Interview Jeff Koons im Handelsblatt – „Wir sollten die Technologien für mehr Menschlichkeit nutzen“ Der US-Kunststar spricht im Handelsblatt über Kunst im Zeitalter Künstlicher Intelligenz, seinen Optimismus – und darüber, warum ihm der Rekordpreis für seine Skulptur „Rabbit“ egal ist.

München vor der Bayerischen Staatsoper. An einem heißen Samstagmittag posiert ein Mann auf einem roten Sofa. Er hat für die temporäre Verkleidung der Säulen des Theaters gesorgt; sie erscheinen brüchig, bröckelnd als Symbol für Vergänglichkeit. Der Mann ist Jeff Koons, 71, US-Künstler, hochdotiert und streitbar.

Die Fotosession ist der Beginn einer Serie mit Bildern von Menschen auf der roten Couch, die an relevanten Plätzen auftauchen soll, etwa in der Ukraine. Das Konzept hatte vor mehr als 40 Jahren in den USA Erfolg. Zeit für ein längeres Gespräch, welches Hans-Jürgen Jakobs mit dem Künstler führte.

Herr Koons, Ihr Bestreben war immer, sich mit einer eigenen Plattform dem für Sie wichtigsten Thema überhaupt zu widmen: der Macht der Kunst. Aber was kann Kunst schon bewegen angesichts der Macht von Politikern, Diktatoren, Superinvestoren oder digitalen Monopolunternehmern wie Jeff Bezos, Mark Zuckerberg oder Elon Musk?
Ich mag den amerikanischen Philosophen John Dewey …

… der sich sehr für eine Demokratisierung aller Lebensbereiche sowie für eine Pädagogik im Sinne von „Learning by doing“ einsetzte …
Ja. In seinem Buch „Kunst als Erfahrung“ schreibt er von der wahren Kommunikation. Sie ist in ihrer einfachsten Form ein einzelliger Organismus, der von seiner Umgebung beeinflusst wird. Dadurch verändert er sich, überschreibt seine DNA. Dies wiederum hat einen Effekt auf die Umwelt. Dieses Vor und Zurück, diese Interaktion, das ist Kultur. Alles, was wir sehen, repräsentiert Kultur, vom Straßenasphalt bis zur Zierpflanze. Es geht nicht um eine Elite oder eine Hierarchie, die uns machtlos macht und die zu Abgrenzungen führt.

Lesen Sie hier das komplette Interview (gegen Gebühr)

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Jeff Koons Red Couch
Text von Annette Bosetti

Es ist nur eine Couch aus rotem Samt, 2,40 Meter lang, 100 Kilo schwer. Dieses Möbelstück, einst aus der hintersten Ecke eines New Yorker Lofts ins Scheinwerferlicht gezogen, ist ab 1979 auf Weltreise gegangen. Es bildet das Fundament eines künstlerischen Konzepts, das der Amerikaner Kevin Clarke entwickelte. Nach einer kurzen Anlaufzeit mit wenigen Soloshootings stieß der deutsche Kollege Horst Wackerbarth dazu, ein professioneller Werbefotograf aus Fritzlar, zwei Jahre älter als Clarke. Die beiden Freunde saßen bald in einem Boot, schleppten das Sofa von einem Ort zum anderen, über Berge, Schluchten und durch Seen, unter teils abenteuerlichen Umständen. Sie schossen Hunderte Fotos, die sie zu Readymades der Fotokunst verwoben. Sie baten Menschen jeder Couleur auf die Couch, weltberühmte und stinknormale, Banker, Arbeiter, Künstler – mehr Männer als Frauen. Sie setzten all diese Typen in einen persönlichen wie gesamtgesellschaftlichen Kontext. Eine neue Art von Portrait gelangte in der Welt.

Fotos vom Setting auf dieser Couch wurden bis heute hunderttausendfach abgedruckt, angeschaut und bewundert. Anerkennende Foto-Preise gab es auch. Anfang der 1980er Jahre gelangte das Kunst-Sofa in einer brillanten Fotostrecke ins deutsche Magazin „Stern“, in den USA und in Großbritannien druckten wegweisende Illustrierte Strecken vom Roten Sofa. Ein prächtiger Bildband entstand 1985. „The Red Couch“ war dazu angetan, ein intimes, gleichwohl aussagekräftiges Portrait von Amerika zu spiegeln, anhand der Vielfalt der Menschen und ihrer besonderen, oft auch konstruierten Lebensumstände.

