fröhlichen Skulpturen und versucht dabei „das Kind, das in jedem von uns steckt, aufzuwecken“ (Jeff Koons). Exemplarisch für Koons‘ Kunst stehen seine zwischen 1994 und 2000 entstandenen, überdimensionalen „Balloon Dog“ Skulpturen, deren Magie sich kaum jemand entziehen kann. Die farbigen Skulpturen aus Edelstahl füllen die exklusivsten Kunstsammlungen in Los Angeles, Athen und Venedig. Auf den ersten Blick erinnern die eleganten Skulpturen an Luftballonfiguren, wie sie Clowns auf einer Geburtstagsfeier formen. Doch die glänzenden Objekte werden zu Ikonen, die die Essenz der amerikanischen Popkultur manifestieren. 2013 erreichte die Erfolgsgeschichte des „Balloon Dogs“ ihren vorläufigen Höhepunkt: Das Auktionshaus Christie’s versteigerte die orangefarbene Version für 58,4 Mio. USD und krönte Koons mit diesem Auktionsrekord zum teuersten, lebenden Künstler.

Jeff Koons Balloon Dog Orange

Ballon Hund Teller Skulptur von Jeff Kons

Seit den 1990er Jahren hegt Jeff Koons den Wunsch, seine überdimensionalen Skulpturen nicht nur für Museen zu kreieren, sondern mit kleineren, erschwinglicheren Editionen eine größere Gruppe an Käufern bedienen zu können.

Jeff Koons Balloon Dog Yellow

Daher entwickelt er seit 1995 limitierte Auflagen der „Jeff Koons Balloon Dogs“, die einen Schritt hin zur Demokratisierung der Kunst symbolisieren – ein Anliegen das dem Künstler am Herzen liegt.Mit den Skulptureneditionen ermöglicht Koons Liebhabern des „Ballon Dogs“, sich ein Stück Kunstgeschichte nach Hause zu holen.

Die kleinen Skulpturen orientieren sich in der Farbgebung an den großen „Balloon Dogs“, sodass sie auch in den klassischen fünf Farben erstrahlen (Rot, Blau, Gelb, Magenta und Orange). Den Auftakt machte 1995 der mittlerweile vergriffene rote „Balloon Dog“. Dieses seltene Sammlerstück erzielte im Mai 2015 bei einer Auktion in New York bei Sotheby’s den rekordverdächtigen Verkaufspreis von 42.000 USD.

Jeff Koons Balloon Dog Magenta

Im Jahr 2002 folgte der blaue „Balloon Dog“, dieser wurde im Mai 2015 in Paris für 22.700 USD versteigert. Nacheiner dreizehnjährigen Pause bringt der französische Porzellanhersteller Bernardaud 2015 die gold-gelben und magentafarbenen „Balloon Dogs“ raus. Während der gold-gelbe „Balloon Dog“ bereits nach einem Jahr nur noch in geringen Stückzahlen verfügbar ist, wird nun die magentafarbige Edition erstmalig in Deutschland angeboten. Die Galerie Breckner präsentiert zudem exklusiv eine absolute Weltpremiere: Die lang ersehnte Orange-Edition des „Balloon Dogs“ vervollständigt die Serie.

Die Edition in metallplatiertem Porzellan 

Die Motive:
Jeff Koons Balloon Dog Magenta 2015
Jeff Koons Balloon Dog Orange 2016
Jeff Koons Balloon Dog Yellow 2015

Auflage: je 2300 Exemplare
Format: 26,7 cm x 26,7 cm x 12,7 cm
Material: Porzellan von Bernardaud in Limoges, metallplatiert
Signatur: Eingebrannte Signatur von Jeff Koons und handgeschriebene Editionsnummer auf der Rückseite.

