50. Jubiläumsjahr der Mondlandung – Anlässlich dieses Ereignisses veranstaltet die Galerie Breckner eine Ausstellung mit Werken von Paul van Hoeydonck.

Schon seit Beginn der Menschheitsgeschichte übt das Universum eine große Faszination auf uns aus. Galt der Himmel in frühen Kulturen noch als Sitz der Götter, weiteten sich die Grenzen des Weltalls mit den Beobachtungen der Neuzeit in die Unendlichkeit aus. Jahrhunderte der Forschung und Entwicklung führen zum ersten Satelliten Sputnik, dem ersten Menschen im All Juri Gagarin und zur ersten Reise zum Mond mit Neil Armstrong und seinem Team.

In dieser Pionierzeit der bemannten Raumfahrt erhielt der belgische ZERO-Künstler Paul Van Hoeydonck (*1925 Antwerpen) die einmalige Chance, ein Kunstwerk auf den Mond bringen zu lassen. Am 2. August 1971 legte die Besatzung der Apollo 15 den „Man on the Moon“ unweit ihres Landeplatzes ab. Seitdem ist Van Hoeydonck der weltweit einzige mit einem Kunstwerk auf dem Mond vertretene Künstler.

50. Jubiläumsjahr der Mondlandung – Zu diesem Ereignis stellen wir dieses Kunstwerk von 1971 nun in einer limitierten Edition vor. Erleben Sie den Künstler Paul Van Hoeydonck und Alfred Worden, den ehemaligen Piloten der Apollo-15-Kommandokapsel Endeavour, im Gespräch über diese ungewöhnliche Geschichte.

Am Donnerstag, 24. Januar um 19.00 Uhr in der Galerie Breckner, Altestadt 6, 40213 Düsseldorf

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Piene Mack Uecker – Ausstellung ZERO im MONA Museum of Old and New Art, Hobart vom 09. Juni 2018 bis zum 22. April 2019.

In the late 1950s some students in Düsseldorf started to make art that ran against the style and feeling of the moment. This was Germany, in the aftermath of World War II. The mood wasn’t light. But for these young people, it was time to break free from the anxious individualism that seemed to oppress the artists of the time.

ZERO was named for its promise of new beginnings. (Later, ‚ZERO‘ denoted the international incarnation of a movement.) Art was not something to be painfully extracted in solitude, but to be assembled and constructed alongside your peers, using whatever materials you could get your hands on at the time: cardboard, metal, cloth, mirrors, smoke… They banged nails, smashed bottles, poked holes, and cut up each other’s canvases. Strikingly disparate styles and techniques were united by the artists’ drive to provoke a strong sensory experience in the viewer. One-night exhibitions, put together in their studios, drew enthusiastic crowds, and eventually, the attention of Germany, Europe, and beyond. They weren’t interested in trawling through the ashes of the far or recent past. They wanted to stage an exhibition on the moon.

‚Yes, I dream of a better world.
Should I dream of a worse?
Yes, I desire a wider world.
Should I desire a narrower?‘
—Otto Piene

For the first time in Australia, some of the key international figures of the movement will be shown together at Mona. You will pass through a series of chambers, each an immersive exploration of an important aspect of the Zero phenomenon: vibration. Artists such as Heinz Mack, Otto Piene, Günther Uecker, Yayoi Kusama, Nanda Vigo, Yves Klein, Marcel Duchamp and Lucio Fontana exploit the effects of reflection, saturation, grade, density, and distortion to produce a sense of movement in the viewer.

‚Zero is silence. Zero is the beginning. Zero is round. Zero spins. Zero is the moon.‘
—Heinz Mack, Otto Piene and Günther Uecker, Zero’s founding trio

The original group disbanded in 1966, marking the occasion with a party. Heinz Mack wrote that he found the ending ‚quite as liberating‘ as the beginning. But was this intensely creative moment in art history really concluded so decisively? Perhaps ZERO is better thought of less as an art-historical epoch than as a timeless ‚way of seeing‘. Either way, it was part of an opening up, over the course of the twentieth century, of traditional ideas about what art could be.

These artists dreamed of an exhibition on the moon. Perhaps Tassie is as close (or far) as they are going to get.