Das rote Sofa ist also weltberühmt. In diesen Tagen gibt‘s überraschend ein Update, „The Red Couch revisited“. Und damit erlebt eine grandiose künstlerische Idee ihr Revival. Nach jahrzehntelangem Stillstand und etlichen Streitigkeiten mit Horst Wackerbarth hat der Künstler Kevin Clarke, Jahrgang 1953, die rote Couch am 20. Juni 2026 vor der Münchner Oper alleine wieder aufgestellt. Der Düsseldorfer Ausstellungsmacher Detmar Westhoff hatte ihn dazu ermuntert, es noch einmal zu tun nach dieser langen Pause und Jeff Koons aufs Sofa zu bitten. Das „Handelsblatt“ würde ein Interview dazu drucken, die Galerie Till Breckner bringt eine Foto-Edition heraus.

Koons ließ sich nicht lange bitten. Der Erfinder von „Puppies“ und „Balloon Dogs“ machte gerne mit aus Verbundenheit zu seinem alten Freund Kevin Clarke. Die Performance, das Fotoshooting mit niemand Geringerem als dem Superstar, dessen Edelstahl-Skulptur „Rabbit“ mit 91 Millionen Dollar als das höchstversteigerte Kunstwerk eines lebenden Künstlers gilt, konnte stattfinden. Koons platzierte sich auf der Sofa-Rückenlehne, die Füße auf der Sitzfläche. Er lächelt smart vor den Stufen der bayrischen Staatoper. Die Sonne scheint. Die Säulen des Musentempels durfte er aus aktuellem Anlass künstlerisch verwandeln, ihnen Kleider aus bedruckter Leinwand verpassen. Die Motive verweisen auf Zerstörung, erinnern an die historischen Ereignisse während des Zweiten Weltkrieges.

So kennt man den mitunter zynischen, zwischen Kitsch und Kunst wandelnden Modernisten, heute 71 Jahre alt, der einst mit der Italienerin Cicciolina (Ilona Staller) in die Schlagzeilen geriet. Peter Ludwig kaufte in den Achtzigern seine provozierende Großskulptur „Made in Heaven“, die Koons mit dem blonden, politisch ambitionierten Pornostar in sexueller Aktion zeigt.

Auf dem roten Sofa gibt sich Koons amerikanisch-lässig, heller Anzug, weißes Hemd, die Loafer sind aus Wildleder. Auf Einladung der Münchner Opernfestspiele ist er in seine Lieblingsstadt gekommen, in der er von Mitte der 1980er bis Anfang der 1990er Jahre gearbeitet hatte und der er wesentliche künstlerische Impulse verdankt. Man bat im Übrigen den deutschlandaffinen Amerikaner, einen ihm wichtigen Gegenstand mitzubringen. Seine Wahl fiel auf den in Münster verorteten „Kiepenkerl“, eine kleinere Figur, die er in Händen hält.

Spätestens jetzt ist es an der Zeit für eine kleine Nacherzählung, eine wundersame Geschichte, vielleicht auch für die Legende von der Entstehung eines künstlerischen Konzepts, das als „The Red Couch“ in New York begann. Hauptperson: der Künstler Kevin Clarke, studierter Bildhauer, Meisterschüler von Hans Haake und Christopher Wilmarth, Wanderer zwischen den Welten von Amerika aus in die Schweiz, nach Deutschland und wieder zurück. Heute lebt er in Frankreich.

Clarke repräsentiert die Generation 1968, Woodstock-Besucher, Widerständler, Wohlstands- und Konsumkritiker, Jimi-Hendrix-Bewunderer und Adorno-Versteher. Ein bisschen wild war er, Freiheitsfanatiker, intellektuell, die Musik und die Frauen verehrend – wie das eben so war in jener Zeit, als die Hippies mit ihrer Flower-Power-Attitüde und dem Aufruf zu freier Liebe die Welt verändern wollten.

