Heinz Mack Keramik Skulpturen zeichnen sich durch ihren elementaren und kraftvollen Charakter in Verbindung mit Licht und/oder Bewegung aus.

Heinz Mack Keramik Skulpturen

Der Raum bildet für Heinz Mack die Grundlage seines künstlerischen Schaffens. Keramiken ermöglichten ihm die Öffnung der Skulptur in den privaten Kunstkosmos. Bernd Hakenjos beschreibt in seiner Publikation „Heinz Mack. Keramisches Werk“ von 1997: „Wenn Heinz Mack Keramik Skulpturen schuf, waren sie immer Teil eines übergreifenden, von einem Grundthema bestimmten Gesamtkonzepts, das auf dem kreativen Zusammenspiel von Lichtmodulation und Raum, von Artefakt und Landschaft wie im Sahara-Projekt beruhte. Das Licht, entstanden aus dem Feuer, bot dazu die energetische Voraussetzung. Von dort ist es nicht weit zur Urgewalt des Feuers, das dem zunächst leicht formbaren Ton unter großen technischen Schwierigkeiten, wenn nicht Gefährdungen, in Brand zur endgültigen Gestalt verhilft. Als stereometrischer Körper behauptet sich ihr Volumen in der räumlichen Umgebung. Das wechselnde Licht präzisiert ihre Konturen trotz der statischen Blockhaften in virtuellen kinetischen Modulationen, je nachdem wie das Licht die Oberfläche der Skulptur berührt. Wie die klassischen Skulpturen aus Holz, Stein und Metall beziehen die keramischen Arbeiten ihre hieratische Würde aus ihrer Widerständigkeit zum Licht, ihr Schatten doppelt

ihr Volumen zur immateriellen Gestalt; aus der tektonischen Skulptur erwächst das Spiel der geformten Materie Ton mit dem Licht.

Der Künstler, der stets kategorisch eine „Bemalung“ seiner Skulpturen abgelehnt hatte, weil er ihre materialbedingte Eigenfarbe bevorzugte, entdeckte die Eigengesetzlichkeit der keramischen Skulptur in ihrer „farbigen gläsernen Haut“ und machte die glasierte Oberfläche neben der elementaren Formgebung zum außerordentlichen Kriterium seiner keramischen Arbeiten. Seine Farbgebung leitet sich aus jedem axiomatischen Grundthema seines artifiziellen Schaffens ab, das den Reichtum der Farbe aus der Chromatik des Lichtspektrums deduziert: Vom Ende der ZERO-Zeit bis heute habe ich Farbe in ihrer Reinheit bevorzugt, die im Lichtspektrum erscheinen, als Sequenz, als harmonische Folge, als Struktur, als ein in sich stimmiges Kontinuum des Farblichts. So verwundert es nicht, dass Heinz Mack mit einer Palette starkfarbiger Abstufungen eine ganz eigenständige Glasurgestaltung entwickelt hat, die nicht als lokale Farbe in Erscheinung tritt, sondern das Licht auf sich zieht und im Wechsel des Lichts eine Vielfalt von Farbnuancierungen hervorruft. Deshalb ist die Mehrzahl der keramischen Skulpturen mit transparenten Glasuren versehen, die Tiefe haben, den Blick des Betrachters in das Innere des Volumens ziehen und die Konturen der Raumkörper unter wechselndem Lichteinfall changierend verändern.“

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Jubiläum Mondlandung Apollo 15 – Heute, am 30. Juli auf den Tag genau vor 50 Jahren landete die Apollo 15 auf dem Mond mit dem Kunstwerk FALLEN ASTRONAUT von Paul van Hoeydonck im Gepäck. An Bord der Raumkapsel waren der Kommandant David Scott (geb. 1932), Pilot der Kommandokapsel Alfred „Al“ Worden (1932–2020) und der Pilot des Mondlandemoduls James Irwin (1930–1991).

Diese Mission war in vielerlei Hinsicht eine Premiere. Zum einen war erstmals ein „Mondauto“ dabei, mit dem wurden insgesamt drei Ausfahrten gemacht. Noch heute steht dieses historische Vehikel auf dem Mond. Zum anderen beförderte die Crew ein Kunstwerk des belgischen Künstlers Paul van Hoeydonck ins Weltall. Die 8 cm kleine Skulptur FALLEN ASTRONAUT ist seit 1971 das einzige Kunstwerk auf dem Mond und ist das heimliche Symbol der Apollo-Ära. Die limitierte Version dieses Kunstwerks können Sie bei uns erwerben.