Exhibition concept by Tijs Visser

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Mit den mächtigen fotografischen Selbstporträts »Die Sonne um Mitternacht schauen III/196« eroberte Katharina Sieverding in den Siebzigern eine männliche Bastion – und inszenierte sich als Vorbotin einer neuen Zeit.

KATHARINA SIEVERDING, DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN I I I/196, 1973

So blicken eigentlich nur Halbgötter aus dem Totenreich zurück: mit ebenmäßigen, in Gold getauchten Zügen, die alles Menschliche in sich zu vereinen scheinen. In diesem Antlitz liegt gleich viel Männliches und Weibliches und dazu die ausdruckslose Güte eines Spiegels, der uns einen flüchtigen Blick in die nächste Welt gewährt. Es leuchtet auf uns herab wie eine milde Sonne, auf die man schauen kann, ohne das Augenlicht zu verlieren.

Als Katharina Sieverding 1973 ihr Gesicht wie die goldene Totenmaske des Pharaos Tutanchamun inszenierte, war sie vom altägyptischen Gottkönig so weit entfernt wie jeder andere Absolvent der Kunstakademie Düsseldorf. Aber die Selbstdarstellung als androgynes Mischwesen hatte Sieverding schon geübt. Während des Studiums arbeitete die 1944 in Prag geborene Künstlerin hinter dem Tresen einer Düsseldorfer Altstadtkneipe und trat beinahe jeden Abend in einer neuen, zwischen den Geschlechtern changierenden Kostümierung auf. »Irgendwann«, so Sieverding, »wurde ich von einem der Typen an der Bar gefragt, wie ich heiße, und ich sagte ›Karl‹.«

Aus ihrer Doppelexistenz als Karl und Katharina schuf Sieverding dann ein Schlüsselwerk der modernen Kunstgeschichte. Sie puderte ihr Gesicht mit Goldstaub aus dem Theaterfundus des »Crazy Horse«, fotografierte sich mit einer Polaroidkamera und machte diese Aufnahmen zum Ausgangsmaterial ihrer Serie Die Sonne um Mitternacht schauen III/196: 56 überlebensgroße Selbstporträts, 28 gespiegelte Diptychen, auf denen nichts als das angeschnittene, den Rahmen komplett ausfüllende und dem Betrachter frontal zugewandte Gesicht der Künstlerin zu sehen ist. Der Goldstaub wirkt wie eine Maske, die jede Regung verbirgt, und da auch die Attribute der klassischen Porträtkunst, Kleidung und Umgebung, fehlen, wird Sieverdings Gesicht hier zu so etwas wie einer absoluten Idee. Mit ihm beginnt und endet ihre Kunst.

Es ist schwer zu sagen, was 1973 die größere Provokation darstellte: dass die nicht einmal 30-jährige Sieverding sich selbst, ihr Gesicht, zum Kern ihres künstlerischen Schaffens machte. Oder dass sie gar nicht erst versuchte, sich, wie etwa der große Rembrandt, zu erforschen, sondern ihre Selbstporträts lediglich mit der Aura antiker Herrscher auflud, um sie zu entleeren. Auf den Goldbildern erfahren wir wenig über die abgebildete Frau, aber sehr viel darüber, welch herausragende Bedeutung das Gesicht für das menschliche Selbstverständnis hat. Sieverding wagte also nichts weniger, als sich selbst zur Projektionsfläche der Kunstgeschichte, ja der Gesamtheit der menschlichen Kommunikation zu machen.

MUSEUM LUDWIG IN BUDAPEST 2006: DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN III/196, 1973

Sowohl kulturhistorisch als auch anthropologisch lässt sich die Bedeutung des Gesichts kaum überschätzen: Am Spiegelbild erkennen wir uns selbst und unsere Gegenüber am Gesicht. Das Gesicht steht im Zentrum der menschlichen Kommunikation, und natürlich wussten die Menschen seit jeher, dass Gesichter trügen können – entweder weil sich der andere verstellt oder weil wir seinen Ausdruck missverstehen. Außerdem verändert sich die Mimik in einem fort, sodass man nie wirklich wissen kann, welches der vielen Gesichter eines Menschen das wahre ist. Die Kunst schien eine Lösung für dieses Problem anzubieten, indem sie das lebendige Antlitz im richtigen Moment einfror und so lesbar machte. Aber auch diese Lösung war trügerisch: Um das Gesicht entziffern zu können, musste die Kunst das Leben anhalten – und um der Wahrheit willen täuschen.