Die Pflege: Die „Porzellanskulpturen“ sind empfindliche Kunstwerke. Damit Glanz und Spiegeleffekte erhalten bleiben, dürfen sie nicht wie handelsübliche Porzellanteller benutzt werden. Die Aufstellung in einer Vitrine bei kaltem LED-Licht ist ratsam. Da Fingerabdrücke schwer zu entfernen sind, bitte die beigelegten Baumwollhandschuhe benutzen. Für die Reinigung nur einen weichen Lappen verwenden, leicht angefeuchtet mit vollentsalztem Wasser. Die Skulpturen weder direkter Sonne noch starker Heizungsluft aussetzen. Lieferung inklusive Aufstellstützen und Anleitung zu Umgang und Pflege des Objekts.

Hier finden Sie direkt die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2017 bestehend aus Jeff Koons Balloon Rabbit Red, Jeff Koons Balloon Swan Yellow und Jeff Koons Balloon Monkey Blue.

Oder interessieren Sie sich für die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2019? Sie bestehen aus den Motiven Jeff Koons Balloon Rabbit Violet, Jeff Koons Balloon Swan Magenta, Jeff Koons Balloon Monkey Orange

Mehr Infos finden Sie auch unter balloon-editions.de

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Die pralle Lebensfreude mit dem Balloon Dog

Jeff Koons, hier sein neuestes Werk „Balloon Dog Magenta“,  ist der teuerste lebende Künstler. Damit sich nicht nur Supersammler mit eigenem Museum seine glänzenden Skulpturen leisten können, gibt er Editionen heraus. Das Handelsblatt bietet den „Balloon Dog“ exklusiv in einer Porzellanauflage an.

Ein Hund auf dem Präsentierteller – „Balloon Dog (Magenta)“ aus Porzellan: Entscheidend ist die spiegelnde Oberfläche, weil sie den Betrachter einbezieht. Quelle: Ivo Faber/Breckner

Düsseldorf. Schlagzeilen liebt der amerikanische Künstler Jeff Koons – weiß er doch deren Werbeeffekt zu schätzen. Erregungspotenzial hat vor allem die Skulpturengruppe „Jeff and Ilona (Made in Heaven)“. Sie zeigt den Künstler lebensgroß beim Liebesakt mit seiner Ex-Frau Ilona Staller, dem Pornostar, der in Italien Politik gemacht hat. Für seine Kritiker geht es dabei um reine Selbstdarstellung, für Koons’ Verehrer um Kunst, die befreit.

„Manche Menschen akzeptieren sich nicht als sexuelles Wesen. Aber kein Leben ohne Sex. Und die Selbstakzeptanz ist die Grundlage für jede Transzendenz“, sagte Jeff Koons dem Handelsblatt anlässlich seiner Ausstellung in Frankfurt vor vier Jahren.

Schlagzeilen machen indessen regelmäßig Koons’ Auktionsrekorde. Der heute 61-Jährige, konnte Gerhard Richter als teuersten lebenden Künstler ablösen. 2013 verbuchte Christie’s den Weltrekordpreis von 58,4 Millionen Dollar für die orangefarbene Variante der großen „Balloon Dog“-Skulptur. Ihre Form erinnert an einen banalen Luftballon, der mit ein paar Kniffen die Gestalt eines aufmerksamen Hundes annehmen kann.

Egal, was Koons’ stets gegenständliche Skulpturen darstellen, Lebensbejahung und Lebensenergie sind der Kern seines Œuvres. Diese Vitalität spricht viele Supersammler an, unter anderem den französischen Geschäftsmann François Pinault, den griechisch-zypriotischen Großunternehmer Dakis Joannou, der sogar seine Luxusjacht von Jeff Koons bemalen ließ, oder die Prada Foundation.

Mit Zahnarztbesteck auf Hochglanz poliert

Die bis zu drei Meter hohen Edelstahlskulpturen, deren makellose Oberfläche in einem aufwendigen Verfahren gefärbt, verspiegelt und mit Zahnarztbesteck in einem thüringischen Betrieb auf Hochglanz poliert wird, sind nicht einfach so zu kaufen. Es gibt sie in nur wenigen Exemplaren. Meist ist schon vor dem mühsamen Entstehungsprozess klar, welcher Megasammler welche Farbvariante der Tulpen, Hunde oder Venus-Figuren kaufen wird. Mit ihren ein- und zweistelligen Millionenbeträgen kommen die schillernden Stahlskulpturen von Jeff Koons ohnehin nur für die „happy few“ infrage.

