ZERO to Infinity. Jan Henderikse

Katalog anlässlich der gleichnamigen Ausstellung in der Galerie Breckner, Düsseldorf. Mit Textbeiträgen von Prof. Dr. Kornelia von Berswordt-Wallrabe, Schwerin; Heinz-Norbert Jocks, Düsseldorf und Stefan Skowron sowie mit über 40 Abbildungen.

Erscheinungsjahr: 2015
Seitenzahl: 56
Sprache: Deutsch
Verlag: Kunstverlag Till Breckner, Düsseldorf
ISBN: 978-3-9394-522-63

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Jeff Koons Balloon Dogs Orange Yellow Magenta

Jeff Koons begeistert uns mit seinen neuen Balloon Dog Skulpturen Editionen. Er ist einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler. Seit den 1980er überrascht er die Welt mit seinen farbigen und fröhlichen Skulpturen und versucht dabei „das Kind, das in jedem von uns steckt, aufzuwecken“ (Jeff Koons). Exemplarisch für Koons‘ Kunst stehen seine zwischen 1994 und 2000 entstandenen, überdimensionalen „Balloon Dog“ Skulpturen, deren Magie sich kaum jemand entziehen kann. Die farbigen Skulpturen aus Edelstahl füllen die exklusivsten Kunstsammlungen in Los Angeles, Athen und Venedig. Auf den ersten Blick erinnern die eleganten Skulpturen an Luftballonfiguren, wie sie Clowns auf einer Geburtstagsfeier formen. Doch die glänzenden Objekte werden zu Ikonen, die die Essenz der amerikanischen Popkultur manifestieren. 2013 erreichte die Erfolgsgeschichte des „Balloon Dogs“ ihren vorläufigen Höhepunkt: Das Auktionshaus Christie’s versteigerte die orangefarbene Version für 58,4 Mio. USD und krönte Koons mit diesem Auktionsrekord zum teuersten, lebenden Künstler.

Jeff Koons Balloon Dog Orange

Ballon Hund Teller Skulptur von Jeff Kons

Seit den 1990er Jahren hegt Jeff Koons den Wunsch, seine überdimensionalen Skulpturen nicht nur für Museen zu kreieren, sondern mit kleineren, erschwinglicheren Editionen eine größere Gruppe an Käufern bedienen zu können.

Jeff Koons Balloon Dog Yellow

Daher entwickelt er seit 1995 limitierte Auflagen der „Jeff Koons Balloon Dogs“, die einen Schritt hin zur Demokratisierung der Kunst symbolisieren – ein Anliegen das dem Künstler am Herzen liegt.Mit den Skulptureneditionen ermöglicht Koons Liebhabern des „Ballon Dogs“, sich ein Stück Kunstgeschichte nach Hause zu holen.

Die kleinen Skulpturen orientieren sich in der Farbgebung an den großen „Balloon Dogs“, sodass sie auch in den klassischen fünf Farben erstrahlen (Rot, Blau, Gelb, Magenta und Orange). Den Auftakt machte 1995 der mittlerweile vergriffene rote „Balloon Dog“. Dieses seltene Sammlerstück erzielte im Mai 2015 bei einer Auktion in New York bei Sotheby’s den rekordverdächtigen Verkaufspreis von 42.000 USD.

Jeff Koons Balloon Dog Magenta

Im Jahr 2002 folgte der blaue „Balloon Dog“, dieser wurde im Mai 2015 in Paris für 22.700 USD versteigert. Nacheiner dreizehnjährigen Pause bringt der französische Porzellanhersteller Bernardaud 2015 die gold-gelben und magentafarbenen „Balloon Dogs“ raus. Während der gold-gelbe „Balloon Dog“ bereits nach einem Jahr nur noch in geringen Stückzahlen verfügbar ist, wird nun die magentafarbige Edition erstmalig in Deutschland angeboten. Die Galerie Breckner präsentiert zudem exklusiv eine absolute Weltpremiere: Die lang ersehnte Orange-Edition des „Balloon Dogs“ vervollständigt die Serie.