Dieser Zweifel begleitet die Porträtkunst bis heute und machte das Selbstporträt zur Königsdisziplin der Malerei. Diente das Selbstbildnis im Mittelalter noch vornehmlich als Visitenkarte, mit der Maler zeigten, wie gut sie das Handwerk der Nachahmung verstanden, wurde es mit dem Aufstieg der Künstler zu bewunderten Genies zum wesentlichen Bestandteil eines Starkults. In Extremform schlug sich diese Wandlung bei Albrecht Dürer nieder, der sich auf seinem berühmten Selbstbildnis im Pelzrock (1500) so malte, wie es sonst Jesus Christus vorbehalten war: das Bildformat füllend und dem Betrachter frontal zugewandt.

KUNSTHALLE GIESSEN 2015: O. T. I, 1996, 300 X 500 CM (PIGMENTTRANSFER AUF METALL); DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (BLUE), 2010/13 (FILMPROJEKTION)

Mit ihren Fotoserien führte Katharina Sieverding diese Tradition fort, um sie ins Monumentale zu vergrößern und gleichzeitig zu vervielfältigen. So zeigte sie, dass die Vorstellung einer unwandelbaren Identität eine Konstruktion ist, und zwar eine, die es aus ihrer Sicht zu überwinden gilt. Anfang der siebziger Jahre war das ein doppelter Akt der Emanzipation: Zum einen beanspruchte Sieverding einen Platz in der Ahnenreihe männlicher Genies. Und zum anderen setzte sie sich von der feministischen Fixierung auf den Körper ab. Sieverding wollte die Frage nach der weiblichen Identität nicht auf das Geschlechtliche reduzieren, sondern ins Kosmische erweitern. Mit ihrem Serientitel Die Sonne um Mitternacht schauen zitierte sie ganz bewusst den Anthroposophen Rudolf Steiner (1861 bis 1925), der in der Sonnenverehrung einen der vier »Einweihungsschritte« hin zu einer ganzheitlichen Welterfahrung sah. Erst wenn die Sonne versinkt, so Steiner, kann sie als geistiges Kraftzentrum in uns aufgehen und uns dabei helfen, die Grenzen zwischen Mensch und Natur, Ich und Du, Tod und Leben als Illusionen eines verengten Weltbilds zu begreifen. Wie ernst es Sieverding mit Steiners Lehre eines ganzheitlichen Kosmos ist, zeigt auch ihr 2013 entstandener Film Die Sonne um Mitternacht schauen SDO/NASA (BLUE): Für ihn verwendete sie blau eingefärbte NASA-Bilder von Sonneneruptionen, um Sonne und Erde (»der Blaue Planet«) symbolisch
miteinander zu verschmelzen. Sieverding selbst nennt dies »die Sonne durch die Erde hindurch imaginieren«.

In gewisser Hinsicht muss man die Goldporträts der Künstlerin wohl als anthroposophisches Glaubensbekenntnis verstehen. Allerdings nur in dem Sinne, dass sie Steiners Zweifel an den scheinbar unumstößlichen letzten Wahrheiten der modernen Weltsicht teilt. Sie fragte, ob die Welt wirklich nur ist, was wir sehen und verstehen können, und fand Ende der sechziger Jahre in der Fotografie ein Medium, das wie für sie gemacht schien: Einerseits schaltet der Fotoapparat das menschliche Auge aus, um es durch die Objektivität der Technik zu ersetzen; andererseits ließ sich die Fotografie auch schon im analogen Zeitalter auf vielfältige Weise manipulieren. In beiden Fällen zeigt die Fotografie Wirklichkeit anders, als wir sie kennen.