Jubiläum Mondlandung Apollo 15

Am 26. Juli 2021, dem Start der Apollo 15 Mission, erinnerte sich Paul van Hoeydonck an dieses einzigartige Ereignis der Mondmission mit einem wunderschön, handsignierten Foto, welches er seinerzeit nach der Mission von der Apollo-15-Crew erhalten hatte.

Am 02. August 2021 wird im Garten des Botanic Sanctuary Hotels in Antwerpen, die lebensgroße Version (180 cm) des FALLEN ASTRONAUTS (Working title: MAN IN SPACE) in Antwerpen aufgestellt. Paul van Hoeydonck wird die Skulptur einweihen.

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Die neue Skulptur Markus Lüpertz Mozart ehrt den jungen Virtuosen mit einer neuen Kleinplastik aus Bronze. Bis heute zählt Wolfgang Amadeus Mozart zu den berühmtesten Musikern und Komponisten der Wiener Klassik

Der Künstler interpretiert das musikalische Genie als bescheiden gekleideten Burschen. Seine Pose wirkt entspannt, beinahe lässig; seine Silhouette folgt einem s-kurvigen Schwung. Mozart ist nicht in die Mode des barocken Großbürgertums gekleidet, sondern in die legere Bekleidung des Volkes: in ein weißes, aufgeknöpftes Hemd mit hochgekrempelten Ärmeln, eine schlichte, schwarze Kniebundhose, weiße Strümpfe und schwarze Schlupfschuhe. Bürgerlich wirkt der athletische Mann mit seinem zum Zopf gebundenen Haar – ganz anders als sein mythologisch überhöhtes Pendant, das Markus Lüpertz 2005 für den Salzburger Ursulinenplatz entworfen hat.

Hier steht weithin sichtbar eine ausdrucksstarke Mozartskulptur, die Markus Lüpertz nicht als Abbild der historischen Figur, sondern als Personifikation des musischen Genies erdacht hat. Die Skulptur in der Geburtsstadt von Wolfgang Amadeus lässt er als eherne Muse erscheinen, die in heroischer Nacktheit über die Künste wacht. Für Mozart als weibliche Seele hat sich der Künstler entschieden, “[…] weil Mozart für mich Musik ist – und die ist weiblich.“

Markus Lüpertz Mozart Skulptur Edition

Markus Lüpertz Bronze Skulptur Edition Mozart, 2019

Bronze, handbemalt
47 x 14,5 x 14,5 cm

35 Exemplare zzgl. E.A.
signiert und nummeriert in der Plinthe

Preis auf Anfrage

Zum Shop

Markus Lüpertz Mozart Grafik Radierung Aquarell Unikat

Markus Lüpertz Aquarell Unikat Mozart

Ebenfalls sind einige wenige Radierungen des Motiv Mozart vom Künstler in Aquarell Technik handbemalt worden. Die Basis ist eine Kaltnadelradierung, die individuell von Lüpertz übermalt wurde.

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Der amerikanische Künstler Jeff Koons hat am Petit Palais in Paris seine Skulptur zu Ehren der Anschlagsopfer vom 13. November 2015 enthüllt.

„Bouquet of Tulips“ (Blumenstrauß) heißt das 33 Tonnen schwere Kunstwerk, das Koons der Stadt geschenkt hat. 12 Meter misst die Großplastik einer monumentalen Hand, die elf bunte Tulpen hält.

Im Herzen von Paris soll das Monument an die 130 Menschen erinnern, die den islamistisch motivierten Attentaten vom 13. November zum Opfer gefallen waren. Laut Koons spielt sein Werk auf die Hand der New Yorker Freiheitsstatue und ihre Fackel an. „Es sind nur elf Blumen“, erläuterte Koons bei der Enthüllung der Skulptur am 4. Oktober. „Die fehlende zwölfte symbolisiert den Verlust durch die Attentate.“

Jeff Koons Kunstwerk für Paris sei ein Symbol der Erinnerung und der Hoffnung, sagte der 64-jährige. Die Blumen seien als universelles Zeichen zu verstehen, die mit Optimismus und Hoffnung assoziiert werden.

Auf dem internationalen Kunstmarkt erzielen die Kunstwerke von Jeff Koons Höchstpreise. Erst im Mai wurde sein „Rabbit„, die Stahlskulptur eines Hasens, für rund 91 Millionen Euro versteigert.

Hier klicken wenn Sie Jeff Koons kaufen möchten.

