Die neue Skulptur Markus Lüpertz Mozart ehrt den jungen Virtuosen mit einer neuen Kleinplastik aus Bronze. Bis heute zählt Wolfgang Amadeus Mozart zu den berühmtesten Musikern und Komponisten der Wiener Klassik

Der Künstler interpretiert das musikalische Genie als bescheiden gekleideten Burschen. Seine Pose wirkt entspannt, beinahe lässig; seine Silhouette folgt einem s-kurvigen Schwung. Mozart ist nicht in die Mode des barocken Großbürgertums gekleidet, sondern in die legere Bekleidung des Volkes: in ein weißes, aufgeknöpftes Hemd mit hochgekrempelten Ärmeln, eine schlichte, schwarze Kniebundhose, weiße Strümpfe und schwarze Schlupfschuhe. Bürgerlich wirkt der athletische Mann mit seinem zum Zopf gebundenen Haar – ganz anders als sein mythologisch überhöhtes Pendant, das Markus Lüpertz 2005 für den Salzburger Ursulinenplatz entworfen hat.

Hier steht weithin sichtbar eine ausdrucksstarke Mozartskulptur, die Markus Lüpertz nicht als Abbild der historischen Figur, sondern als Personifikation des musischen Genies erdacht hat. Die Skulptur in der Geburtsstadt von Wolfgang Amadeus lässt er als eherne Muse erscheinen, die in heroischer Nacktheit über die Künste wacht. Für Mozart als weibliche Seele hat sich der Künstler entschieden, “[…] weil Mozart für mich Musik ist – und die ist weiblich.“

Markus Lüpertz Mozart Skulptur Edition

Markus Lüpertz Bronze Skulptur Edition Mozart, 2019

Bronze, handbemalt
47 x 14,5 x 14,5 cm

35 Exemplare zzgl. E.A.
signiert und nummeriert in der Plinthe

Preis auf Anfrage

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Markus Lüpertz Mozart Grafik Radierung Aquarell Unikat

Markus Lüpertz Aquarell Unikat Mozart

Ebenfalls sind einige wenige Radierungen des Motiv Mozart vom Künstler in Aquarell Technik handbemalt worden. Die Basis ist eine Kaltnadelradierung, die individuell von Lüpertz übermalt wurde.

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Cornelia Schleime, Blütenspucker,2019, Druck mit übermalter Blindenschrift in Acryl, 80 x 60 cm

Zum 70. Jubiläum der Frankfurter Allgemeine Zeitung hat Cornelia Schleime eine außergewöhnliche Kunst-Edition erschaffen. „Blütenspucker“ zeigt eine Selbstinszenierung der Fotografin, Konzeptkünstlerin und Malerin Cornelia Schleime an der Vulkanküste von La Palma.

Prächtig gekleidet und mit einer absurden Maske vor dem Gesicht, hält sie wie eine Dompteuse den Ring, durch den ein Streifen läuft, auf den die Künstlerin mit roter Farbe in Blindenschrift „70 Jahre“ getupft hat.

Das auf 20 Exemplare limitierte Werk ist als Reprint mit übermalter Blindenschrift in Acryl erhältlich. Das Format beträgt 80 x 60 cm. 

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Cornelia Schleime

1953 in Ost-Berlin geboren, studierte Cornelia Schleime von 1975 bis 1980 Grafik und Malerei an der HfBK in Dresden. Heute lebt und arbeitet die Künstlerin in Berlin, im Ruppiner Land und auf La Palma.

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Wrapped Globe – Christo verhüllt einen Globus und interpretiert damit eines der größten Themen unserer Zeit: die Verletzlichkeit unserer Erde. Der Künstler, der sein gemeinsames Schaffen mit Jeanne-Claude alleine fortsetzt, hat seine neue Edition »Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere)« exklusiv für DIE ZEIT und den Kunstverlag Till Breckner erschaffen.

Christo Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere), 2019 | Foto: Jack Kulcke

Die Weltkugel ruht für einen Augenblick, wie es scheint, auf dem Rücken des nackten Menschen. Sie könnte davonrollen, sie könnte aber auch für weitere Erdzeitalter in dieser Position verharren: Das Wechselspiel zwischen einmaligem Moment und Dauerhaftigkeit beschäftigt einen der bedeutendsten Künstler der Gegenwart in allen seinen Werken.