Die Edition in metallplatiertem Porzellan 

Die Motive:
Jeff Koons Balloon Dog Magenta 2015
Jeff Koons Balloon Dog Orange 2016
Jeff Koons Balloon Dog Yellow 2015

Auflage: je 2300 Exemplare
Format: 26,7 cm x 26,7 cm x 12,7 cm
Material: Porzellan von Bernardaud in Limoges, metallplatiert
Signatur: Eingebrannte Signatur von Jeff Koons und handgeschriebene Editionsnummer auf der Rückseite.

Die Pflege: Die „Porzellanskulpturen“ sind empfindliche Kunstwerke. Damit Glanz und Spiegeleffekte erhalten bleiben, dürfen sie nicht wie handelsübliche Porzellanteller benutzt werden. Die Aufstellung in einer Vitrine bei kaltem LED-Licht ist ratsam. Da Fingerabdrücke schwer zu entfernen sind, bitte die beigelegten Baumwollhandschuhe benutzen. Für die Reinigung nur einen weichen Lappen verwenden, leicht angefeuchtet mit vollentsalztem Wasser. Die Skulpturen weder direkter Sonne noch starker Heizungsluft aussetzen. Lieferung inklusive Aufstellstützen und Anleitung zu Umgang und Pflege des Objekts.

Hier finden Sie direkt die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2017 bestehend aus Jeff Koons Balloon Rabbit Red, Jeff Koons Balloon Swan Yellow und Jeff Koons Balloon Monkey Blue.

Oder interessieren Sie sich für die Skulpturen Jeff Koons Balloon Animals 2019? Sie bestehen aus den Motiven Jeff Koons Balloon Rabbit Violet, Jeff Koons Balloon Swan Magenta, Jeff Koons Balloon Monkey Orange

Mehr Infos finden Sie auch unter balloon-editions.de

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Die pralle Lebensfreude mit dem Balloon Dog

Jeff Koons, hier sein neuestes Werk „Balloon Dog Magenta“,  ist der teuerste lebende Künstler. Damit sich nicht nur Supersammler mit eigenem Museum seine glänzenden Skulpturen leisten können, gibt er Editionen heraus. Das Handelsblatt bietet den „Balloon Dog“ exklusiv in einer Porzellanauflage an.

Ein Hund auf dem Präsentierteller – „Balloon Dog (Magenta)“ aus Porzellan: Entscheidend ist die spiegelnde Oberfläche, weil sie den Betrachter einbezieht. Quelle: Ivo Faber/Breckner

Düsseldorf. Schlagzeilen liebt der amerikanische Künstler Jeff Koons – weiß er doch deren Werbeeffekt zu schätzen. Erregungspotenzial hat vor allem die Skulpturengruppe „Jeff and Ilona (Made in Heaven)“. Sie zeigt den Künstler lebensgroß beim Liebesakt mit seiner Ex-Frau Ilona Staller, dem Pornostar, der in Italien Politik gemacht hat. Für seine Kritiker geht es dabei um reine Selbstdarstellung, für Koons’ Verehrer um Kunst, die befreit.

„Manche Menschen akzeptieren sich nicht als sexuelles Wesen. Aber kein Leben ohne Sex. Und die Selbstakzeptanz ist die Grundlage für jede Transzendenz“, sagte Jeff Koons dem Handelsblatt anlässlich seiner Ausstellung in Frankfurt vor vier Jahren.

Schlagzeilen machen indessen regelmäßig Koons’ Auktionsrekorde. Der heute 61-Jährige, konnte Gerhard Richter als teuersten lebenden Künstler ablösen. 2013 verbuchte Christie’s den Weltrekordpreis von 58,4 Millionen Dollar für die orangefarbene Variante der großen „Balloon Dog“-Skulptur. Ihre Form erinnert an einen banalen Luftballon, der mit ein paar Kniffen die Gestalt eines aufmerksamen Hundes annehmen kann.