Die Goldporträts aus der Serie Die Sonne um Mitternacht schauen sind vielfach manipuliert. Sieverding spiegelte die einzelnen Aufnahmen, sodass uns jedes Gesicht auf unheimliche Weise zweimal anblickt; sie stellte von den Polaroids Kleinbildnegative her und vergrößerte diese auf 190 mal 125 Zentimeter; und sie blendete auf einem Teil der Serie je zwei Aufnahmen ihres Gesichts übereinander. Letzteres ist seit der Avantgardefotografie ein klassischer Hinweis darauf, dass niemand mit sich selbst identisch ist. In der ebenfalls 1973 entstandenen Transformer-Serie steht die Doppelbelichtung sogar im Zentrum des Werks: Hier legte Sieverding ihr eigenes Gesicht über das ihres Lebensgefährten Klaus Mettig und schuf so androgyne Mischwesen, die, wie die Goldmasken, durchaus menschlich, aber zugleich überindividuell erscheinen. Bei anderen Serien ließ Sieverding die »Magie« der Dunkelkammer noch viel deutlicher für sich arbeiten: Für den Stauffenberg-Block (1969) etwa belichtete sie die Negative so lange, bis sich die eigentlich dunklen Partien durch Überbelichtung aufhellen – der sogenannte Solarisationseffekt. Und weil
Bilder im chemischen Entwicklerbad der analogen Fotografie ganz allgemein wie Geister der Vergangenheit auf dem Fotopapier erscheinen, lässt sich Sieverdings titelgebende Identifikation mit dem Widerstandskämpfer Graf von Stauffenberg auch so erklären: Das Licht der Fotografie hebt die Geschichte in die Gegenwart.

KUNSTHALLE GIESSEN 2015: O. T. I, 1996, 300 X 500 CM (PIGMENTTRANSFER AUF METALL); DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (BLUE), 2010/13 (FILMPROJEKTION)

Zu einem gewissen Grad ist Sieverdings Neigung, der Fotografie eine »magische« Wirkung zuzuschreiben, sogar biografisch zu erklären: Ihr Vater war von Beruf Röntgenarzt, konnte also mithilfe unsichtbarer Strahlen feste Körper durchleuchten und deren Innenleben auf Fotoplatten bannen. In der anthroposophischen Bibliothek ihres Onkels stieß Sieverding dann auf viele Argumente dafür, dass es auch so etwas wie die nur mithilfe bestimmter Medien wahrnehmbare Ausstrahlung eines Menschen gibt; und schließlich fand sie an der Düsseldorfer Kunstakademie in Joseph Beuys einen Lehrer, der ganz offensichtlich ebenfalls an die Existenz einer menschlichen Aura glaubte. Auf ihren Selbstporträts versucht sie diese allerdings nur mit ästhetischen Mitteln zu reproduzieren: Statt farbige Energiewolken auf die Bilder zu zaubern, verlässt sie sich auf die Strahlkraft des menschlichen
Gesichts.

Mit ihren Selbstporträts schuf Sieverding eine perfekte Projektionsfläche für das, was sie selbst einmal »Anspruch auf Travestie« nannte. Auf ihren Bildern verliert das Subjekt seine Konturen, um in etwas Größerem aufzugehen – und diese Verwandlung versteht die Künstlerin als Einladung an die Betrachter, sich für besondere Erfahrungen zu öffnen. Gleichzeitig gab die Künstlerin der feministischen Selbstreflexion der siebziger Jahre mit ihren Fotoserien buchstäblich ein Gesicht und wurde so auch zur Ahnfrau für die Rollenspiele einer Cindy Sherman oder der aktuellen Selfie-Kultur. Und während andere Künstlerinnen im Körper einen glaubwürdigeren Zeugen sehen, weil sich dieser weder verstellen noch die Geschlechterdifferenz verleugnen kann, interessiert sich Katharina Sieverding weiterhin für die Kommunikation von Angesicht zu Angesicht. Sie will wissen, was beim Augenkontakt geschieht, auch wenn sie den Blick auf ihren Goldporträts nach innen richtet. //

Lesen Sie diesen spannenden Artikel von Michael Kohler auch in der aktuellen Ausgabe der ART (03/2018).