Christo Collage Grafik Edition Verhüllte Erde

Die Fotografie eines Globus aus den 1960er Jahren – zu sehen sind Europa und Asien – schneidet Christo aus. Er verhüllt die Weltkugel mit einer halbdurchsichtigen Plastikfolie und verschnürt sie mit hellem Faden. So liegt die Erde auf dem Rückenakt einer Frau. Atlas trug einst die Welt auf seinen Schultern. Auf dem Rücken des heutigen Menschen scheint der Globus in eine fragilere Position gezwungen. Die Schönheit der Erde und auch die des menschlichen Körpers wird aber gerade deshalb besonders deutlich.

»Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere)« steht in Christos prägnanter Handschrift unter der Collage, die wiederum mit dem für seine Arbeiten ebenfalls typischen Kreppband auf Karton befestigt ist. Senkrechte und waagerechte Linien scheinen den Globus in seiner Position zu halten. Ziffern am Bildrand deuten die Vermessung der Welt an. Die Collage ist handgearbeitet, handsigniert, nummeriert und datiert. Mit 85 x 75 cm ist sie für Christos Werk ungewöhnlich groß. Das Zusammenspiel der verschiedenen Materialien gibt der Collage eine besondere Haptik und erzählt, wie alle Werke von Christo, von ihrem Entstehungsprozess.

Christo Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere), 2019 (Detail)

Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere), 2019

Collage-Grafik
(in halbtransparente Plastikfolie verhüllte, mit Kordel verschnürte und von Hand mit Wachskreide schraffierte Fotografie eines Globus, aufgebracht auf Siebdruck auf Karton, Fotografie und Klebestreifen)
85 x 75 cm
160 arab. und 90 röm. num., sign. Exemplare

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Christo Wrapped Globe Signatur

Künstler gestaltet Titel des Time Magazin – Verhüllung als Mahnung

Einen Globus verhüllte er zum ersten Mal für ein Cover des Time Magazine. Damals war die Erde hinter transparenter Folie und dunklen Schnüren zu sehen, wie sie sich im Abendrot leicht in den Sand eines Strandes gräbt. »Planet of the Year: Endangered Earth« titelte das Blatt im Januar 1989 und ersetzte seine übliche Person des Jahres durch einen dringenden Weckruf an die Gesellschaft.

Christo Wrapped Globe Signatur

Diesem Aufschrei ging eine Dekade des ersten Erwachens über den Klimawandel voraus. Erstmals ließ das Bewusstwerden über die Ursachen und Auswirkungen von Treibhausgasen die Fachwelt von einer Klimakrise sprechen. Immer mehr Stimmen wurden laut gegen die menschengemachte Zerstörung der Erde. Wissenschaftler und Politiker zeichneten schon damals ein dystopisches Bild unserer Zukunft, sofern ein Wandel im Umgang mit unserem Planeten weiterhin verschlafen oder ignoriert werde.

»Now, more than ever, the world needs leaders who can inspire their fellow citizens with a fiery sense of mission, not a nationalistic or military campaign but a universal crusade to save the planet,«

plädierten die Herausgeber des Time Magazins. An wen sie sich dabei mit besonders viel Nachdruck wandten, zeigt der Globus auf dem Cover: den amerikanischen Kontinent. Positionen von 33 Wissenschaftlern und Staatsoberhäuptern aus zehn Ländern lieferten die nötigen Argumente für den Beginn des globalen Umdenkens. Dieser progressiven Aktion gab Christo mit seinem »Wrapped Globe« ein ausdrucksstarkes Symbol.

Fotos: Jack Kulcke
© Christo 2019

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Exklusive Grafikeditionen: Markus Lüpertz Troja für den CHIO Aachen 2019. Schon vor 6000 Jahren erkannte der Mensch die einzigartigen Eigenschaften von Pferden. Unter allen Tieren gelten sie als diejenigen mit dem größten Einfluss auf die menschliche Kultur. Sie wurden gezähmt und gezüchtet, vor Pflüge oder Kampfwagen gespannt – in vielerlei Hinsicht beflügelten die schnellen Reittiere den Handel und die Kommunikation. Diese weitreichende Bedeutung des Pferdes fasziniert Markus Lüpertz und inspirierte ihn dazu, sich künstlerisch mit dem Tier auseinanderzusetzen.

Durch seine Kunst vermittelt Markus Lüpertz sein unbedingtes Streben nach einem möglichst vollumfänglichen Bild über die menschliche Existenz. Mit jedem Werk taucht er tiefer in die Geschichte der Menschwerdung und die damit entstandenen mythischen Welten ein. In diesen spielt das Pferd eine herausragende Rolle, berichten doch antike Sagen von der griechischen Eroberung Trojas mit Hilfe eines hölzernen Pferdes oder von Zentauren, die halb Mann, halb Hengst, in den Gebirgen Arkadiens leben.

