Ausstellung „Himmelgeister Norbert Tadeusz zum 10. Todestag“. Die Werkschau wird vom 21. Mai bis zum 22. August 2021 im Mittelrhein-Museum in Koblenz gezeigt.

Norbert Tadeusz hat die sinnliche Wahrnehmung zum Streitfall seiner Kunst erklärt. „Mich erstaunt die Welt“, charakterisiert er seine Sicht der Dinge und definiert zugleich den Ursprung seiner Inspiration. Seine Werke oszillieren zwischen Wirklichkeit und Illusion, unterlaufen Begriffe wie Realismus und Abstraktion, verbinden Ernsthaftigkeit mit Ironie. Das Gegenständliche ist sein Mittel der Wahl, das diese Divergenzen zum Vorschein bringt. Aus dem Alltag bekannte Figuren und Objekte verwendet er als wiederkehrende Motive, nicht um die äußere Wirklichkeit zu mimen, sondern um sie neu zu gestalten. Schauplätze dieser Realitätsentwürfe sind Schlachthof, Schlafzimmer, Schwimmbad, aber auch Künstleratelier und Natur – alles Orte, die Norbert Tadeusz selbst gesehen hat und nun öffnet für eine künstlerische Neukonstellation der sichtbaren Welt.

Ausstellung „Himmelgeister Norbert Tadeusz zum 10. Todestag“

In Kooperation mit dem Nachlass Norbert Tadeusz und der Kunsthalle Koblenz kann die Ausstellung seit dem 21. Mai besucht werden. Der Ausstellungstitel ist angelehnt an das Atelier des Künstlers, welches sich in der Himmelgeister Straße in Düsseldorf befunden hat und heute Sitz des Nobert Tadeusz Estate ist.

Ausstellung „Himmelgeister Norbert Tadeusz zum 10. Todestag“
vom 21. Mai bis zum 22. August 2021
Mittelrhein Museum Koblenz
Zentralplatz 1
56068 Koblenz
Tel: 0261 – 129 2502
Email: info@mittelrhein-museum.de

Bitte informieren Sie sich auf der Website des Museum über die aktuell geltenden Bedingungen eines Museumsbesuchs.

Öffnungszeiten
Dienstag – Sonntag, jeweils von 10 – 18 Uhr
Montag geschlossen

Eintritt
Sonderausstellung: 8 EUR/ermäßigt 6 EUR
Kinder bis 12 Jahre und Mitglieder des Vereins der Freunde des Mittelrhein-Museums und des Ludwig Museums zu Koblenz e.V. haben freien Eintritt

Auskünfte und Anmeldungen
Für den Ausstellungsrundgang ist die Buchung eines Timeslots erforderlich. Diese kann telefonisch unter 0261 – 129 2520/2521 oder per Email unter mrm-kasse@stadt.koblenz.de gebucht werden.

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Wrapped Globe – Christo verhüllt einen Globus und interpretiert damit eines der größten Themen unserer Zeit: die Verletzlichkeit unserer Erde. Der Künstler, der sein gemeinsames Schaffen mit Jeanne-Claude alleine fortsetzt, hat seine neue Edition »Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere)« exklusiv für DIE ZEIT und den Kunstverlag Till Breckner erschaffen.

Christo Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere), 2019 | Foto: Jack Kulcke

Die Weltkugel ruht für einen Augenblick, wie es scheint, auf dem Rücken des nackten Menschen. Sie könnte davonrollen, sie könnte aber auch für weitere Erdzeitalter in dieser Position verharren: Das Wechselspiel zwischen einmaligem Moment und Dauerhaftigkeit beschäftigt einen der bedeutendsten Künstler der Gegenwart in allen seinen Werken.

Christo Collage Grafik Edition Verhüllte Erde

Die Fotografie eines Globus aus den 1960er Jahren – zu sehen sind Europa und Asien – schneidet Christo aus. Er verhüllt die Weltkugel mit einer halbdurchsichtigen Plastikfolie und verschnürt sie mit hellem Faden. So liegt die Erde auf dem Rückenakt einer Frau. Atlas trug einst die Welt auf seinen Schultern. Auf dem Rücken des heutigen Menschen scheint der Globus in eine fragilere Position gezwungen. Die Schönheit der Erde und auch die des menschlichen Körpers wird aber gerade deshalb besonders deutlich.

»Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere)« steht in Christos prägnanter Handschrift unter der Collage, die wiederum mit dem für seine Arbeiten ebenfalls typischen Kreppband auf Karton befestigt ist. Senkrechte und waagerechte Linien scheinen den Globus in seiner Position zu halten. Ziffern am Bildrand deuten die Vermessung der Welt an. Die Collage ist handgearbeitet, handsigniert, nummeriert und datiert. Mit 85 x 75 cm ist sie für Christos Werk ungewöhnlich groß. Das Zusammenspiel der verschiedenen Materialien gibt der Collage eine besondere Haptik und erzählt, wie alle Werke von Christo, von ihrem Entstehungsprozess.

Christo Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere), 2019 (Detail)

Wrapped Globe (Eurasian Hemisphere), 2019

Collage-Grafik
(in halbtransparente Plastikfolie verhüllte, mit Kordel verschnürte und von Hand mit Wachskreide schraffierte Fotografie eines Globus, aufgebracht auf Siebdruck auf Karton, Fotografie und Klebestreifen)
85 x 75 cm
160 arab. und 90 röm. num., sign. Exemplare

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Christo Wrapped Globe Signatur

Künstler gestaltet Titel des Time Magazin – Verhüllung als Mahnung

Einen Globus verhüllte er zum ersten Mal für ein Cover des Time Magazine. Damals war die Erde hinter transparenter Folie und dunklen Schnüren zu sehen, wie sie sich im Abendrot leicht in den Sand eines Strandes gräbt. »Planet of the Year: Endangered Earth« titelte das Blatt im Januar 1989 und ersetzte seine übliche Person des Jahres durch einen dringenden Weckruf an die Gesellschaft.

Christo Wrapped Globe Signatur

Diesem Aufschrei ging eine Dekade des ersten Erwachens über den Klimawandel voraus. Erstmals ließ das Bewusstwerden über die Ursachen und Auswirkungen von Treibhausgasen die Fachwelt von einer Klimakrise sprechen. Immer mehr Stimmen wurden laut gegen die menschengemachte Zerstörung der Erde. Wissenschaftler und Politiker zeichneten schon damals ein dystopisches Bild unserer Zukunft, sofern ein Wandel im Umgang mit unserem Planeten weiterhin verschlafen oder ignoriert werde.

»Now, more than ever, the world needs leaders who can inspire their fellow citizens with a fiery sense of mission, not a nationalistic or military campaign but a universal crusade to save the planet,«

plädierten die Herausgeber des Time Magazins. An wen sie sich dabei mit besonders viel Nachdruck wandten, zeigt der Globus auf dem Cover: den amerikanischen Kontinent. Positionen von 33 Wissenschaftlern und Staatsoberhäuptern aus zehn Ländern lieferten die nötigen Argumente für den Beginn des globalen Umdenkens. Dieser progressiven Aktion gab Christo mit seinem »Wrapped Globe« ein ausdrucksstarkes Symbol.

Fotos: Jack Kulcke
© Christo 2019

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Die London Mastaba von Christo – sie war nicht zu übersehen: 20 Meter hoch ragte die gigantische Skulptur aus 7.506 bunt bemalten, liegend gestapelten Ölfässern – in Form einer Pyramide mit abgeschnittener Spitze – aus dem Wasser hervor. Der trapezförmige Koloss wurde zur Attraktion des Sommers im Londoner Hyde Park.

Mit dem Londoner Projekt erfüllte sich für Christo ein Traum. Schon seit 1977 arbeitet er an der «Mastaba», die in arabischer Sprache «Bank» bedeutet und sich in ihrer Form in altägyptischen Grabbauten wiederfindet. Versuche in Texas, den Niederlanden und den USA schlugen fehl. Auch das 500 Tonnen schwere Londoner Projekt, mit einer Dimension von 30 Meter Breite und 40 Meter Länge, gilt als Vorläufer eines noch viel ehrgeizigeren Plans.