Jeff Koons als Gentleman – Der Künstler und die Handelsblatt-Redakteurinnen Nicole Bastian (r.) und Susanne Schreiber nach einem früheren Exklusiv-Interview in Frankfurt. (Foto: Bert Bostelmann / Bildfolio für Handelsblatt)

Koons ist aber stets auch an einer größeren Gefolgschaft interessiert. Darum hat der Weltruhm genießende Künstler eines seiner Hauptwerke, den „Balloon Dog“, in einer verkleinerten Porzellanversion als limitierte Edition in den Farben Orange und Magenta herausgebracht. Das Handelsblatt und die Galerie Breckner bieten sie exklusiv im deutschsprachigen Raum an. Der charakteristische Luftballon-Hund ist hier knapp 30 Zentimeter groß, aus Porzellan geformt und steht auf einem metallplattierten Teller.

Welche Überlegungen den Künstler bei diesem an ein Readymade erinnernden Alltagsgegenstand geleitet haben, darüber gibt Koons Auskunft im Baseler Katalog der Fondation Beyeler: Der Hund „erinnert an ein Ballontier, wie es vielleicht ein Clown bei einem Kindergeburtstag hervorzaubert. Gleichzeitig hat er die geheimnisvolle Tiefe einer archaischen Skulptur.“

Balloon Skulptur – Glanz als Transportmittel für Sehnsüchte

Wie bei den drei Meter hohen Skulpturen sind auch für die Edition Farbe und Glanz entscheidend. Jeff Koons: „Die Außenhaut ist extrem reflektierend.“ Das heißt, der Kunstfreund sieht sich selbst und setzt sich auf diese Weise in Bezug zu dem Kunstwerk. Der Spiegeleffekt „bestätigt den Betrachter ständig in seiner Existenz“. Für Koons ist der Glanz ein Mittel, unsere Gedanken, Sehnsüchte und Wünsche in die Kunst hineinzutragen.

„Die makellose Oberfläche wirkt wie eine Erlösung, nicht nur vom Gewicht, sondern vor allem vom Schmutz der Welt – als materieller Vorschein eines Unirdischen und womöglich Überirdischen.“ So interpretiert der renommierte Kunsthistoriker Walter Grasskamp im Katalog der Frankfurter Koons-Ausstellung den Oberflächenglanz.

Koons Balloon Dog – hat ein Faible für handwerkliche Präzision

Erlöst von allem Schmutz dieser Welt – Jeff Koons riesengroßer ‚Balloon Dog‘ (1994-2000) 2008 im neu eröffneten The Broad Contemporary Art Museum (BCAM) in Los Angeles. Quelle: Ted Soqui (Foto) Corbis Entertainment/Getty Images (Foto: Corbis Entertainment/Getty Images)

Der Privatmann Koons ist stolzer Vater von acht Kindern. „Kinder betrachten die Welt immer, ohne sie zu beurteilen“, lobt er deren offenen Blick. Diese Unvoreingenommenheit hat sich der Künstler selbst erhalten. Nur so kann er, der privat Alte Kunst sammelt, Alltagskitsch, Alte Meister und antike Skulpturen gleichermaßen schätzen. „Ich möchte, dass der Betrachter seine Gefühle entdeckt, wenn er vor meinen Bildern oder Skulpturen steht“, hob Koons im Handelsblatt-Interview hervor.

Herausforderung an die Sinne. Die komplette Porzellan-Serie Balloon Dog in Orange, Magenta und Gelb. Quelle: Jeff Koons/Breckner

Porzellan hat der Amerikaner mit dem Faible für handwerkliche Präzision nicht nur gewählt, weil es in hoher Stückzahl ausformbar ist. „Einst fand sich das kostbare Material nur auf dem Tisch des Königs“, erklärt Koons. „Heute haben wir alle Porzellangeschirr. Das ist eine Demokratisierung des Materials.“

Vor drei Jahren hatte Koons nicht Porzellan, sondern Harz eingesetzt, um einem großen Publikum den Zugang zu seiner „Balloon Venus (Magenta)“ zu ermöglichen. Die ursprünglich 2,60 Meter hohe Edelstahlfigur aus schwellenden Formen geht auf die archaische, schwangere „Venus von Willenberg“ zurück.