Die amerikanische Gesellschaft lechzte – wie etwas später die Deutschen – nach Wohlstand. Im Waren-Katalog der Superlative, der ein XXL-Format des deutschen Neckermann-Katalogs war, gab es alles, was das Herz begehrte. Für einen wie Kevin Clarke war es das Allerschlimmste, alles besitzen und alles haben zu wollen, was das Spießer-Leben im eigenen Häuschen in einem langweiligen Vorort mit Garten und Garage fragwürdig verschönern könnte. Neben zahlreichen gesellschaftskritischen Aktivitäten und anspruchsvollen Beiträgen, unter anderem für die documenta VI, die bei Schirmer & Mosel erschienene Foto-Dokumentation „Kaufhauswelt“ aus dem Berliner Kaufhaus des Westens (KaDeWe), stieß er 1979, zurück in New York, auf das rote Sofa.

Die Sofa-Story hat viel mit Clarkes künstlerischem Instinkt, mit seiner Haltung, mit dem Zeitgeist, mit Träumen und mit Männerfreundschaft zu tun. (Übrigens waren Koons und Clarke damals schon beste Freunde). Und sie begann tatsächlich im Winter 1979. Im Loft seines Künstlerfreundes Russell Maltz, in Soho stand dieses rote Samtsofa und erregte Interesse. Alles fing damit an, dass er darauf schlafen durfte. Träumen inklusive. Freund Maltz führte zu dieser Zeit ein künstlerisches Projekt für einen wohlhabenden Mäzen auf Long Island durch, bei dem 28 Künstler Arbeiten zu einem stillgelegten Swimmingpool beitrugen. Off-Space würde man sowas heute nennen. Kevin Clarke erhielt die Aufforderung von Maltz, den Schlusspunkt zu setzen. Was ihn auf die Idee zur „Red-Couch-Serie“ brachte.

Unter für heutige Verhältnisse unfassbar widrigen Umständen hatte er zu kämpfen. Vom sechsten Stock aus musste das Möbelstück hinunter auf die Straße, der Aufzug war zu eng. Es gelang wohl irgendwie übers Aufzugdach. Ein geliehener alter Transporter brachte den Künstler und sein Sofa in die Nähe vom Swimmingpool, wohin er es eigenhändig über Schotterwege und durch Wiesen ziehen musste. Dann stand er da, vor dem schwarz angepinselten Pool-Innenraum, ein bisschen wie in Nowhere Land, und wusste doch genau, was er tun würde. Er manövrierte das Sofa irgendwie in die Tiefe, stellte es vor die kurze Wand, legte sich hin und nahm den legendären Versandhauskatalog jener Jahre, den „Sears Roebuck“, zur Hand, in dem es einfach alles zu bestellen gab. Einen ganzen Tag lang verbrachte er alleine auf dem Sofa im Pool, riss die Katalogseiten aus, auf denen für ihn interessante Waren angepriesen worden, welche er dann auf die schwarze Wand hinter dem Sofa klebte. Eine zutiefst beeindruckende Schwarz-Weiß-Fotoserie darüber, mit Selbstauslöser angefertigt, ist in dem Buch „The Red Couch“ abgedruckt.
An diesem Tag im Pool durchlebte Kevin Clarke einen Tagtraum, eine Fantasie, großes Theater auch – im Ganzen betrachtet war es eine wirklich schräge Performance. Aber dieser Tag war mehr als das auch die Geburtsstunde einer zutiefst humanistischen wie gesellschaftskritischen Idee, die als „The-Red-Couch“-Aktion in den USA und als „Die rote Couch“ in Deutschland Furore machte. Schon vor seiner Pool-Aktion hatte es Clarke in den Fingern gejuckt, als er seinen Freund Russell spontan aufs Sofa bat. Er spürte, welche Kraft diese Komposition haben würde. „Es war eine absurde Situation, die zu einem bizarren Foto führte“, steht im Katalog zu lesen. Roter Samt auf grauem Asphalt, ein breitbeiniges Platznehmen, das Lächeln eines Künstlers – dies alles mitten im tristen Arbeiterviertel.