Noch gemeinsam mit seiner 2009 gestorbenen Frau Jeanne-Claude hatte Christo Ende der 1970er-Jahre eine «Mastaba für die Wüste Abu Dhabis konzipiert, die aus 410.000 bunten Ölfässern bestehen soll. Es wäre mit einer Höhe von 150 Meter und 300 Meter Länge die größte Skulptur der Welt. An dem Plan hält Christo fest. Das «lebenslange Projekt» sei in Arbeit …

Anlässlich der Weltpremiere der Fotografien zur London Mastaba werden 18 von Christo und Wolfgang Volz handsignierte Motive vorgestellt. Die Motive erscheinen in einer 15er-Auflage.

Einladung zur Vernissage

am 6. Oktober 2019, 15 Uhr
Galerie Breckner, Altestadt 7, 40213 Düsseldorf
Der Fotograf Wolfgang Volz ist anwesend.

Aufgrund der begrenzten Teilnehmerzahl bitten wir um Anmeldung bis zum 30. September 2019,
telefonisch unter 0211.54 22 13 10 oder per E-Mail unter info@galerie-breckner.de

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Der amerikanische Künstler Jeff Koons hat am Petit Palais in Paris seine Skulptur zu Ehren der Anschlagsopfer vom 13. November 2015 enthüllt.

„Bouquet of Tulips“ (Blumenstrauß) heißt das 33 Tonnen schwere Kunstwerk, das Koons der Stadt geschenkt hat. 12 Meter misst die Großplastik einer monumentalen Hand, die elf bunte Tulpen hält.

Im Herzen von Paris soll das Monument an die 130 Menschen erinnern, die den islamistisch motivierten Attentaten vom 13. November zum Opfer gefallen waren. Laut Koons spielt sein Werk auf die Hand der New Yorker Freiheitsstatue und ihre Fackel an. „Es sind nur elf Blumen“, erläuterte Koons bei der Enthüllung der Skulptur am 4. Oktober. „Die fehlende zwölfte symbolisiert den Verlust durch die Attentate.“

Jeff Koons Kunstwerk für Paris sei ein Symbol der Erinnerung und der Hoffnung, sagte der 64-jährige. Die Blumen seien als universelles Zeichen zu verstehen, die mit Optimismus und Hoffnung assoziiert werden.

Auf dem internationalen Kunstmarkt erzielen die Kunstwerke von Jeff Koons Höchstpreise. Erst im Mai wurde sein „Rabbit„, die Stahlskulptur eines Hasens, für rund 91 Millionen Euro versteigert.

Hier klicken wenn Sie Jeff Koons kaufen möchten.

Hier finden Sie direkt die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2017 bestehend aus Jeff Koons Balloon Rabbit Red, Jeff Koons Balloon Swan Yellow und Jeff Koons Balloon Monkey Blue.

Oder interessieren Sie sich für die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2019? Sie bestehen aus den Motiven Jeff Koons Balloon Rabbit Violet, Jeff Koons Balloon Swan Magenta, Jeff Koons Balloon Monkey Orange

Auch empfehlen können wir Ihnen die Skulpturen der Serie Jeff Koons Balloon Dog, die Jeff Koons Balloon Dog Magenta, Jeff Koons Balloon Dog Orange und Jeff Koons Balloon Dog Yellow beinhalten.

Haben Sie weitere Fragen? So freuen wir uns auf Ihre Nachricht.

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Markus Lüpertz enthüllt Leda – Einweihung der gleichnamigen Skulptur f am Samstag, den 21. September 2019 am Rheinufer der Stadt Monheim.

Für das Monheimer Rheinufer hat Markus Lüpertz das Wahrzeichen der Stadt, die „Gänseliesel“, neu interpretiert. Foto: Jack Kulcke

Seit 1939 trägt die Stadt Monheim am Rhein die »Gänseliesel« im Wappen. Nun hat sich Markus Lüpertz der Monheimer Symbolfigur angenommen und für das städtische Rheinufer neu interpretiert. Am vergangenen Samstag, den 21. September, enthüllte der Künstler die Monheimer »Gänseliesel« in Gestalt der mythologischen »Leda«. Hunderte Kunstfreunde waren zur Einweihung der Skulptur an den Rhein gekommen.