Für den Champagnerproduzenten Dom Pérignon ließ der Künstler, der stets mit vielen Mitarbeitern und Spezialisten zusammenarbeitet, die üppige Venus 2013 verkleinern und als aufklappbare Box für den Rosé-Vintage-Schampus gestalten. Ohne Mehrwertsteuer lag der Verkaufspreis bei 15.000 Euro. Der Onlineversteigerer Auctionata konnte 2015 die pinkfarbene Champagner-Umhüllung für hohe 68.750 Dollar brutto versteigern. Die bereits 1995 und 2002 aufgelegten „Balloon Dogs“ in rotem und blauem Porzellan erzielten zuletzt Auktionspreise von 42.000 und 22.000 Dollar.

Wer mit Koons über die „Balloon Dogs“ spricht, hört, dass die Motivwahl von der Lebensfreude, der Unvoreingenommenheit und Leichtigkeit herrührt, die Kindern zu eigen ist. Es dürfte indessen aber noch ein Argument hinzukommen. Koons kennt es, denn schließlich besitzt er eine stattliche Sammlung Alter Meister: Der Hund ist von alters her auch ein Symbol der Treue.

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Markus Lüpertz „Hora“ Skulptur – 70 Jahre „DIE ZEIT“

Die Markus Lüpertz  Hora Skulptur anlässlich des 70. Geburtstages der Wochenzeitung DIE ZEIT

Exklusiv zum 70. Jubiläum der ZEIT erscheint eine besondere, streng limitierte Skulpturen-Edition des bedeutenden Gegenwartskünstlers Markus Lüpertz. Seine Figur »Hōra« – griechisch für »Zeit« – spiegelt weitaus mehr als ein »Zeit-Porträt« wider: Sie ist eine Auseinandersetzung mit der fundamentalen Bedeutung des Begriffes. So symbolisiert das Stundenglas zu den Füßen der »Hōra« Vergänglichkeit, der darauf liegende Granatapfel das Zeichen der Unsterblichkeit – ein Widerspruch, der die Extreme der Zeit darzustellen vermag. Noch weitere Details transportieren Lüpertz´ Botschaft, wie sie sich ebenso in vielen anderen Werken wiederfindet: die Personifikation eines Wortes in all seinen Bedeutungsfacetten.

Markus Lüpertz Hora Skulptur kaufen

Markus Lüpertz zählt zu den einflussreichsten deutschen Künstlern nach dem Zweiten Weltkrieg. Seine Werke werden weltweit in zahlreichen namhaften Museen gezeigt, so war er u.a. 1982 Teilnehmer der documenta VII in Kassel. Zudem prägte er als Rektor der Düsseldorfer Kunstakademie von 1988 bis 2009 die Hochschullandschaft entscheidend mit. Zum umfangreichen Œuvre des Künstlers gehören neben Gemälden und Grafiken ebenso Zeichnungen und Skulpturen sowie Bühnenbilder und Kirchenfenster.

Die personifizierte Zeit in einer Bronze Skulptur

Es ist kein Porträt, das Markus Lüpertz mit seiner Figur »Hōra« der ZEIT zum Jubiläum gewidmet hat. Der Künstler setzt sich vielmehr mit der umfassenden Bedeutung des Begriffes »Zeit« auseinander, die sich jenseits des Irdischen befindet. So präsentiert sich seine »Hōra« ohne Kopf: die Zeit steht über dem Individuum.

Ihren Titel erhält die Figur vom griechischen Wort für »Zeit«, ihre Form ähnelt der antiker Skulpturen: Die Hüfte leicht ausgestellt, der rechte Arm angewinkelt und bis zur Schulter erhoben, der linke hingegen in strikter Betonung der Senkrechten nach unten weisend, steht diese weibliche Figur in klassisch-antiker Körperhaltung vor ihren Betrachtern.