Hier finden Sie direkt die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2017 bestehend aus Jeff Koons Balloon Rabbit Red, Jeff Koons Balloon Swan Yellow und Jeff Koons Balloon Monkey Blue.

Oder interessieren Sie sich für die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2019? Sie bestehen aus den Motiven Jeff Koons Balloon Rabbit Violet, Jeff Koons Balloon Swan Magenta, Jeff Koons Balloon Monkey Orange

Auch empfehlen können wir Ihnen die Skulpturen der Serie Jeff Koons Balloon Dog, die Jeff Koons Balloon Dog Magenta, Jeff Koons Balloon Dog Orange und Jeff Koons Balloon Dog Yellow beinhalten.

Haben Sie weitere Fragen? So freuen wir uns auf Ihre Nachricht.

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Markus Lüpertz interpretiert Monheimer Gänseliesel, die seit 1939 trägt die Stadt Monheim am Rhein die Gänseliesel im Wappen. Nun nimmt sich der renommierte Künstler Markus Lüpertz dieser sagenhaften Figur an und interpretiert die Monheimer Symbolfigur als Großskulptur für das städtische Rheinufer.

Als Gips-Modell hat der langjährige Rektor der Düsseldorfer Akademie erstmals seine Idee der Gänseliesel vorgestellt. Ende des Jahres wird dieser Entwurf dann als monumentale Bronzeskulptur umgesetzt. Auf dem Landschaftsbalkon der Monheimer Straße soll das dreieinhalb Meter hohe Kunstwerk weithin sichtbar aufgestellt werden und mit einer Gesamthöhe von rund elf Metern zur symbolischen Landmarke der Stadt avancieren.

Gänseliesel als mythische Leda

Markus Lüpertz Leda Entwurf Monheim

In den Ikonen der westlichen Kultur findet Markus Lüpertz sein großes Thema. Für das Monheimer Rheinufer interpretiert er nun die sagenhafte Figur der Gänseliesel. Nicht als zierliches Mädchen, wie ihr diminutiver Name sie charakterisiert, sondern als athletische Frau, als mythische Leda, die ihr tierisches Attribut selbstbewusst in der Armbeuge hält. Wie die klassischen Skulpturen der antiken Griechen formt Markus Lüpertz die Gestalt dieser Schönheit, deren Äußeres der typischen Geste des Künstlers entspricht. Seine Figur modelliert Lüpertz, in der Oberflächentextur haptisch bewegt, fest auf beiden Füßen stehend, woraus sich die frontale Ansicht der Skulptur ergibt. Der weiblichen Gestalt verleiht dieser Kunstgriff ihren wesensmäßig selbstbewussten Habitus. Ihren Kopf hat die Frau stark nach rechts geneigt, ihre Lippen umspielt ein leichtes Lächeln. Es scheint als höre sie wohlwollend, was ihr die Gans zu ihrer Linken mitteilt. Nicht schnatternd, sondern in vertrauter Ruhe, wendet sich das Tier ihrer Bezugsperson zu.

Mythen und Sagen sind das Thema von Markus Lüpertz

Der Sage nach war die Gänseliesel Ziehtochter von Johann Peter Aschenbroich. Seit 1695 war er Vogt des Herzogs von Berg. Im Monheimer Amt waren ihm die Rechtsprechung und Verwaltung von Gerichtsbußen übertragen. Gegenüber der städtischen Freiheit vertrat er die bergischen Grafen und Herzöge. Rang und Dienst des Vogtes verpflichteten ihn und sein Umfeld zu vertrauensvoller Verschwiegenheit: „Nocet esse locutum“ (etwa: „Geschwätz schadet“) ließ er deshalb auf sein Dienstsiegel prägen – gemeinsam mit der Darstellung einer Magd, die einer Gans (dem Volk) das Schnattern untersagt, indem sie den Zeigefinger vor ihre Lippen hält. Als Symbol des amtlichen Dienstes entwickelte sich die Darstellung bald zum Motiv. Als solches fand die Monheimer Gänseliesel bald auch Einzug in das bürgerliche Bewusstsein. 1873 erhielt sie beispielsweise eine tragende Rolle in der örtlichen Sage „Der lustige Spielmann von Monheim“. Bis heute wird dieses Traditionspaar im karnevalistischen Brauchtum gefeiert.

Einweihung „Markus Lüpertz interpretiert Monheimer Gänseliesel“
am Samstag, den 21. September 2019
um 11 Uhr am Rheinufer

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Ai Weiwei Finger- Study of Perspective sind in 6 unterschiedlichen Farben im Format 9 x 12,5 x 10 cm entstanden und limitiert auf jeweils 100 Exemplare.