Markus Lüpertz nähert sich dem Pferd als Sujet aus dieser mythologischen Perspektive und nutzt die Optionen der Geschichte, das edle Tier sowohl in seiner ästhetischen als auch spirituellen Erscheinung zu visualisieren. Von größtem Anliegen ist ihm dabei, das Pferd in seiner Anatomie und seinen Bewegungen, aber auch in seinem ureigenen Naturell zu begreifen und dieses tief greifende Verständnis in ein Kunstwerk zu übertragen. Wie keinem anderen gelingt es Markus Lüpertz, seine persönliche Lesart des Phänomens Pferd mit den Mitteln der Grafik darzustellen.

Markus Lüpertz Troja Grafiken

Die Noblesse der Bewegung

Für die fünf für den CHIO Aachen entworfenen Farblithografien hat Markus Lüpertz das mythologische Arkadien als Schauplatz gewählt. Damit löst sich der Künstler von den rationalen Vorstellungen über das Leben und zeichnet das Pferd in seiner schönen Erscheinung in einen paradiesischen Ort auf Erden ein. Hier kann es sich in seiner freien Wesensart entfalten, was der Künstler durch die malerische Geste und pastellzarte Farbgebung vermittelt. Auf einem dieser Blätter stellt Markus Lüpertz einen Kentaur dar, um auf den mythologischen Kontext der Reihe zu verweisen und das reale Leben in das Licht der Utopie zu rücken.

Als scharfer Beobachter offenbart sich Markus Lüpertz Troja durch die sechs schwarz-weiß lithografierten Pferdeskizzen. Diese Bilder wirken wie Studien, in denen die Bewegungen des Pferdes in verschiedenen Ansichten wiedergegeben werden. Den Körper des Tieres modelliert der leidenschaftliche Zeichner anatomisch korrekt mit nur wenigen, kräftigen Strichen. Wie keinem Zweiten gelingt es dem Künstler hier, die ungestüme Kraft des Pferdes mittels seines unverkennbaren Duktus zum Ausdruck zu bringen.

Jedem Bild, das unter seinen Händen entsteht, verleibt Markus Lüpertz eine unvergleichliche Atmosphäre ein. Dies gelingt ihm einerseits durch die künstlerische Interpretation des Motivs und andererseits durch den meisterhaften Einsatz der malerischen Mittel. Davon zeugen in besonderer Weise die vier Kaltnadelradierungen, in denen der Künstler ein behände trabendes Pferd abbildet. Hier bestimmt die Feinheit der Linie nicht nur die Leichtigkeit des Schritts, sondern die kräftigen Farben des Himmels auch die Stimmung, in der sich das Pferd bewegt.

Chio Aachen

Der Sage nach war ein Pferd für die Gründung Aachens verantwortlich: Im Sattel saß Karl der Große persönlich, als sein Ross einst mit den Hufen scharrte und heiße Quellen freilegte. An diesem Ort also gründete Karl seine Kaiserpfalz – der Ursprung Aachens. Wo sonst also könnte sich alljährlich die Elite des Pferdesports treffen? Beim CHIO Aachen treten die besten Pferdesportler der Welt um die prestigeträchtigen Preise für Dressur, Springen, Vielseitigkeit, Vierspännerfahren und Voltigieren gegeneinander an. Über 350.000 Besucher strömen Jahr für Jahr zu den Wettkämpfen in der Aachener Soers. Damit ist der CHIO Aachen nicht nur Deutschlands größte Sportveranstaltung, sondern auch das größte Reitturnier der Welt. Wer Weltklasse-Sport in einmaliger Atmosphäre sucht, ist beim Weltfest des Pferdesports genau richtig.

Über den Künstler Markus Lüpertz

Markus Lüpertz, 1941 in Liberec/Tschechien geboren, zählt zu den prominentesten deutschen Künstlern der Zeit. Weltweit ist der Maler, Bildhauer, Grafiker und Schriftsteller für sein Werk kaleidoskopischer Fülle bekannt. Wie keinem anderen gelingt es ihm, sich in neue Gedankenbilder einzulesen und einzuleben, um sie in einer eigenen künstlerischen Vision in die Welt zu vermitteln.