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Katharina Sieverding, Projected Data Images (RED), 2016, Archival Inkjet Print, 112 x 168 cm © Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst

Katharina Sieverding wird vom 3. bis 5. Februar 2017, anlässlich des Düsseldorfer Photo Weekends, im Ratinger Tor 2 aktuelle Arbeiten aus den Zyklen Projected Data Images (2016) und Global Desire (2015) präsentieren. Diese Werke werden ab März 2017 auch Bestandteile der Ausstellung mit retrospektivem Charakter “Kunst und Kapital – Werke von 1962 bis 2017“ in der Bonner Bundeskunsthalle sein.

In den gezeigten Arbeiten von Katharina Sieverding, geht es um die Durchdringung all dessen, was oberflächlich sichtbar ist, was zur Schau gestellt wird und inszeniert auf Wirkung und Ergebnis zielt. Dabei fängt sie Motive ein, die der Tatsächlichkeit entspringen und hinterfragt künstlerische, politische und gesellschaftliche Bedingungen für Produktionsprozesse und die Rezeption der Kunst im Allgemeinen.

Durch das Belichten, Schichten, Durchdringen und Sezieren der Bilder, ob Zustände desselben oder Illustrationen zum Thema, entsteht eine fortwährende Produktion immer neuer Schnittstellen und damit eine Komplexität, die das Ineinandergreifen der Momente und die Bedingtheit der Reaktionen offenbart. Auf diese Weise überwindet Katharina Sieverding die zeitliche Gebundenheit (Eindimensionalität) des Mediums Fotografie. Nicht ein einziges punctum im Bild (Roland Barthes) verführt zur Betrachtung, sondern transtemporäre Verwobenheit.

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Jörg Immendorff, Alles was ihr von mir bekommt, 1995 © Jörg Immendorff

Vom 26. Februar 2017 bis 23. April 2017 zeigt die Stiftung Burg Kniphausen, anlässlich seines zehnten Todestags, eine Ausstellungen mit Grafiken von Jörg Immendorff. 

Jörg Immendorff zählte zu den bekanntesten Künstlern Deutschlands. Frühzeitig malte er realistisch, ganz im Gegensatz zu vielen anderen Künstlern seiner Generation, die sich im Nachhall des Zweiten Weltkrieges und in Abkehr zu den Traditionen, die sie durch die Zeit des Nationalsozialismus belastet sahen, der gegenstandslosen Kunst zuwandten. Immendorffs Bilderwelt aus der Zeit nach „Lidl“, dem von ihm 1968 gegründeten Aktionsprojekt, ähnelt einer mit Zitaten und Anspielungen auf die Geschichte und die Kunstgeschichte reich ausgestatteten, fast opulenten Bühne. Die Protagonisten seiner Werke sind Künstlerfreunde, Lehrer, Vorbilder oder Figuren aus anderen Geschichten, zum Beispiel Opern, und immer wieder auch er selbst. Für sie schuf er Rollen, sie porträtierte er dem Charakter nach, sie waren zugleich sein Publikum, seine Mitstreiter und seine ärgsten Kritiker. Seit 1998 veränderte sich der Stil des Künstlers stark. Selbst sagte er, er wolle seine Gemälde von dem erzählenden Lametta befreien, um zu einer reineren Malerei zu kommen. Vor monochromen, tiefen-, raum- und zeitlosen Hintergründen, meistens pastellfarben, stehen nun seltsam geheimnisvoll anmutende Figuren und Chiffren. Aber auch hier blieb Immendorff sich treu, indem er deutliche Anleihen bei der älteren Kunst machte. Ein weiterer Grund für den neuen Stil dürfte jedoch auch die amyotrophen Lateralsklerose (ALS) gewesen sein, an der Immendorff seit 1997 litt.

Stiftung Burg Kniphausen

26363 Wilhelmshaven

Öffnungszeiten

Mi. und Sa. 15.00 – 17.00 Uhr,

So. 11 – 17 Uhr

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Hier finden Sie weitere Informationen zur Ausstellung.

Ausstellung Arnulf Rainer Pinselrausch
vom 24. Oktober 2016 bis zum 30. April 2017
Arnulf Rainer Museum
Josefsplatz 5
2500 Baden
Österreich
+43 (0) 2252 209196 – 11
www.arnulf-rainer-museum.at

Weitere Empfehlungen: Arnulf Rainer kaufen

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Otto Piene, Ohne Titel, 1975, Siebdruck, 84 x 59,5 cm

Otto Piene Grafiken werden ab dem 04.09.2016 im Kunstraum des Gewerbeparks Süd in Hilden ausgestellt.