Der chinesische Künstler und Aktivist Ai Weiwei begreift Kritik als Kunst und diese als Beruf. Ohne Umschweife prangert er an, was er als unrecht erkennt. Jedes Kunstwerk ist eine Äußerung, eine politische Aktion, die nichts anderes zum Ziel hat als Zweifel an bestehenden Systemen zu säen.

Ai Weiwei Glasskulpturen – Study of Perspective rekurrieren auf eine fotografische Serie des Künstlers, die seit 1995 entsteht. In ihr streckt Ai Weiwei Machtinstitutionen weltweit seinen Mittel- Finger entgegen: vom Tiananmen-Platz in Peking bis zum Trump-Tower in New York. Die unflätige Geste hält er in Schnappschüssen fest, im Fokus: die Rebellion. Losgelöst von diesen Fotografien verweisen die Abgüsse der Künstlerhand auf Ai Weiweis Grundhaltung, die ein Zeichen gegen jede Art der Unterdrückung fordert. Mit den Skulpturen der „Study of Perspective in Glass“ findet der Ai Weiwei ein starkes Protestsymbol, mit dem er seine eigene Haltung vermittelt und zum Ausgangspunkt der Meinungsbildung des Betrachters macht. Die aus Murano-Glas gefertigten Plastiken sind in sechs Farben zu je 100 Exemplaren erschienen.

Ai Weiwei Glasskulpturen – Study of Perspective

Edition von 6 Skulpturen in unterschiedlichen Farben

Murano-Glas Abguss
je 100 Exemplare
9 x 12,5 x 10 cm
Auf einem Zertifikat signiert und nummeriert

Ai Weiwei Finger und Hand in Murano Glas

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Deep Amber

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Opaline White

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Violet

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Grey

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Alexandrite

Ai Weiwei Study of Perspective in Glass Cobalt Blue

Bei Interesse beraten wir Sie gerne telefonisch unter +49 (0) 211 54 22 13 10 oder per E-Mail unter info@galerie-breckner.de. Wir freuen uns auf Sie!

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Für die Frankfurter Allgemeine Zeitung entwirft Markus Lüpertz Sternzeichen Skulpturen und Grafik

Markus Lüpertz Sternzeichen, Löwe, 2018, handbemalte Bronze

2018 widmete sich der Künstler Markus Lüpertz erstmals den zwölf Sternzeichen und bezog sich damit ganz bewusst auf die Weissagungen, die man seit jeher in den Geburtskonstellationen der Sterne in einem der zwölf Abschnitte des Jahres sucht. Der Mensch zieht aus den Beobachtungen des Firmaments schon seit Jahrtausenden Schlüsse über die Bewegungen und Eigenschaften der Objekte im Universum. Die Mythen der zwölf Götter im Olymp erzählt Markus Lüpertz in seinen Werken schon seit vielen Jahren neu und so belebt er auch die Schicksalsweisungen der Zeichen im Tierkreis mit Bedacht.

Noch heute lockt der Blick in die Unendlichkeit des Sternhimmels eine Glaubensfrage hervor, die, solange die Erinnerung reicht, nur in einen Zwiespalt über den eigenen Bezug zum Absoluten führt: Wie kann man ein Teil des Ganzen sein, wenn man ihm doch immer so fern bleibt? In der Konfrontation mit dem Übermächtigen erkennt der Mensch sein vermeintliches Unvermögen. Eine erschütternde Erfahrung, die aber nicht zwangsläufig etwas Vernichtendes sein muss – sie kann auch zur Tugend werden. So beispielsweise bei Immanuel Kant, der in der Ohnmacht angesichts einer überwältigenden Größe den Ursprung der Selbsterhebung sieht. Denn die Rettung aus der Not liegt in der eigenen Kraft, sich die Unendlichkeit und all Ihre Geheimnisse vorzustellen.  Und an diesem Punkt steht der Mensch, das moralisch-geistige Wesen, dem Unfassbaren aus innerer Größe entgegen und genießt das Erhabene. So zumindest die Theorie, wie der Philosoph sie 1790 in seiner berühmten „Kritik der Urteilskraft“ formuliert. Das Geheimnisvolle dieses Gedankenspiels ist aber nicht nur bezeichnend für die westliche Philosophie und Kulturgeschichte. Es beschreibt genau das, wofür auch Markus Lüpertz steht, mit den Mythen und Mysterien, die er verhandelt und die ihn zugleich umgeben.