Markus Lüpertz setzt sich mit seiner Skulptur jedoch einmal mehr über eine zu enge Deutung nach antiken Vorbildern hinweg und erschafft seine eigene ideen- und mythenreiche Figurine: Das Stundenglas zu ihren Füßen, Vergänglichkeit symbolisierend, und der darauf liegende Granatapfel, ein Zeichen der Unsterblichkeit, stehen im Widerspruch und stellen zugleich die Extreme der Zeit dar. Auch der Stab in der Rechten, der in der Kunst zuweilen als Symbol für die Auferstehung verwendet wird, gehört dieser Kategorie von Bedeutungsträgern an, während der nach unten zeigende linke Arm als narratives Element fungiert. Mit der farbreichen Bemalung, mit der Markus Lüpertz seine Bronze per Hand überzieht, transferiert der Künstler die Malerei in ein neues Medium. Für Lüpertz bilden Skulpturen die Erweiterung einer Oberfläche, sie tragen seine Malerei in den Raum.

Auch handwerklich ist diese Skulptur ein Meisterwerk. Die Originalvorlage wurde von Markus Lüpertz aus Gips geformt und anschließend in der renommierten Düsseldorfer Kunstgießerei Schmäke gegossen. Jede Figur wird vom Künstler persönlich handbemalt.

Details zur Skulptur Markus Lüpertz Hora

Maße:                   49,0 x 25,0 x 16,5 cm (H x B x T)

Material/Technik:    Bronze, handbemalt

Jahr:                     2016

Signatur:               in Plinthe monogrammiert und nummeriert

Auflage:                45 Exemplare, zzgl. e.a.

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1954-1957 Studien an der University of Cincinnati, an der Boston Museum School sowie an der Ohio University in Athens.

1957 Bachelor of fine Arts.

1958-1959 Lehrer in Patchogue (Long Island); noch 1958 Umzug nach New York, wo er an der privaten Rhodes School arbeitet. Dine lernt Allan Kaprow und Claes Oldenburg kennen.

1959 gemeinsam mit Claes Oldenburg (*1929), Marc Ratliff (*1935) und Tom Wesselmann (1931-2004) Gründung der Judson Gallery in New York; Teilnahme an den ersten Happenings in New York.

1960 erste Ausstellung in der Reuben Gallery, New York.

1960-1965 Gastprofessor an verschiedenen amerikanischen Universitäten, u.a. an der Yale University, New Haven.

1962 Bekanntschaft mit den Arbeiten von Garry Winogrand (1928-1984), einem Vertreter der amerikanischen street photography, und von Diane Arbus (1923-1971), deren Arbeiten als erste einer amerikanischen Fotografin auf der Biennale von Venedig präsentiert wurden (1972). Dine begegnet Ileana Sonnabend (1914-2007), eine wenn nicht sogar die bedeutendste Galeristin für Moderne Kunst im letzten Jahrhundert („Mom of Pop“).

1964 Teilnahme an der Biennale von Venedig.

1966-1971 Dine lebt in London; Zusammenarbeit mit dem britischen Pop-Art-Künstler Eduardo Paolozzi (1924-2005).

1966 Illustrationen (Fotografien, Zeichnungen und Collagen) für „Le poète assassiné“ („Der gemordete Dichter“) von Guillaume Apollinaire (1880-1918).

1968 Teilnahme an der 4. documenta in Kassel.

1970 Retrospektive im Whitney Museum of American Art, New York.

1971 Dine kehrt in die USA zurück und lässt sich in Putney (Vermont) nieder.

1977 Teilnahme an der documenta VI in Kassel.

1978 Ausstellung zur Druckgrafik im Museum of Modern Art.

Seit 1980 Mitglied der American Academy and Institute of Arts and Letters, New York.

1984-1985 Retrospektive im Walker Art Center, Minneapolis.

1985 Umzug nach New York.

Von 1993 bis 1997 lehrt Dine an der Sommerakademie in Salzburg.

1994 Gastprofessur an der Hochschule der Künste, Berlin, Dine arbeitet mit Fotografien.

Seit 1997 Mitglied der Akademie der Künste, Berlin.