Clarke, der auch Fotograf ist, wurde somit zum Bildhauer einer sozialen Skulptur im Sinne von Joseph Beuys, mit dem er als junger Mann eine Zeit lang zusammengearbeitet hatte. „Es war plötzlich schön“, gab Clarke seinerzeit zu Protokoll, „ich musste einfach ein Foto machen“. Clarke fängt den Augenblick, den Stillstand, den einmaligen Moment, in dem Mensch und Umgebung verschmelzen. Die Neuauflage der Sofa-Serie in München hat von dieser Urkraft nichts verloren. Es ist immer ein Dreiklang, den Clarke komponiert: Der Mensch gewissermaßen als Prototyp und Maß aller Dinge, die Situation als Umweltmetapher sowie das unaussprechbare dritte Element. Warum Jeff Koons den Kiepenkerl zum Shooting in München mitbrachte, bleibt ein Geheimnis.

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Jeff Koons und der Kiepenkerl… Der legendäre Ausstellungsmacher und Kurator Kasper König hat im Rheinland gemeinsam mit Klaus Bußmann 1977 die Skulptur Projekte Münster ins Leben gerufen, die seither alle 10 Jahre zu einer bahnbrechenden und international vielbeachteten Bestandsaufnahme der Gegenwartskunst im öffentlichen Raum geworden sind. Neben zahlreichen anderen amerikanischen Künstlern wie Judd, Andre, Naumann und Serra wurde die Einladung zur Teilnahme an den Skulptur Projekten im Jahr 1987 für den 32jährigen Jeff Koons zum Wendepunkt und endgültigen Durchbruch in Europa.

Jeff Koons hatte bereits eine sehr persönliche Verbindung zu Deutschland, wo er von Mitte der 1980er bis Anfang der 1990er Jahre Zeit verbracht hat, um in München zu arbeiten und dort zahlreiche Kunstwerkstätten zu nutzen. Münchens Energie und kulturelle Vielfalt haben den Künstler zum Beispiel zu seiner „Banality-Serie“ inspiriert, für deren Umsetzung er in einen intensiven Dialog mit deutschen Traditionen eintauchte.

In diese Serie der banalen Objekte, die seine Readymades ablöste, reiht sich auch Koons‘ Beitrag zu den Skulptur Projekten Münster ein und greift ein historisch überliefertes, folkloristisch verankertes Motiv der Region, den Kiepenkerl, auf. Die praktische Arbeit in der Gießerei an der Skulptur Kiepenkerl war nicht zuletzt wegen einer Panne, die das aufwendige Zusammensetzen einzelner Teile erforderte, eine Zäsur und ein Momentum grenzenlosen Befreiung für die Entwicklung des Künstlers. Der typische Kiepenkerl wanderte noch bis in 1920er Jahre als Kleinhändler mit seinem großen Rückenkorb, der Kiepe, durchs Münsterland und überbrachte als gerngesehener Mittler zwischen Stadt und Land auch Briefe und Neuigkeiten. Der Bildhauer August Schmiemann (1846-1927) aus Münster schuf das Kiepenkerl Denkmal 1896 aus Stein, 1945 wurde es von amerikanischen Soldaten bei Schiessübungen zerstört, 1953 als Bronzestatue wieder aufgestellt. Der Kiepenkerl steht mitten in der Altstadt von Münster ist ein sehr beliebtes lokales Wahrzeichen der Stadt.

In einer Geste der blendenden Übertreibung ersetzt Koons den Kiepenkerl durch eine silberne Hochglanzkopie, die nicht von der Größe des Originals abweicht sondern in einem gigantische Materialaufwand aus glänzenden rostfreiem Chromstahl ausufert und den Konsum in einer zeitgenössischen Luxusversion feiert. Der glänzende Kiepenkerl soll das Versprechen auf etwas Neues sein, die Bereicherung und das Gefühl des Zusammengehörens, das dieses Neue mit sich bringen kann. Koons transformiert ein nostalgisches Symbol aus der guten alten Zeit in ein kaltes ultramodernes Objekt, dessen luxuriöse Aura von allen gleichberechtigt rezipiert werden kann.