Entdecken Sie die Markus Lüpertz Skulpturen und Grafiken bei Galerie Breckner…

Markus Lüpertz Sternzeichen
Premiere am 11. September 2018, 18:00 Uhr | Gesellschaftshaus Palmengarten, Frankfurt am Main

Weitere Informationen zu den Kunstwerken finden Sie unter: luepertz-sternzeichen.de

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Kunstbeirat beauftragt Tony Cragg für Skulptur am Marie-Elisabeth-Lüders-Haus

Der Bildhauer Tony Cragg wird eine Skulptur für das Marie-Elisabeth-Lüders-Haus realisieren. Die Skulptur „Werdendes“ (Arbeitstitel) wird ihren Standort auf der Terrasse zur Luisenstraße hin finden. Das hat der Kunstbeirat des Deutschen Bundestages auf seiner Sitzung am 27. September 2018 unter Vorsitz von Bundestagspräsident Wolfgang Schäuble beschlossen.

Die Skulptur soll auf der sogenannten Stadt-Loggia ein weithin sichtbares Stadtzeichen bilden und wird einen Bogen zu Eduardo Chillidas Monumentalskulptur „Berlin“ vor dem Bundeskanzleramt und Marino Marinis „Miracolo – L’idea di un’immagine“ an der Spreeuferseite des Marie-Elisabeth-Lüders-Hauses schlagen.

Die Bronzeskulptur „Werdendes“ wird eine Höhe von ungefähr sechs Metern haben und zwischen zwei und drei Metern breit sein. Der ehemalige Leiter der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen und der Sammlung Brandhorst, Prof. Armin Zweite, der das Auswahlverfahren gutachterlich begleitet hat, schreibt zu dem Entwurf:

„Von welcher Seite man sich auch immer diesem schimmernden und verhalten glänzenden Gebilde nähert, als Betrachter dürfte man den Eindruck gewinnen, als seien unterschiedlich große Formen – runde oder elliptische, dickere oder dünnere, waagerechte oder leicht schräg gestellte – übereinander gestapelt worden. Die Stufen und Absätze, die auf den ersten Blick deutlich hervortreten, verschmelzen allerdings so miteinander, dass sich der Eindruck eines ständigen Verengens und Weitens einstellt.

Die gesamte Figur wird somit von einer virtuellen Bewegung durchpulst, wirkt lebendig und zugleich rätselhaft, mutet teilweise organisch oder biomorph an und ist doch ein ganz und gar künstliches und abstraktes Gebilde, das sich einzig und allein der Vorstellungskraft des Künstlers verdankt.“

Hintergrund:

Tony Cragg (geboren 1949 in Liverpool, lebt und arbeitet in Wuppertal) ist einer der anerkanntesten internationalen Bildhauer und lehrte zuletzt als Rektor an der Kunstakademie Düsseldorf. In Wuppertal hat er den weitläufigen „Skulpturenpark Waldfrieden“ mit eigenen Skulpturen sowie mit zahlreichen Werken anderer zeitgenössischer Bildhauer gestaltet. In seinen Arbeiten klingen biomorphe und technoide Assoziationen an, es sind ausdrucksstarke, perspektiv- und andeutungsreiche Skulpturen, in denen abstrakte und gegenständliche Formen eng miteinander verwoben sind.

28. September 2018

Lesen Sie hier die Pressemitteilung auf der offiziellen Website des Deutschen Bundestages

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MAN IN SPACE – Original Size

Die Skulptur „Man in Space“ basiert auf dem Werk des Künstlers Paul van Hoeydonck, das mit der Apollo 15-Mission auf den Mond transportiert und dort niedergelegt wurde. Ursprünglich plante der Künstler, die 8,5 cm große Figur aus Aluminium in blaues Acryl zu gießen, damit diese stehend auf dem Mond platziert werden kann. Dies wurde aus Gewichts- und Brandschutzgründen durch die NASA verwehrt. Bei der jetzt erschienenen Edition entschied sich der Künstler, die Ursprungsidee wieder aufzugreifen und die Figur in einem transparentblauen Raum schweben zu lassen, der je nach Lichteinfall von oben nach unten rot schimmert. Ähnlich wie bei einem Prisma entsteht dieser optische Effekt durch die Brechung des Lichts im Glas und erinnert an ein Phänomen, das sich dem menschlichen Auge sonst verbirgt: Das infrarote Licht, das von der Erdatmosphäre absorbiert unsichtbar für das menschliche Auge ist, nun aber zum Vorschein kommt.