1999 Ausstellung im Guggenheim Museum, New York.

Seit 2001 lebt Jim Dine einen Teil des Jahres in Paris.

2004 Ausstellung in de rNational Gallery of Art, Washington D.C.

2014 Ausstellung in der SK Stiftung Kultur, Köln.

2015-2016 Ausstellung „Jim Dine. About the Love of Printing. Grafik 1960-2015“, Museum Folkwang, Essen.

Jime Dine lebt und arbeitet Paris und Walla Walla (Washington).

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Jan Henderikse © Galerie Till Breckner, Foto Robbert Fortgens

Jan Henderikse wird am 22. Januar 1937 in Delft (Niederlande) geboren. Beide Eltern waren Fabrikarbeiter. Er studiert an der Freien Akademie Den Haag.

1952 trifft er seinen späteren Freund und Mentor Jan Schoonhoven. Henderikse beginnt zu malen.

1955 erste Ausstellungsbeteiligung mit der Künstlergruppe De Kring im Museum Het Prinsenhof in Delft.

1958 Auf Hendrikses Initiative findet in der Delfter Universität die erste Ausstellung informeller Kunst statt. Teilnehmer waren u.a. die späteren Gründer der Nederlandse Informele Groep Kees van Bohemen, Henk Peeters, Armando, Jan Schoonhoven sowie Bram van den Boogaard, Rik Jager, Cor de Nobel und Fred Sieger.

1959 Gründung der Nederlandse Informele Groep (Niederländische Informelle Gruppe), die ein knappes Jahr später in die Gruppe nul übergeht, einer parallelen Bewegung zur deutschen ZERO.

Von 1959 bis 1962 lebt Jan Henderikse in Köln, danach bis 1963 in Düsseldorf, wo er neben Gotthard Graubner und Joseph Beuys am Drakeplatz in Oberkassel wohnt. Deutschland kannte Henderikse schon zuvor aus seiner Tätigkeit als „Reiseführer auf einem Rheindampfer“ wie er berichtet.

1960 signiert Henderikse die Oberkasseler Brücke in Düsseldorf.

Zwischen 1963 und 1967 lebt Henderikse auf Curaçao; 1963 erhält er eine Einzelausstellung im Museum Curaçao.

1967/1968 Übersiedelung in die USA (Manhattan/New York); Einzelausstellungen im Museo de Bellas Artes Caracas (Venezuela) und im Stedelijk Museum Amsterdam.

Ab den 1970er Jahren vermehrte Beschäftigung mit Fotografie und Film.

Ende der 1980er Jahre geht Henderikse auf Einladung des DAAD nach Berlin, wo er bis 2000 ebenfalls ein Atelier betreibt.

1992 Vorträge an der Berliner Sommerakademie.

Werke von Jan Henderikse sind in zahlreichen öffentlichungen Sammlungen vertreten, so u.a. in Stedelijk Museum Amsterdam; Deutsch-Russisches Museum Berlin-Karlshorst, Berlin; Daimler Kunst Sammlung, Stuttgart/Berlin; Museo de Bellas Artes, Caracas; Stedelijk Museum Het Prinsenhof, Delft; DOK Delft; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven; Galerie der Stadt Esslingen, Villa Merkel, Esslingen; Groninger Museum, Groningen; Kunsthalle Kiel; Berardo-Museum, Lissabon; Bayerische Staatsgemäldesammlung, Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne, München; Museum Het Valkhof, Nijmegen; Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam; Staatsgalerie Stuttgart; Staatliches Museum Schwerin; Centraal Museum Utrecht.

Jan Henderikse lebt und arbeitet heute in Brooklyn/New York und Antwerpen.