Egal, was Koons’ stets gegenständliche Skulpturen darstellen, Lebensbejahung und Lebensenergie sind der Kern seines Œuvres. Diese Vitalität spricht viele Supersammler an, unter anderem den französischen Geschäftsmann François Pinault, den griechisch-zypriotischen Großunternehmer Dakis Joannou, der sogar seine Luxusjacht von Jeff Koons bemalen ließ, oder die Prada Foundation.

Mit Zahnarztbesteck auf Hochglanz poliert

Die bis zu drei Meter hohen Edelstahlskulpturen, deren makellose Oberfläche in einem aufwendigen Verfahren gefärbt, verspiegelt und mit Zahnarztbesteck in einem thüringischen Betrieb auf Hochglanz poliert wird, sind nicht einfach so zu kaufen. Es gibt sie in nur wenigen Exemplaren. Meist ist schon vor dem mühsamen Entstehungsprozess klar, welcher Megasammler welche Farbvariante der Tulpen, Hunde oder Venus-Figuren kaufen wird. Mit ihren ein- und zweistelligen Millionenbeträgen kommen die schillernden Stahlskulpturen von Jeff Koons ohnehin nur für die „happy few“ infrage.

Jeff Koons als Gentleman – Der Künstler und die Handelsblatt-Redakteurinnen Nicole Bastian (r.) und Susanne Schreiber nach einem früheren Exklusiv-Interview in Frankfurt. (Foto: Bert Bostelmann / Bildfolio für Handelsblatt)

Koons ist aber stets auch an einer größeren Gefolgschaft interessiert. Darum hat der Weltruhm genießende Künstler eines seiner Hauptwerke, den „Balloon Dog“, in einer verkleinerten Porzellanversion als limitierte Edition in den Farben Orange und Magenta herausgebracht. Das Handelsblatt und die Galerie Breckner bieten sie exklusiv im deutschsprachigen Raum an. Der charakteristische Luftballon-Hund ist hier knapp 30 Zentimeter groß, aus Porzellan geformt und steht auf einem metallplattierten Teller.

Welche Überlegungen den Künstler bei diesem an ein Readymade erinnernden Alltagsgegenstand geleitet haben, darüber gibt Koons Auskunft im Baseler Katalog der Fondation Beyeler: Der Hund „erinnert an ein Ballontier, wie es vielleicht ein Clown bei einem Kindergeburtstag hervorzaubert. Gleichzeitig hat er die geheimnisvolle Tiefe einer archaischen Skulptur.“

Balloon Skulptur – Glanz als Transportmittel für Sehnsüchte

Wie bei den drei Meter hohen Skulpturen sind auch für die Edition Farbe und Glanz entscheidend. Jeff Koons: „Die Außenhaut ist extrem reflektierend.“ Das heißt, der Kunstfreund sieht sich selbst und setzt sich auf diese Weise in Bezug zu dem Kunstwerk. Der Spiegeleffekt „bestätigt den Betrachter ständig in seiner Existenz“. Für Koons ist der Glanz ein Mittel, unsere Gedanken, Sehnsüchte und Wünsche in die Kunst hineinzutragen.

„Die makellose Oberfläche wirkt wie eine Erlösung, nicht nur vom Gewicht, sondern vor allem vom Schmutz der Welt – als materieller Vorschein eines Unirdischen und womöglich Überirdischen.“ So interpretiert der renommierte Kunsthistoriker Walter Grasskamp im Katalog der Frankfurter Koons-Ausstellung den Oberflächenglanz.

Koons Balloon Dog – hat ein Faible für handwerkliche Präzision

Erlöst von allem Schmutz dieser Welt – Jeff Koons riesengroßer ‚Balloon Dog‘ (1994-2000) 2008 im neu eröffneten The Broad Contemporary Art Museum (BCAM) in Los Angeles. Quelle: Ted Soqui (Foto) Corbis Entertainment/Getty Images (Foto: Corbis Entertainment/Getty Images)

Der Privatmann Koons ist stolzer Vater von acht Kindern. „Kinder betrachten die Welt immer, ohne sie zu beurteilen“, lobt er deren offenen Blick. Diese Unvoreingenommenheit hat sich der Künstler selbst erhalten. Nur so kann er, der privat Alte Kunst sammelt, Alltagskitsch, Alte Meister und antike Skulpturen gleichermaßen schätzen. „Ich möchte, dass der Betrachter seine Gefühle entdeckt, wenn er vor meinen Bildern oder Skulpturen steht“, hob Koons im Handelsblatt-Interview hervor.