Paul Van Hoeydonck, Man in Space, 1971/2018, Foto: Jack Kulcke

Man in Space, 1971/2018

Aluminium in blauem Acrylglas
Format: 15 x 6 x 6 cm
Auflage: 1971 Exemplare

Preis auf Anfrage

Die Signatur und Nummerierung ist eingraviert in die Skulptur

Paul Van Hoeydonck, Man in Space, 1971/2018, Foto: Jack Kulcke

Man in Space, 1971/2018
Aluminium
44 x 8,6 x 7,6 cm
35 Exemplare

Preis auf Anfrage

Die Signatur und Nummerierung ist eingraviert in die Skulptur

MAN IN SPACE – Human Size

Paul Van Hoeydonck, Man in Space, 1971/2018, Foto: Jack Kulcke

Man in Space, 1971/2018

Aluminium
180 x 38,5 x 34 cm
6 Exemplare

Preis auf Anfrage

Die Signatur und Nummerierung ist eingraviert in die Skulptur

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Kunstwerk Man in Space von Paul van Hoeydonck – Das einzige Kunstwerk auf dem Mond, jetzt erhältlich als limitierte Edition bei der Galerie Breckner.

Die Geschichte dieses ungewöhnlichen Kunstwerks beginnt in New York. Dort vermittelt die Galeristin Louise Tolliver Deutschman Paul Van Hoeydonck 1969 die einmalige Chance, eine seiner Arbeiten auf den Mond bringen zu lassen. Nur zwei Jahre später wird aus dem Traum Realität. Seitdem ist Paul Van Hoeydonck der einzige Künstler weltweit, der mit dem Kunstwerk Man in Space auf dem Mond vertreten ist.

Paul van Hoeydonck, Man in Space, 1971/2018 © Jack Kulcke

Um problemlos ins All befördert zu werden, muss Paul Van Hoeydoncks Arbeit verschiedene Vorgaben der NASA erfüllen. Sie soll klein sein und leicht, ohne scharfe Kanten und aus einem nicht magnetischen Material gefertigt werden, das sowohl hitzebeständig als auch kälteresistent ist.[1] Stellvertretend für die gesamte Menschheit soll die Gestalt der Figur außerdem möglichst neutral sein.[2] Aus all diesen Richtlinien entwickelt der Künstler einen Prototyp mit einer in blauem Plastik eingelassenen, achteinhalb Zentimeter hohen Aluminiumskulptur.

Am 26. Juli 1971 macht sich das Team der Apollo-15-Mission mit David Scott, Alfred Worden und James Irwin auf den Weg in den Mondorbit. Mit dabei ist Paul Van Hoeydoncks Kunstwerk Man in Space, dessen Mitflug von Richard Nixon, dem damaligen Präsidenten der Vereinigten Staaten, persönlich genehmigt wurde. Während Alfred Worden die Kommandokapsel Endeavour in der Mondumlaufbahn hält, landen Dave Scott und James Irwin am 30. Juli mit der Mondlandefähre Falcon auf dem Mond. Sie legen die kleine Aluminiumskulptur bei ihrem letzten Weltraumspaziergang am 2. August in einem kleinen Krater unweit ihres Landeplatzes bei den Hadley-Apenninen ab. In Gedenken an die bis dahin bei Raumfahrten ums Leben gekommenen Weltraumreisenden, fügt die Apollo-15-Besatzung der Statuette eine kleine Metalltafel bei. Sie listet die Namen von acht US-amerikanischen Astronauten und sechs sowjetischen Kosmonauten und deutet das Kunstwerk zu einem stillen Denkmal um.

Nach der Mondlandung der Apollo 11 mit Neil Armstrong im Jahr 1969, war dies die vierte erfolgreiche bemannte Apollo-Mission zum Mond. Erstmals kam hier ein Mondauto, das Lunar Roving Vehicle (LVR), zum Einsatz.

Paul Van Hoeydonck, Man in Space, 1971/2018 © Jack Kulcke

Man in Space, 1971/2018

Aluminium in blauem Acrylglas
Format: 15 x 6 x 6 cm
Auflage: 1971 Exemplare

Preis auf Anfrage

Die Signatur und Nummerierung ist eingraviert in die Skulptur

Der Beitrag Paul Van Hoeydonck. Man in Space. Über das Kunstwerk erschien zuerst auf Kunstverlag Till Breckner - Günther Uecker, Heinz Mack, Otto Piene, ....