Vor strahlend blauem Himmel erschien die Figur der »Leda« wie ein modernes Gemälde. In gleißend helles Sonnenlicht getaucht, setzte sich die Kontur der Skulptur an diesem Samstagvormittag so scharf von ihrem Hintergrund ab, dass es schien, als habe Markus Lüpertz sie in den Himmel eingemalt.

Angelehnt an die Monheimer »Gänseliesel« als Wappenmotiv und bedeutendes Wahrzeichen der Stadt verwirklichte Markus Lüpertz eine athletische Frau, die zärtlich von einer Gans liebkost wird. Den Arbeits- und Entstehungsprozess der monumentalen Skulptur zeichnet die begleitende Ausstellung »Markus Lüpertz – Gänseliesel trifft Leda« in den gegenüberliegenden Hallen der Kulturraffinerie K714 nach. Zur Finissage am 31. Oktober werden Markus Lüpertz und die Free-Jazz Band TTT spielen.

Weitere Informationen zur Ausstellung finden Sie hier.
Zur Finissage erscheint ein Katalog.

Markus Lüpertz – Gänseliesel trifft Leda
Ausstellung 21.09.2019 – 31.10.2019 | Kulturraffinerie K714, Rheinparkallee, Monheim am Rhein

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Markus Lüpertz Haus der Kunst München – Ausstellung „Über die Kunst zum Bild“. Der Künstler Markus Lüpertz (*1941) zählt zu den zentralen Figuren der deutschen Nachkriegskunst. Seit den sechziger Jahren hat er die moderne Malerei entscheidend mitgeprägt. Das Haus der Kunst in München widmet dem Künstler ab dem 13. September eine groß angelegte Ausstellung. „Markus Lüpertz. Über die Kunst zum Bild“ stellt die Lebenskraft des uralten Mediums Malerei in den Fokus und beleuchtet erstmals den seriellen Charakter in Lüpertz‘ bildnerischem Schaffen. Anhand von über 200 Gemälden und Zeichnungen zeigt sie, wie Lüpertz ein auf innere Zusammenhänge basierendes Werk entwickelt hat, das von einer filmischen Sichtweise geprägt ist.

Das Bild als Zeitbegriff

Im Zentrum der Ausstellung steht die Entwicklung einer neuen Seh- und Leseweise der Bilder von Markus Lüpertz. Dieser bestimmte die Negation des Einzelbildes schon seit den frühen sechziger Jahren zur Direktive seiner Kunst. Fasziniert von der zeitlichen Abfolge in Filmen verschrieb er sich seit dieser Zeit einer bevorzugt seriellen Arbeitsweise und erklärt rückblickend: „Ich war fasziniert von der zeitlichen Abfolge eines Films und seiner Form in Tausenden von Bildern. Daß ich ein Bild dreimal oder zehnmal malte, in fast gleicher Gestalt, hatte mit diesem Zeitverlauf des Kinos zu tun. […] Damit öffnete ich das Bild als Zeitbegriff.“

Über die Kunst zum Bild

Werke aus dem Zeitraum zwischen 1963 und 1980 zeichnen die Anfänge dieses künstlerischen Vorgehens nach, darunter unter anderem die Donald-Duck-Serie (1963). In zahlreichen Gemälden und Zeichnungen abstrahierte Lüpertz hier die ungebrochenen Farben der Disney Cartoons, ohne deren illustratives Format oder erzählerischen Zusammenhang zu übernehmen.[1] Einen ähnlichen Ansatz wählte der Künstler für seine berühmten Dithyramben-Gemälde, die ab 1964 entstanden. In den frühen Bildern dieser Serie scheint er die Form des 20th-Century-Fox-Logos interpretiert zu haben.[2]