Für Jeff Koons ist der Kiepenkerl „eine Figur, die ein Gefühl wirtschaftlicher Unabhängigkeit in der Bevölkerung widerspiegelt und somit einen politischen Zweck erfüllt.“ Koons fühlte sich durch die Profession des Kiepenkerls an seine eigene Kindheit erinnert, als er in der Nachbarschaft Süßigkeiten und andere Dinge von Tür zu Tür verkaufte und dadurch Einblicke in das Leben anderer Menschen erhielt. Wie kein anderer zeitgenössischer Künstler spürt Jeff Koons die grenzenlosen Möglichen, alltägliche Erfahrungen in spirituelle und sinnliche Momente zu transzendieren, in der Konsumkultur und ihren historischen Referenzen auf und treibt sie in absoluter Perfektion auf die Spitze des Begehrens. Bei dem aktuell entstandenen „Jeff Koons Portrait“ bezog der Künstler sich erneut auf die Figur des Kiepenkerl.

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Jeff Koons München – Der amerikanische Künstler eröffnete die diesjährigen Münchner Opernfestspiele, die noch bis zum 31. Juli 2026 Opernenthusiasten und Liebhaber der klassischen Musik aus aller Welt in die bayerische Hauptstadt anziehen werden,

Koons, der in seinen Kunstwerken Alltagsgegenstände verfremdet und verwandelt und damit in der Tradition der Pop Art und Andy Warhol steht, hat in den vergangenen Jahrzehnten eine einzigartige überwältigende Ikonographie erschaffen. Dabei sind insbesondere die Technik und das Material der alltäglichen Gegenstände und Motive, in der u.a. hochglänzendes Edelstahl in monumentale Maßstäbe der Skulpturen in Perfektion übertragen werden, der Schlüssel zu einer Verschmelzung von Massen- und Hochkultur. Jeff Koons hat eine persönliche Verbindung zu München, wo er Mitte der 1980er bis Anfang der 1990er Jahre Zeit verbracht hat, um hier zu arbeiten und die Kunstwerkstätten der Stadt zu nutzen. Münchens Energie und kulturelle Vielfalt haben den Künstler zum Beispiel zu seiner „Banality-Serie“ inspiriert, für deren Umsetzung er in einen intensiven Dialog mit deutschen Traditionen eintauchte. Koons begegnet der Welt mit einem grundsätzlichen Optimismus, der von Offenheit und Freiheit getragen wird. Die künstlerischen Möglichen, alltägliche Erfahrungen in spirituelle und sinnliche Momente zu transzendieren, sind für Koons grenzenlos in Gegenständen der Konsumkultur zu finden.

Nun wurde der Besuch von Jeff Koons in München von dem Künstler und Fotografen Kevin Clarke begleitet. Die beiden Künstler arbeiten bereits seit Anfang der 1970er Jahre zusammen. Clarke, Absolvent der Cooper Union in New York 1976, wurde Anfang der 1980er mit dem Projekt „The Red Couch“, bei dem er zahlreiche berühmte und auch unbekannte Menschen an den unterschiedlichsten Orten in Amerika porträtierte, weltweit bekannt. Nach einigen Jahren in Deutschland war Clarke nach Manhattan zurückgekehrt und inszeniert die rote Couch in einem persönlichen bzw. kuratierten Setting. Ohne dokumentarischen Anspruch erreicht die Serie eine theatralische fast surreale Wirkung.
So zum Beispiel das Portrait von Larry Weeks vor dem Hintergrund des Columbia II Space Shuttle in Cape Canaveral, Willem De Kooning in seinem Atelier oder das Portrait des  James T. Brunson in schwindelerregender Höhe eines Wolkenkratzers, an dessen Fassade die rote Couch an Seilen hängt.