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Otto Piene: RAINBOW – Inflatables. TMOCA, Teheran. Photo by Mahnaz Sahaf

Schon an den ersten beiden Tagen der Otto Piene Teheran Ausstellung Rainbow im TEMOCA   wurden jeweils mehr als 1.000 Gäste gezählt! Die am 24. Februar 2015 in Teheran in Beisein des Deutschen Botschafters Michael Freiherr von Ungern-Sternberg eröffnete Ausstellung zeigt rund 90 Werke des im Juli 2014 im Alter von 86 Jahren verstorbenen ZERO-Mitbegründers. Die Ausstellung, die vom Künstler noch selbst konzipiert wurde, war für Piene eine Herzensangelegenheit. „Otto Piene hielt die Möglichkeit, in dieser seit Jahren eher abgeschlossenen iranischen Gesellschaft auszustellen, für eine große Chance“, sagte denn auch Joachim Jäger, Kurator der Schau und stellvertretender Direktor der Nationalgalerie Berlin. Der Direktor des Museums, Madschid Mollanorusi, sprach in seiner Eröffnungsrede davon, dass „diese Ausstellung als Brücke dem kulturellen Austausch zwischen dem Iran und Deutschland dienen“ kann.

Otto-Piene – TMOCA, Teheran 2015, Foto: Till Breckner

Die Besucher wurden gleich am Eingang des Museums mit einem Sky Event  empfangen: Zwei riesige, mit Helium gefüllte Plastik-Schläuche wölben sich dort als Regenbögen in den Himmel. Insgesamt werden über 90 Arbeiten präsentiert, darunter die eigens von Otto Piene für Teheran geschaffene „Lichtgeister“, die mit ihrer Farbigkeit auf die blau-grünlichen Mosaike der Imam-Moschee in Isfahan Bezug nehmen, späte Keramiken oder auch die suggestive Präsentation „Proliferation of the Sun“, die 2014 in der Berliner Nationalgalerie re-installiert wurde. Weitere Leihgaben aus Privatbesitz bzw. aus den Beständen unserer Galerie vervollständigen das Projekt.

Otto Piene: RAINBOW – Proliferation of the Sun. TMOCA, Teheran. Photo by Till Breckner

Der umfangreiche Katalog mit aktuellen Bildern aus der Ausstellung sowie mit Texten von Eshan Aghaei, Joachim Jäger und Raimund Stecker, einem Gespräch zwischen Hans Ulrich Obrist und Otto Piene sowie einer Synopse von Babette Werner erscheint demnächst. Die Ausstellung ist bis zum 25. Mai 2015 zu sehen.

Wir haben Ihnen auf unserer Webseite eine Fotostrecke zur Ausstellung und darüber hinaus verschiedene Artikel der Presse zusammengestellt.

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Im Magazin ARTINVESTOR wurde ein Interview mit Till Breckner veröffentlicht, in dem er Stellung zu dem Konzept des Kunstverlages und der Bedeutung der Druckgrafik in der Kunst bezieht.

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Teheran Museum of Contemporary Art – TMOCA, Iran

Die Ausstellung Otto Piene Rainbow wird erstmals in der nahöstlichen Region, im legendären, 1977 eröffneten Tehran Museum of Contempoary Arts in Teheran, die Kunst des im vergangenen Jahr verstorbenen Otto Piene mit einer retrospektiv angelegten Einzelausstellung zeigen. Für das TEMOCA, eine der ersten und bis heute raren Sammlungen für westliche Kunst in der gesamten Golf-Region, schließt sich so der Düsseldorfer ZERO-Kreis. Und die einzigartige Bedeutung von ZERO für die Deutsche Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg wird unterstrichen: Denn vor der nun stattfindenden Ausstellung Otto Pienes wurde in monografischen Ausstellungen die Kunst von Heinz Mack im Jahre 2001 und die von Günther Uecker im Jahre 2012 im Iran gezeigt – sowie die des „Kapitalistischen Realisten“ Gerhard Richter im Jahre 2004.

Grundlage der noch mit Otto Piene selbst konzipierten Schau sind seine Berliner Ausstellungen in der Nationalgalerie, der Deutsche Bank KunstHalle sowie der Langen-Foundation, Neuss, im Jahre 2014. Erweitert wird sie durch eigens von Otto Piene für Teheran geschaffene „Lichtgeister“, die mit ihrer Farbigkeit auf die blau-grünlichen Mosaike der Imam-Moschee in Isfahan Bezug nehmen, und mit Leihgaben von Keramikarbeiten aus Privatbesitz sowie zahlreichen Werken aus den Beständen der Kunstverlag-Galerie Breckner, Düsseldorf.