Ab den 1970er Jahren setzte sich Markus Lüpertz vermehrt mit der deutschen Geschichte auseinander. In den sogenannten „deutschen Motiven“ eignete er sich von der faschistischen Vergangenheit konnotierte Gegenstände wie Stahlhelme, Fahnen, Spaten oder Ähren an und übersetzte sie in ästhetisch erfahrbare Formen. Auch hier nutzte er das Prinzip der Serie, um den gewählten Motiven durch Wiederholung und Variation einen ikonischen Charakter zu verleihen. In vielen Gemälden und Zeichnungen, die zwischen 2000 und 2019 entstanden, finden sich diese Symbole wieder. Sie vereinen scheinbar heterogene Serien zu einem komplex ineinandergreifenden Gesamtwerk und belegen, dass sich Markus Lüpertz mit den Mitteln der Kunst bis heute einem erweiterten Bild-Begriff annähert.

Markus Lüpertz Haus der Kunst:  Über die Kunst zum Bild
Ausstellung 13.09.2019 – 26.01.2020 | Haus der Kunst, Prinzregentenstraße 1, 80538 München

[1] vgl. Richard Shiff, Looping, in: Kunst und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH (Hg.), Markus Lüpertz. Hauptwege und Nebenwege, Köln 2009, S. 202–219, S. 207.

[2] ebd.

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Norbert Tadeusz, Feldafing VIII, 2005, Acryl / Leinwand, 274 x 466 cm, NATIONAL-BANK Sammlung © Norbert Tadeusz / VG Bild-Kunst, Bonn, 2019, Foto: Mick Vincenz

Der Kunstpalast zeigt seit rund 30 Jahren erstmals eine Museumsausstellung von Norbert Tadeusz (1940–2011) in Düsseldorf. 40 Gemälde sowie Arbeiten auf Papier geben einen Einblick in sein außergewöhnliches Oeuvre. 

In den sechziger Jahren studierte der gebürtige Dortmunder an der Kunstakademie Düsseldorf bei Joseph Beuys. Durch seinen gegenständlich, expressiven Malstil erarbeitete er sich neben Kommilitonen wie Imi Knoebel, Blinky Palermo, Reiner Ruthenbeck oder Katharina Sieverding schnell eine Sonderstellung.

Die Figur im Raum entwickelte sich zum zentralen Thema von Norbert Tadeusz. Den deutschlandweiten Tendenzen hin zur abstrakten, minimalistischen oder konzeptionellen Kunst setzte er eine aufsehenerregende, figurative Malerei entgegen. In großformatigen, häufig monumentalen Gemälden behandelte Tadeusz ebenso virtuos wie provokant Themen wie Gewalt, Tod und Eros.

Inspiration fand der Künstler in den venezianischen Meistern der Spätrenaissance ebenso wie in der amerikanischen Farbfeldmalerei. Elemente wie die manieristisch bewegte Figur oder die Strukturierung der Bildfläche durch monochrome Farbflächen übernahm und interpretierte Tadeusz, um seine unkonventionellen Bildräume zu erfinden. Seine charakteristischen weiblichen Aktbilder, die durch teils extreme Posen auffallen, sowie seine Darstellungen von Tierkadavern, die der historischen Reihe dieser Motive von der holländischen Stilllebenmalerei bis zu Francis Bacon eine weitere Facette hinzufügt, gehören zu den radikalsten Bildfindungen der westlichen Malerei in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Die Ausstellung wird in enger Zusammenarbeit mit dem Nachlass des Künstlers realisiert und anschließend im LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster gezeigt werden.

Norbert Tadeusz
Ausstellung 29.08.2019 – 05.01.2020 | Kunstpalast, Ehrenhof 4-5, 40479 Düsseldorf
Kurator: Kay Heymer

Weitere Informationen zur Ausstellung erhalten Sie hier.

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Norbert Tadeusz hat die sinnliche Wahrnehmung zum Streitfall seiner Kunst erklärt. „Mich erstaunt die Welt“, charakterisiert er seine Sicht der Dinge und definiert zugleich den Ursprung seiner Inspiration. Erstmals präsentieren die Galerie Breckner und CONZEN druckgrafische Arbeiten von Norbert Tadeusz aus über 20 Schaffensjahren in einer Gemeinschaftsausstellung in Düsseldorf.