Ohne das Œuvre von Otto Piene sähen unsere Welt und ihre Kunst heute völlig anders aus. Ein Ausstellung in Hilden widmet sich nun in einer Auswahl seinen grafischen Werken.

„Ja, ich träume von einer besseren Welt. Sollte ich von einer schlechteren träumen? Ja, ich wünsche mir eine weitere Welt. Sollte ich mir eine engere wünschen?“ Das fragte Otto Piene schon 1961, und die Frage ist nach wie vor aktuell.

Mit Sky Art-Projekten eroberte er den Himmel, mit Rauch- und Feuerbildern bändigte er das Element. Und das Licht lehrte er das Tanzen wie den Farben das Erblühen. Als Mitbegründer der ZERO-Bewegung 1958 suchte und fand er gemeinsam mit Heinz Mack und dem später hinzugestoßenen Günther Uecker für die Kunst kurz nach dem Zweiten Weltkrieg neue, unbelastete, freiere Möglichkeiten der Form, des Ausdrucks und der Präsentation. Sie besitzen Gültigkeit weit über die Grenzen Deutschlands und Europas hinaus bis heute. Man denke nur aus die grandiosen Ausstellungen zu ZERO in New York, Berlin und Amsterdam in den vergangenen Jahren.

Otto Piene Grafiken sind zugleich von farblicher Dynamik und struktureller Fragilität gekennzeichnet. Die Ausstellung im Kunstraum Hilden widmet sich diesem besonderen Aspekt des Œuvre. Die Ausstellung ist eine Veranstaltung des Kulturamtes der Stadt Hilden in Zusammenarbeit mit der Galerie Breckner, Düsseldorf.

OTTO PIENE – ARBEITEN AUF PAPIER

Ausstellung vom 4.9. bis 2.10.2016

Vernissage am Sonntag, 4.9.2016, um 11 Uhr

Kunstraum im Gewerbepark-Süd

Hofstraße 64

40723 Hilden

Öffnungszeiten: Di – Fr 14 – 18 Uhr

Sa, So und an Feiertagen 11 – 16 Uhr

Mo geschlossen

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Viele zufriedene Gäste, interessante Gespräche und ein „aufgeräumter“ Künstler, so könnte das Fazit zur Vernissage der Ausstellung „Jim Dine – the landscape of everything“ in der Galerie Till Breckner lauten. Denn nur zwei Tage nach der Eröffnung seiner großen Grafik-Retrospektive im Museum Folkwang in Essen war Jim Dine zu Gast in Düsseldorf und mit dieser Präsentation von rund 30 ausgewählten grafischen Arbeiten ebenfalls rundum zufrieden. Im Gespräch mit Dr. Tobias Burg, Leiter der Grafischen Sammlung des Museums Folkwang, gab der heute 85-Jährige bereitwillig Auskunft über seine Schaffen. Unter anderem betonte Jim Dine dabei, dass er sich weniger als Vertreter der Pop-Art sieht – bei deren Anfängen in den 1960er Jahren er sicherlich neben anderen Künstlern wie Andy Warhol, Claes Oldenburg und Robert Rauschenberg Pate stand – denn als einen Künstler, der sich auf vielfältigste Weise den Dingen des realen Lebens zugewandt hatte und hat. Auch über seine große Liebe zur Druckgrafik sprach Jim Dine vor den rund 100 Gästen der Vernissage und beantwortete zugleich viele der direkt aus dem Publikum an ihn gestellten Fragen mit großer Offenheit und, zur Freude der Gäste, nicht ohne Humor.

Die Ausstellung „Jim Dine – the landscape of everything“ ist noch bis zum 21. November 2015 in der Galerie Till Breckner zu sehen.

Jim Dine – the landscape of everything
Galerie Till Breckner
Altestadt 6+7
40213 Düsseldorf

Öffnungszeiten: Mo.–Fr. 09:00–13:00 Uhr und 14:00–18:00 Uhr, Sa. 10:00–15:00 Uhr

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Enno Wallis hat die Jörg Immendorff Grafik Ausstellung kuratiert. Foto: tw

Lüneburg Die Kulturbäckerei in Lüneburg zeigt einen restrospektiven Überblick über die Jörg Immendorff Grafik.