Von Dekade zu Dekade hat sich Markus Lüpertz immer wieder neu erfunden. Was bis heute verbindlich ist für sein Schaffen ist der Gegensatz von Abstraktion und Figuration – das Spiel zwischen Mythos und Wirklichkeit. Mit dem Medium der Druckgrafik befasste sich der Universalkünstler erstmals in den 1980er Jahren. Seitdem hat sich das grafische Werk neben seinen Gemälden und Skulpturen zu einem gleichberechtigten Standbein seiner Kunst entwickelt.

Markus Lüpertz lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Karlsruhe.

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Eine aus 200 000 Satellitenaufnahmen animierte Medieninstallation zeigt das, was das bloße menschliche Auge nicht sieht: die Oberfläche der Sonne. Katharina Sieverding nahm hochaufgelöste 4k-Fotografien der NASA und schuf daraus zwei Filmloops in leuchtendem, ja glühendem Rot und Blau. Diese heliozentrischen Filmbilder liegen den beiden quadratischen Prints zugrunde. Den Titel „Die Sonne um Mitternacht schauen“ verwendet die Düsseldorferin seit den Sechzigerjahren immer wieder für maßgebliche Werkblöcke, so gab sie etwa einer Reihe paradigmatischer Selbstporträts mit goldenem Gesicht aus dem Jahr 1973 ebenfalls diesen Namen.

Sieverding ist eine der einflussreichsten Künstlerinnen unserer Zeit, ihre Werke sind in den Sammlungen der großen Moderne-Museen von New York bis Paris vertreten, mehrfach nahm sie an der documenta und der Venedig-Biennale teil, im Juli wurde ihr in Berlin der Käthe-Kollwitz-Preis verliehen. In ihrem zentralen Medium, der Fotografie, hat sich die heute 72-Jährige früh an das Großformat gewagt und die Grenzen der fotografischen Bildgebung ausgelotet. Als Frau im Kunstbetrieb war sie damit lange eine Ausnahmeerscheinung. Doch dem »Differenzfeminismus«, der auf das Anderssein des Weiblichen besteht, stellte sie die Durchlässigkeit männlicher wie weiblicher Anteile in jedem von uns entgegen – auch darin ihrer Zeit voraus. Thematisch nimmt sie seit je das große Ganze in den Blick: Politik und deutsche Geschichte, Geschlechteridentität und die Macht der Bilder im digitalen Zeitalter.

Katharina Sieverding
DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (RED)

2017
Fotografie
Archival Print
auf Brilliant Museum Satin Matte White 300g
50 Exemplare
80 cm x 80 cm

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Katharina Sieverding
DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (BLUE)

2017
Fotografie
Archival Print
auf Brilliant Museum Satin Matte White 300g
50 Exemplare
80 cm x 80 cm

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Ai Weiwei Finger- Study of Perspective sind in 6 unterschiedlichen Farben im Format 9 x 12,5 x 10 cm entstanden und limitiert auf jeweils 100 Exemplare.

Der chinesische Künstler und Aktivist Ai Weiwei begreift Kritik als Kunst und diese als Beruf. Ohne Umschweife prangert er an, was er als unrecht erkennt. Jedes Kunstwerk ist eine Äußerung, eine politische Aktion, die nichts anderes zum Ziel hat als Zweifel an bestehenden Systemen zu säen.

Ai Weiwei Glasskulpturen – Study of Perspective rekurrieren auf eine fotografische Serie des Künstlers, die seit 1995 entsteht. In ihr streckt Ai Weiwei Machtinstitutionen weltweit seinen Mittel- Finger entgegen: vom Tiananmen-Platz in Peking bis zum Trump-Tower in New York. Die unflätige Geste hält er in Schnappschüssen fest, im Fokus: die Rebellion. Losgelöst von diesen Fotografien verweisen die Abgüsse der Künstlerhand auf Ai Weiweis Grundhaltung, die ein Zeichen gegen jede Art der Unterdrückung fordert. Mit den Skulpturen der „Study of Perspective in Glass“ findet der Ai Weiwei ein starkes Protestsymbol, mit dem er seine eigene Haltung vermittelt und zum Ausgangspunkt der Meinungsbildung des Betrachters macht. Die aus Murano-Glas gefertigten Plastiken sind in sechs Farben zu je 100 Exemplaren erschienen.