In der Edition für das Handelsblatt fotografiert Kevin Clarke seinen Freund Jeff Koons auf der roten Couch, die auf den Stufen bayerischen Staatsoper in München platziert wurde. Koons hat selbst in den öffentlichen Raum eingegriffen, in dem er die Säulen vor dem Eingang der Staatsoper mit bedruckter Leinwand vollständig umhüllt hat. Die Motive der einzelnen Leinwände vermitteln die Illusion des Verfalls und der Zerstörung des Gebäudes und weisen auf die historischen Ereignisse während der Zweiten Weltkrieges hin. Es ist die neueste Fortsetzung der Serie „The Red Couch“ und drückt die Verbundenheit der Künstler zu Deutschland und insbesondere zu München aus. Die Zusammenarbeit von Koons und Clarke als Intervention und Inszenierung an einem geschichtsträchtigen Ort im Herzen von München ist eng verflochten mit der zeitlichen Dimension des Porträts im Hier und Jetzt.

Jeff Koons Portrait with Kiepenkerl on Original 1979 Red Couch Entstanden vor dem Bayrischen Nationaltheater, Max-Joseph-Platz München, anlässlich der Fassadeninstallation von Jeff Koons zur Eröffnung der Bayrischen Opernfestspiele. Ein Kunstwerk von Kevin Clarke im Rahmen seines Projektes „Red Couch Redux. 1979 / 2026“ Entstehungsjahr 2026 Papierformat 60 x 61 cm Bildformat 52 x 52 cm Auflage 60 arabisch nummeriert, 6 ap, 2 hc Subskriptionspreis 1.200 EUR Später 1.500 EUR Hier geht es direkt zum Kunstwerk

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Wie entsteht ein kulturelles Phänomen? Im Falle von Jeff Koons scheint die Antwort in der Leerstelle zwischen kontrovers diskutierten Gegensatzpaaren wie „Hoch-“ und „Trivialkultur“, oder „Kunst“ und „Kitsch“ zu liegen, die der amerikanische Künstler mit seinen faszinierenden Werken besetzt. Noch bis zum 10. Oktober beleuchtet die Ausstellung „Jeff Koons: Absolute Value“ im Tel Aviv Museum of Art den Künstler in seiner umstrittenen Rolle als wertbestimmtes Kulturphänomen anhand einer Auswahl an großformatigen Werken aus der Sammlung Marie and Jose Mugrabi.

Jeff Koons (*1955, York, Pennsylvania, USA) zählt zu den führenden Vertretern des amerikanischen Neo-Pop, die sich seit den 1980er Jahren mit der Kontroverse zwischen Kunst und Spektakel in einer von Medien übersättigten Welt auseinandersetzten. Die Ausstellung in Tel Aviv präsentiert eine Auswahl an Malereien und Skulpturen des Künstlers, die aus verschiedenen Phasen seines Schaffens, von 1980 bis heute, stammen und Jeff Koons unter dem Aspekt des Kunstwertes beleuchten.

Mit seinem Ausstellungstitel Absolute Value bezieht sich Kurator Doron Rabina dabei auf ein mathematisches Konzept, bei dem die Kennzeichnung einer Größe durch numerische Begriffe vollzogen wird. Der absolute Wert einer Zahl beschreibe demnach den rein faktischen Abstand zwischen dieser Ziffer und dem Nullpunkt einer Zahlenachse. Diese Art der Beschreibung von Werten solle in Bezug auf den Ausstellungstitel vor allem die Frage nach dem Wert in der Kunst von Jeff Koons stellen, die allzu häufig auf eine rein numerische, ökonomische Beschreibung reduziert wird.

Weitere Informationen zur Ausstellung erhalten Sie hier.

Jeff Koons: Absolute Value / From the Collection of Marie and Jose Mugrabi
Ausstellung 10. März – 10. Oktober 2020 | Tel Aviv Museum of Art, Sderot Sha’ul HaMelech 27, Tel Aviv

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Jeff Koons Moon Phases – erstes autorisiertes Kunstwerk auf dem Mond. Durch die erfolgreiche Mondlandung der Raumsonde Odysseus am Donnerstag hat der renommierte Künstler Jeff Koons einen weiteren Rekord im Zeitalter der Weltraumforschung aufgestellt: Jeff Koons tauschte den traditionellen Galerieraum gegen eine transparente Box im Weltraum und ermöglichte so, dass Odysseus (auch bekannt als „Odie“ oder IM-1) eine neue Skulpturenserie mitnehmen konnte. Diese Mission begann am 15. Februar und wurde von der in Houston ansässigen Firma Intuitive Machines überwacht. Die historische Landung von Odysseus markiert das erste Mal seit über 50 Jahren, dass die USA eine Sonde erfolgreich auf dem Mond gelandet haben, nachdem ein früherer Versuch der Raumsonde Peregrine letzten Monat aufgrund eines Treibstofflecks gescheitert war und die Sonde in der Atmosphäre verglühte.