Ohne Titel (Santa Lucia), 1995, Lithografie, 71 x 140 cm © Norbert Tadeusz Estate und VG Bild-Kunst, Bonn

Die Werke von Norbert Tadeusz oszillieren zwischen Wirklichkeit und Illusion, unterlaufen Begriffe wie Realismus und Abstraktion, verbinden Ernsthaftigkeit mit Ironie. Das Gegenständliche ist sein Mittel der Wahl, diese Divergenzen zum Vorschein zu bringen. Aus dem Alltag bekannte Figuren und Objekte verwendet er als wiederkehrende Motive, nicht um die äußere Wirklichkeit zu mimen, sondern um sie neu zu gestalten. Schauplätze dieser Realitätsentwürfe sind Schlachthof, Schlafzimmer, Schwimmbad, aber auch Künstleratelier und Natur – alles Orte, die Tadeusz selbst gesehen hat und nun öffnet für eine künstlerische Neukonstellation der sichtbaren Welt.

„Meine Bilder handeln vom alltäglichen Leben… Es geht ums Hier-Sein.“

Zur Methode dieser Wirklichkeitskonstruktion zählt die formale Organisation des Bildraums. Bewusst verweigert sich Norbert Tadeusz dabei den Beschränkungen der Zentralperspektive. Lieber wählt er Aufsichten oder ungewöhnliche Blickwinkel, um den Raum als Trugbild zu dekuvrieren. Figuren lässt er in extremen, teils akrobatischen Körperhaltungen posieren – was die skurrile Fremdheit des Gezeigten unterstützt und die volle Aufmerksamkeit des Betrachters sichert. Er kann sich den optischen Sensationen nicht entziehen und wird zum Teil des künstlerischen Prozesses. Denn erst durch die Wahrnehmung des Betrachters wird das Bild als solches existent und zum Teil der erfahrbaren Realität.

Wir feiern das 165-jährige Jubiläum von CONZEN und die zukünftige Nachlassbetreuung des druckgrafischen Werks von Norbert Tadeusz durch die Galerie Breckner und laden Sie herzlich zur Ausstellungseröffnung ein.

Norbert Tadeusz. Wirklichkeit und Illusion

Eröffnung
am Samstag, 31. August 2019

14 Uhr
Galerie Breckner
Altestadt 6, 40213 Düsseldorf

15 Uhr
CONZEN am Carlsplatz
Benrather Str. 8, 40213 Düsseldorf

Es spricht Dr. Gerhard Finckh

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Markus Lüpertz interpretiert Monheimer Gänseliesel, die seit 1939 trägt die Stadt Monheim am Rhein die Gänseliesel im Wappen. Nun nimmt sich der renommierte Künstler Markus Lüpertz dieser sagenhaften Figur an und interpretiert die Monheimer Symbolfigur als Großskulptur für das städtische Rheinufer.

Als Gips-Modell hat der langjährige Rektor der Düsseldorfer Akademie erstmals seine Idee der Gänseliesel vorgestellt. Ende des Jahres wird dieser Entwurf dann als monumentale Bronzeskulptur umgesetzt. Auf dem Landschaftsbalkon der Monheimer Straße soll das dreieinhalb Meter hohe Kunstwerk weithin sichtbar aufgestellt werden und mit einer Gesamthöhe von rund elf Metern zur symbolischen Landmarke der Stadt avancieren.