Ai Weiwei Glasskulpturen – Study of Perspective

Edition von 6 Skulpturen in unterschiedlichen Farben

Murano-Glas Abguss
je 100 Exemplare
9 x 12,5 x 10 cm
Auf einem Zertifikat signiert und nummeriert

Ai Weiwei Finger und Hand in Murano Glas

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Deep Amber

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Opaline White

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Violet

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Grey

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Alexandrite

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Cobalt Blue

Bei Interesse beraten wir Sie gerne telefonisch unter +49 (0) 211 54 22 13 10 oder per E-Mail unter info@galerie-breckner.de. Wir freuen uns auf Sie!

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Geschwindigkeit durch Technik, Ikonen durch Design. Seit 70 Jahren trifft Porsche den Puls der Zeit. Diese zu fixieren, als Querschnitt der Innovation, das gelingt dem französischen Künstler Etienne Salomé in seiner jüngsten Arbeit „Street Touch“. Dafür blendet er leicht gedreht Aufnahmen von 25 verschiedenen Porsche-Felgen zu einer Chronofotografie übereinander, von der planen Radabdeckung des frühen 356 bis zu den Hightech-Designs neuer Modelle. Im Zentrum rotiert das verbindende Moment, das Logo der Supersportwagen. In ihm spiegelt sich die Evolution der Marke, deren DNA die Beschleunigung ist.

Mit „Street Touch“ denkt sich Salomé in die Zukunft von morgen ein, macht Tradition zum Katalysator von neuem. Vibrierend spiegelt er das Äquivalent dieser Kraft im Drehmoment der Porsche-Felgen.

© 2019 Kunstverlag Galerie Till Breckner / Etienne Salomé

Street Touch, 2018

Lambda-Print hinter 4 mm Plexiglas auf 3 mm Dibond
100 x 100 cm
70 arabisch nummerierte Exemplare,
vom Künstler nummeriert, datiert und signiert.

3.900 EUR

Das Herzstück im Cockpit – der Drehzahlmesser – zeigt diesen kraftvollen Antrieb an. Auch ihm huldigt der Künstler mit zwei faszinierenden Werken: „70 Years Man Machine“ und „Porsche Tachometers“.

Erfahren Sie hier mehr über den Künstler: etienne-salome.com

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„Ich glaube auf moralische Weise an die Kunst. Wenn ich ein Kunstwerk herstelle, mache ich es handwerklich vollkommen, damit der Betrachter ihm vertraut.“ (Jeff Koons)

Mit seiner Kunst schafft der New Yorker Pop-Artist Jeff Koons unverkennbare Archetypen der Gegenwart. In diesem Jahr gibt er seine beliebten Balloon Animals in jeweils einer neuen Farbe heraus. In einer limitierten Auflage von jeweils nur 999 Exemplaren sind die begehrten Motive nun erstmals als  Jeff Koons Balloon Rabbit Violet, Jeff Koons Balloon Swan Magenta, Jeff Koons Balloon Monkey Orange erhältlich.

Jeff Koons Swan Rabbit Monkey 2019

Im Set erreichen die Balloon Animals von Jeff Koons regelmäßig Preise zwischen 40.000 und 50.000 €. Erst dieses Jahr versteigerte ein New Yorker Auktionshaus die drei Motive für 49.477 € (inkl. Aufgeld). In Österreich erhielt das Set 2018 noch einen Zuschlag bei 40.965 € (inkl. Aufgeld).

Nun erscheinen die drei beliebten Motive der Balloon Animals in jeweils einer neuen Farbe und schließen das Projekt der Balloon Animals mit Balloon Swan Magenta, Balloon Monkey Orange und Balloon Rabbit Violet ab. Jedes Motiv ist so in je zwei Farben und in einer Auflage von je nur 999 Exemplaren entstanden.

Balloon Swan, Balloon Rabbit und Balloon Monkey beziehen sich auf Koons‘ berühmte Celebration Series (ab 1994). In ihr transformiert der Künstler Dinge, die man kennt, oder erlebt hat, in perfekt anmutende Kunstwerke. Aus dieser Werkreihe gelangen vor allem seine großformatigen, aus Edelstahl gefertigten Repräsentationen von Ballontieren zur Berühmtheit, die der Künstler 2017 erstmals auf ein handliches Format skaliert. In Porzellan gefertigt, erhalten die Ballon-Archetypen der drei Tiere somit etwas von ihrer Fragilität und Leichtigkeit zurück.

Weitere Informationen zu den Balloon Animals finden Sie hier: www.balloon-editions.de

Hier klicken wenn Sie Jeff Koons kaufen möchten.

Hier finden Sie direkt die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2017.

Auch empfehlen können wir Ihnen die Skulpturen der Serie Jeff Koons Balloon Dog.