Koons äußerte seine Begeisterung über die Mondlandung auf Instagram und betonte das Ausmaß dieses spektakulären Ereignisses. Die Skulpturenserie, die Koons auf der einsamen Mondoberfläche zur Schau stellt, besteht aus 125 Miniskulpturen des Mondes mit einem Durchmesser von etwa 2,5 cm, genannt „Moon Phases“. Diese Skulpturen zeigen verschiedene Mondphasen, wie sie von der Erde aus und aus anderen Perspektiven im Weltraum sichtbar sind, sowie eine Mondfinsternis. Jede Skulptur ist nach einer bedeutenden Persönlichkeit der Menschheitsgeschichte benannt, und Koons ließ sich von der Symbolik des Mondes für Neugier und Entschlossenheit inspirieren.

Obwohl seine Ankunft einen Meilenstein darstellt, ist „Moon Phases“ nicht die einzige Kunst, die auf der Mondoberfläche landet. 1971 hinterließen Besatzungsmitglieder von Apollo 15 eine Aluminiumfigur des belgischen Künstlers Paul Van Hoeydonck sowie eine Gedenktafel für 14 Astronauten und Kosmonauten, die im Dienst starben. Außerdem wird seit langem angenommen, dass sechs berühmte Künstler – Andy Warhol, Robert Rauschenberg, John Chamberlain, Claes Oldenburg, Forrest Myers und David Novros – zwei Jahre zuvor heimlich ein gemeinsames Kunstwerk an Bord von Apollo 12 geschickt haben. Ihr gemeinsames Werk „The Moon Museum“ ist eine winzige Keramikfliese, die mit Zeichnungen jedes Künstlers bemalt ist und Berichten zufolge bis heute an einem Teil des Beins der Mondlandefähre befestigt ist.

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Der amerikanische Künstler Jeff Koons hat am Petit Palais in Paris seine Skulptur zu Ehren der Anschlagsopfer vom 13. November 2015 enthüllt.

„Bouquet of Tulips“ (Blumenstrauß) heißt das 33 Tonnen schwere Kunstwerk, das Koons der Stadt geschenkt hat. 12 Meter misst die Großplastik einer monumentalen Hand, die elf bunte Tulpen hält.

Im Herzen von Paris soll das Monument an die 130 Menschen erinnern, die den islamistisch motivierten Attentaten vom 13. November zum Opfer gefallen waren. Laut Koons spielt sein Werk auf die Hand der New Yorker Freiheitsstatue und ihre Fackel an. „Es sind nur elf Blumen“, erläuterte Koons bei der Enthüllung der Skulptur am 4. Oktober. „Die fehlende zwölfte symbolisiert den Verlust durch die Attentate.“

Jeff Koons Kunstwerk für Paris sei ein Symbol der Erinnerung und der Hoffnung, sagte der 64-jährige. Die Blumen seien als universelles Zeichen zu verstehen, die mit Optimismus und Hoffnung assoziiert werden.

Auf dem internationalen Kunstmarkt erzielen die Kunstwerke von Jeff Koons Höchstpreise. Erst im Mai wurde sein „Rabbit„, die Stahlskulptur eines Hasens, für rund 91 Millionen Euro versteigert.

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91,1 Millionen Dollar, das sind umgerechnet etwa 81 Millionen Euro für die silberglänzende Skulptur „Rabbit“ von Jeff Koons wert. Nie zuvor wurde solch eine Summe in das Werk eines lebenden Künstlers investiert.

Jeff Koons Rabbit

Ins stechen ging das Auktionslos im Mai 2019 mit einem Auktionsrekord des vergangenen Jahres: David Hockneys Gemälde „Portrait of an Artist (Pool with two figures)“, das 2018 für 90,3 Millionen Dollar versteigert worden war. Jeff Koons Ballonkaninchen triumphierte über die Malerei und übertrumpfte dieses schon atemberaubende Ergebnis um knapp eine Millionen Dollar. Der Schätzwert für die Skulptur lag bei 50 bis 70 Millionen Dollar.