Kurator der Ausstellung in Teheran ist so auch der Kurator der Berliner Ausstellungen, Dr. Joachim Jäger, stellvertretender Direktor der Nationalgalerie, Berlin.

Belebung der westöstliche Wieder-Verständigung 

„Rainbow“ von Otto Piene wird in enger Kooperation mit der Deutschen Botschaft in Teheran, dem Goethe Institut und dem TEMOCA sowie mit Unterstützung der DHL Arts realisiert. „Dass wir nach Günther Ueckers Ausstellungen ‚Verletzungen Verbindungen‘ in Teheran und Isfahan nun bereits zum dritten Male die Möglichkeit haben, eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit dem TEMOCA auf den Weg zu bringen, erfüllt uns nicht nur mit Stolz, sondern ist uns auch Programm“, sagt Till Breckner, der die Idee zu der Schau in Teheran hatte. ZERO war die erste international beachtete Kunstbewegung in Westdeutschland nach dem Zweiten Weltkrieg und half so, dass gerade Düsseldorf wieder als Kunststadt weltweit beachtet wurde – und ZERO scheint nun zu helfen, die westöstliche Wieder-Verständigung zu beleben.“

Gezeigt werden in der „westöstlichen“ Museumsarchitektur (Sind die Dachformen der Architektur Le Corbusiers entlehnt oder hat vielmehr er zuvor Anleihen bei den Formen orientalischer Windtürme genommen?) über 90 Werke des 1928 in Bad Laasphe (NRW) geborenen Otto Piene. Seine „Inflatables“, seine aufblasbaren Skulpturen, die 2014 in der Neusser Langen-Foundation zu sehen waren, werden genauso gezeigt wie die „Fleur du Mal“, die 2013 im LehmbruckMuseum, Duisburg, zu sehen waren. Der „Lichtraum Prag“ wird in Teheran zur Aufführung kommen und eben Pienes „Lichtgeister“ – aus sich heraus strahlende Glasskulpturen – bekommen einen eigenen Raum in dem um ein Atrium gebauten Museum. Ein weiterer Raum mit Feuergouachen wird gezeigt, einer mit Pienes späten Keramiken sowie die der Ausstellung den Titel gebenden „Rainbows“. Selbstverständlich wird Pienes Inflatable zur Olympiade 1972 in München dokumentiert, das riesige Inflatable in Form eines das Stadion überfangenden Regenbogens. Und auch wird die suggestive Präsentation „Proliferation of the Sun“ aus der Berliner Nationalgalerie re-installiert.

Ausstellung Otto Piene Rainbow

Zur Ausstellung wird ein umfangreicher Katalog mit Texten von Eshan Aghaei, Joachim Jäger, und Raimund Stecker, einem Gespräch zwischen Hans Ulrich Obrist und Otto Piene sowie einer Synopse von Babette Werner erscheinen – ca. 220 Seiten.

Weitere Empfehlungen: Otto Piene kaufen

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Otto Piene – Proliferation of the Sun, Foto: David von Becker

Ausstellung Otto Piene Proliferation of the Sun beim Sonic Acts Festival 2015 in Amsterdam am 27. Februar 2015.

Diese Multimedia-Performance des ZERO-Künstlers Otto Piene, welche er 1967 für eine kleine Off-Bühne in New York  geschaffen hatte.

Mehr als 1000 handbemalte Dias mit farbig schillernde Kreisformen werden auf Leinwände und eine Kugel projiziert.  Piene beschreibt „Proliferation of the Sun“ als „poetische Raumfahrt“.  Auch wenn das Ganze heute leicht anachronostisch wirkt, da es nicht digital ist, muss man beachten, das diese Arbeit fast 50 Jahre alt ist und man begreift Otto Pienes utopischen Visionen. Von daher empfehlen wir Ihnen den Besuch der Ausstellung Otto Piene Proliferation of the Sun.

Weitere Empfehlungen: Otto Piene kaufen

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