Haben Sie weitere Fragen? So freuen wir uns auf Ihre Nachricht.

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Mit der Grafik “ Heinz Mack Klaviatur“ eröffnet der Künstler eine neue Dimension im Medium der Druckgrafik. Das neue Motiv misst nicht nur 180 x 140 cm, es wurde auch mit unglaublichen 120 Sieben gedruckt. Damit sind die Blätter die bis dato größten grafischen Werke des Künstlers.

Wie farbige Partituren rhythmisieren die vertikalen Steifen das mannshohe Blatt, wodurch die leuchtenden Takte in zwei übereinander gestellten Reihen eine fröhliche Farbmelodie zu spielen scheinen. Es wirkt als schlügen die einzelnen Farben der Klaviatur die unterschiedlichsten Töne an, die mal dunkel, mal lichter die Folge der Klänge zu einer harmonischen Einheit formen. Wie schnell die Töne dabei klingen, zeigt sich in der Breite der Streifen. Sie versetzen das Blatt in ihrer bunten Folge in eine schwingende Bewegung.

Klaviatur, 2018
Druck mit 120 Sieben auf Reinhadern naturweiß, 270 g
180 x 140 cm (bzw. 140 x 180 cm)

Auflage: 50 arab. (als Hochformat), 10 röm. (als Querformat), num., sign. Exemplare zzgl. E.A.

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Premiere Heinz Mack Grafik BLAUES KREUZ: Es ist ein Druck mit 32 Sieben auf 300g Hahnemühle Bütten, im Format 52,3 x 49,9 cm. Die Edition hat eine Auflage von 70 arab., 10 röm. nummerierte Exemplaren.

Licht ist Voraussetzung und Eigenschaft aller Erscheinung. Denn erst durch Licht wird das Dunkel erhellt und die Farben von Dingen sichtbar. Was zum Vorschein kommt ist die Wirklichkeit in ihrem bunten Sein und mit ihr das Leben in all seinen reichen Facetten. In seiner Kunst macht sich Heinz Mack dieses Prinzip zunutze, um den Betrachter an die Ureigenschaft der Objekte zurückzuführen: das Licht. Nicht, um etwas Reales zu beleuchten, sondern um die Scheinhaftigkeit, von allem was ist, zu entlarven. Dies gelingt ihm durch zwei wesentliche Maßnahmen: Erstens, der Verzicht auf die Gegenständlichkeit und zweitens, die Identifikation der Farbe mit Licht.

Blaues Kreuz, 2018
Druck mit 32 Sieben auf Bütten, Hahnemühle 300 g

52,3 x 49,9 cm
70 arab. und 10 röm. Exemplare, zzgl. E.A.

Edition: Galerie Breckner GmbH

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Macks Bilder befreien sich dadurch jeder abbildhaften Funktion, werden zu wahrnehmbaren Zeichen der Idee von Immaterialität selbst. „Obwohl es scheinen mag, dass ich meine Arbeit ausschließlich dem Licht gewidmet habe, muss ich jedoch erklären, dass es stets allein meine Absicht war und immer noch ist, Gegenstände zu machen, deren Erscheinungsweise immateriell ist“, wie der Künstler seine Intention bereits 1966 konkretisierte.

In Land Art-Projekten, Skulptur, Malerei, Zeichnung und Grafik untersucht Heinz Mack bis heute die Befreiung seiner Kunst durch Licht. Das Medium der Grafik dient ihm dabei als probates Mittel, mit dem Material Farbe, dem stofflichen Träger von Licht, verschiedenste Wege zu diesem Ziel zu erkunden. In seiner neuesten Grafik „Blaues Kreuz“ komprimiert Heinz Mack dieses künstlerische Bestreben zu einem strahlenden Symbol. Auf kleinem Format ordnet er dafür einen Teil des sichtbaren Lichtspektrums in ein Gerüst rechteckiger Formen. Die Basis bildet ein Kreuz, das sich von unten nach oben aus fünf annähernd gleichgroßen Flächen in unterschiedlich kräftigen Blaunuancen zusammensetzt.

Mit dem Kreuz als kulturell geprägtes Zeichen für Frieden und Hoffnung findet Heinz Mack ein starkes Sinnbild für sein Bestreben nach Transzendenz. Endlos und besonders klar vermittelt sich dieser spirituelle Gedanke durch die blaue Farbe im Zentrum, denn auch sie birgt eine Bedeutung in sich, die auf Reinheit, Harmonie und Ruhe verweist.

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