Dieser spektakuläre Zuschlag erhebt Koons erneut auf den Thron des zeitgenössischen Kunstmarkts. 2013 brachte ihm die Versteigerung seines „Balloon Dog“ für 58,4 Millionen Dollar (43,6 Millionen Euro) diesen Titel schon einmal ein.

Im großen wie im kleinen Format geben die Skulpturen von Jeff Koons den Ton im Kunsthandel an. Auch seine Balloon Animals erzielen regelmäßig atemberaubende Preise. Eine neue Edition von „Balloon Rabbit“, „Balloon Monkey“ und „Balloon Swan“ ist erst in diesem Jahr erschienen.

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Jeff Koons: Moon Phases (Copyright © Jeff Koons/ Pace Verso/ NFMoon/ 4Space, 2022)

Über seine bisher ehrgeizigste Arbeit sagt Jeff Koons: „Ich wollte ein historisch bedeutsames NFT-Projekt schaffen, das in humanistischem und philosophischem Denken verwurzelt ist. Unsere Errungenschaften im Weltraum repräsentieren das grenzenlose Potenzial der Menschheit. Die Erkundung des Weltalls hat uns eine Perspektive unserer Möglichkeiten gegeben, die weltlichen Limitierungen zu überschreiten. Diese Ideen stehen im Mittelpunkt meines NFT-Projekts, das als Fortsetzung und Feier der ehrgeizigen Errungenschaften der Menschheit innerhalb und außerhalb unseres eigenen Planeten verstanden werden kann.“

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„Ich glaube auf moralische Weise an die Kunst. Wenn ich ein Kunstwerk herstelle, mache ich es handwerklich vollkommen, damit der Betrachter ihm vertraut.“ (Jeff Koons)

Mit seiner Kunst schafft der New Yorker Pop-Artist Jeff Koons unverkennbare Archetypen der Gegenwart. In diesem Jahr gibt er seine beliebten Balloon Animals in jeweils einer neuen Farbe heraus. In einer limitierten Auflage von jeweils nur 999 Exemplaren sind die begehrten Motive nun erstmals als  Jeff Koons Balloon Rabbit Violet, Jeff Koons Balloon Swan Magenta, Jeff Koons Balloon Monkey Orange erhältlich.

Jeff Koons Swan Rabbit Monkey 2019

Im Set erreichen die Balloon Animals von Jeff Koons regelmäßig Preise zwischen 40.000 und 50.000 €. Erst dieses Jahr versteigerte ein New Yorker Auktionshaus die drei Motive für 49.477 € (inkl. Aufgeld). In Österreich erhielt das Set 2018 noch einen Zuschlag bei 40.965 € (inkl. Aufgeld).

Nun erscheinen die drei beliebten Motive der Balloon Animals in jeweils einer neuen Farbe und schließen das Projekt der Balloon Animals mit Balloon Swan Magenta, Balloon Monkey Orange und Balloon Rabbit Violet ab. Jedes Motiv ist so in je zwei Farben und in einer Auflage von je nur 999 Exemplaren entstanden.

Balloon Swan, Balloon Rabbit und Balloon Monkey beziehen sich auf Koons‘ berühmte Celebration Series (ab 1994). In ihr transformiert der Künstler Dinge, die man kennt, oder erlebt hat, in perfekt anmutende Kunstwerke. Aus dieser Werkreihe gelangen vor allem seine großformatigen, aus Edelstahl gefertigten Repräsentationen von Ballontieren zur Berühmtheit, die der Künstler 2017 erstmals auf ein handliches Format skaliert. In Porzellan gefertigt, erhalten die Ballon-Archetypen der drei Tiere somit etwas von ihrer Fragilität und Leichtigkeit zurück.

Weitere Informationen zu den Balloon Animals finden Sie hier: www.balloon-editions.de

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Auch empfehlen können wir Ihnen die Skulpturen der Serie Jeff Koons Balloon Dog.

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