Am Eingang hängt ein Foto. Der Meister, Grimm im Blick wie immer, trägt ein T-Shirt mit Aufdruck „La Paloma“. So hieß die Kneipe, die Jörg Immendorff 1984 auf dem Hamburger Kiez eröffnete. In den Armen wiegt der Künster ein paar Kilo Kartoffeln, behütend, als hielte er ein Kind. „Die Kunst“, sagte Immendorff, „muss heute die Funktion der Kartoffel übernehmen.“ Das klingt nach seinem Übervater Joseph Beuys, nach einer sozialen Verpflichtung des Künstlers, nach Kunst als Grundnahrungsmittel und nicht als Sättigungsbeilage. „Elbquelle“ heißt eine repräsentative Ausstellung zum grafischen Werk Immendorffs, die ab Sonntag in der KulturBäckerei zu sehen ist. „Elbquelle“, dass passt doppelt.

Denn Immendorff, der jetzt 72 Jahre alt würde, aber schon vor zehn Jahren starb, ist in Bleckede geboren. An der Elbe also. Er hatte es nicht leicht als Kind. Früh kam er in ein Internat, der Weg zur Kunst vollzog sich weit entfernt von der Elbe. Aber Immendorff hielt lebenslang Kontakt zu seiner Mutter Irene, besuchte sie oft in Bleckede. In seinem Heimatort haben sie den Künstler zu Lebzeiten nicht gepflegt, heute aber eine Schule nach ihm benannt, was erstaunt, und eine Plakette ans Geburtshaus geschraubt. Es wird von Immendorffs frühen Jahren und von seinem Bleckede-Bezug später die Rede sein, in einer anderen Ausstellung, denn die Sparkassenstiftung hat Briefe und andere Zeugnisse aus der frühen Zeit erworben.

Hier finden Sie verfügbare Kunstwerke, wenn Sie eine Arbeit von Jörg Immendorff kaufen möchten.

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Arnulf Rainer Ausstellung Pinselrausch präsentiert die Entwicklung der Handschrift des österreichischen Ausnahmekünstlers und damit eine ungebrochene künstlerische Leidenschaft.

Copyright: Arnulf Rainer Museum, Foto Kollektiv Fischka

„Der ältere Meister malt noch immer sehr jung“ (Rudi Fuchs). Der Kunsthistoriker Rudi Fuchs, langjähriger Freund des Künstlers und erst kürzlich mit anderen documenta-Leitern durch die Hessische Landesregierung mit dem Hessischen Kulturpreis 2015 geehrt, hat sie gemeinsam mit Maarten Bertheux eingerichtet und konnte dafür sowohl auf frühe Hand- und Fingermalereien als auch auf erst jüngst entstandene Werke, die nur wenige Wochen „alt“ sind, zurückgreifen. Denn der heute fast 86-jährige Arnulf Rainer steht noch beinahe täglich im Atelier und arbeitet.

Das Gros der rund 164 Arbeiten in der Ausstellung, darunter Gemälde, Grafiken und Zeichnungen, stammt aus der Ausstellung „Arnulf Rainer – Übermaler“, die Anfang 2015 im Cobra-Museum Amsterdam zusehen war. Die für das Arnulf Rainer Museum in Baden neu inszenierte und ergänzte Präsentation trägt den programmatischen Titel „Pinselrausch“. Kurator Rudi Fuchs beschreibt sie so: „In jedem Raum hängt eine gewisse Strophe von Bewegungen, wie eine Melodie. Das ist die Ausstellung – ohne Theorie. Ein Meisterstück.“

ARNULF RAINER. PINSELRAUSCH

Ausstellung vom 24. Oktober 2015 bis zum 1. Mai 2016
Arnulf Rainer Museum
Josefsplatz 5
A-2500 Baden

Öffnungszeiten: täglich von 10–17 Uhr
Führungen jeden Samstag/ Sonntag/ Feiertag um 15 Uhr

www.arnulf-rainer-museum.at

Weitere Empfehlungen: Arnulf Rainer kaufen

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