Gänseliesel als mythische Leda

Markus Lüpertz Leda Entwurf Monheim

In den Ikonen der westlichen Kultur findet Markus Lüpertz sein großes Thema. Für das Monheimer Rheinufer interpretiert er nun die sagenhafte Figur der Gänseliesel. Nicht als zierliches Mädchen, wie ihr diminutiver Name sie charakterisiert, sondern als athletische Frau, als mythische Leda, die ihr tierisches Attribut selbstbewusst in der Armbeuge hält. Wie die klassischen Skulpturen der antiken Griechen formt Markus Lüpertz die Gestalt dieser Schönheit, deren Äußeres der typischen Geste des Künstlers entspricht. Seine Figur modelliert Lüpertz, in der Oberflächentextur haptisch bewegt, fest auf beiden Füßen stehend, woraus sich die frontale Ansicht der Skulptur ergibt. Der weiblichen Gestalt verleiht dieser Kunstgriff ihren wesensmäßig selbstbewussten Habitus. Ihren Kopf hat die Frau stark nach rechts geneigt, ihre Lippen umspielt ein leichtes Lächeln. Es scheint als höre sie wohlwollend, was ihr die Gans zu ihrer Linken mitteilt. Nicht schnatternd, sondern in vertrauter Ruhe, wendet sich das Tier ihrer Bezugsperson zu.

Mythen und Sagen sind das Thema von Markus Lüpertz

Der Sage nach war die Gänseliesel Ziehtochter von Johann Peter Aschenbroich. Seit 1695 war er Vogt des Herzogs von Berg. Im Monheimer Amt waren ihm die Rechtsprechung und Verwaltung von Gerichtsbußen übertragen. Gegenüber der städtischen Freiheit vertrat er die bergischen Grafen und Herzöge. Rang und Dienst des Vogtes verpflichteten ihn und sein Umfeld zu vertrauensvoller Verschwiegenheit: „Nocet esse locutum“ (etwa: „Geschwätz schadet“) ließ er deshalb auf sein Dienstsiegel prägen – gemeinsam mit der Darstellung einer Magd, die einer Gans (dem Volk) das Schnattern untersagt, indem sie den Zeigefinger vor ihre Lippen hält. Als Symbol des amtlichen Dienstes entwickelte sich die Darstellung bald zum Motiv. Als solches fand die Monheimer Gänseliesel bald auch Einzug in das bürgerliche Bewusstsein. 1873 erhielt sie beispielsweise eine tragende Rolle in der örtlichen Sage „Der lustige Spielmann von Monheim“. Bis heute wird dieses Traditionspaar im karnevalistischen Brauchtum gefeiert.

Einweihung „Markus Lüpertz interpretiert Monheimer Gänseliesel“
am Samstag, den 21. September 2019
um 11 Uhr am Rheinufer

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Die Paul van Hoeydonck Skulptur Fallen Astronaut ist seit 1971 das einzige Kunstwerk auf dem Mond und ist das heimliche Symbol der Apollo-Ära.

Paul van Hoeydonck, Fallen Astronaut, 1971, Memorial at Hadley Rille Valley on the Moon, 1971 © NASA | Archive Danny Van Hoecke

Die erste Mondlandung von 1969 fasziniert bis heute. DER SPIEGEL ehrt diese technische, wissenschaftliche und organisatorische Meisterleistung anlässlich ihres Jubiläums mit einer ganzen Reihe an Artikeln. Einer davon aus der Perspektive des belgischen Künstlers, Paul Van Hoeydonck, der einige Missionen nach Apollo 11 das Kunstwerk Man in Space auf den Mond bringen lies.

Gemeint ist die kleine Aluminium Paul van Hoeydonck Skulptur „Fallen Astronaut“ von 1971, die sich zum heimlichen Symbol der Apollo-Ära entwickelt hat. „Ich bin stolz darauf, der einzige Mensch zu sein, der Kunst auf einen anderen Planeten gebracht hat“, zitiert einestages-Redakteur Christoph Gunkel Paul Van Hoeydonck. Der Künstler, dessen winzige Statuette seit Apollo 15 die Menschheit auf dem Erdtrabanten vertritt.

Lesen Sie hier den kompletten Artikel zum Kunstwerk, den SPIEGEL Online anlässlich der ersten Mondlandung veröffentlicht hat.

Der Beitrag Paul van Hoeydonck Skulptur Fallen Astronaut – Artikel im SPIEGEL erschien zuerst auf Kunstverlag Till Breckner - Günther Uecker, Heinz Mack, Otto Piene, ....