Herausforderung an die Sinne. Die komplette Porzellan-Serie Balloon Dog in Orange, Magenta und Gelb. Quelle: Jeff Koons/Breckner

Porzellan hat der Amerikaner mit dem Faible für handwerkliche Präzision nicht nur gewählt, weil es in hoher Stückzahl ausformbar ist. „Einst fand sich das kostbare Material nur auf dem Tisch des Königs“, erklärt Koons. „Heute haben wir alle Porzellangeschirr. Das ist eine Demokratisierung des Materials.“

Vor drei Jahren hatte Koons nicht Porzellan, sondern Harz eingesetzt, um einem großen Publikum den Zugang zu seiner „Balloon Venus (Magenta)“ zu ermöglichen. Die ursprünglich 2,60 Meter hohe Edelstahlfigur aus schwellenden Formen geht auf die archaische, schwangere „Venus von Willenberg“ zurück.

Für den Champagnerproduzenten Dom Pérignon ließ der Künstler, der stets mit vielen Mitarbeitern und Spezialisten zusammenarbeitet, die üppige Venus 2013 verkleinern und als aufklappbare Box für den Rosé-Vintage-Schampus gestalten. Ohne Mehrwertsteuer lag der Verkaufspreis bei 15.000 Euro. Der Onlineversteigerer Auctionata konnte 2015 die pinkfarbene Champagner-Umhüllung für hohe 68.750 Dollar brutto versteigern. Die bereits 1995 und 2002 aufgelegten „Balloon Dogs“ in rotem und blauem Porzellan erzielten zuletzt Auktionspreise von 42.000 und 22.000 Dollar.

Wer mit Koons über die „Balloon Dogs“ spricht, hört, dass die Motivwahl von der Lebensfreude, der Unvoreingenommenheit und Leichtigkeit herrührt, die Kindern zu eigen ist. Es dürfte indessen aber noch ein Argument hinzukommen. Koons kennt es, denn schließlich besitzt er eine stattliche Sammlung Alter Meister: Der Hund ist von alters her auch ein Symbol der Treue.

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Auch empfehlen können wir Ihnen die Skulpturen der Serie Jeff Koons Balloon Dog, die Jeff Koons Balloon Dog Magenta, Jeff Koons Balloon Dog Orange und Jeff Koons Balloon Dog Yellow beinhalten.

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Nach zweijähriger Vorbereitung eröffnet das TMoCA in Teheran am 24. Oktober die Tony Cragg Ausstellung  – ROOTS AND STONES. die erste Einzelausstellung des Künstlers im Iran. Insgesamt 61 Skulpturen, 153 Arbeiten auf Papier und 18 Fotografien werden in dem modernen Museum zu sehen sein. Das TEMoCA hat die größte Sammlung zeitgenössischer Kunst außerhalb Europas und der USA. Die Ausstellung TONY CRAGG. ROOTS &STONES gibt einen umfangreichen Einblick in das bildhauerische und zeichnerische Werk des in Wuppertal lebenden Künstlers. Mit Tony Cragg wurde erstmals ein britischer Künstler in den Iran für eine Werkschau eingeladen: Das ist ein Symbol der Hoffnung. Mit der Ausstellung wird eine Verbindung des Westens und des Iran jenseits der diplomatischen Schwierigkeiten geknüpft.

Form, Material und Oberflächengestaltung

Der 1949 in Liverpool geborene Tony Cragg ist einer der bedeutendsten Bildhauer der Gegenwart. Sein plastisches Oeuvre nimmt in seinen Anfängen die Impulse aus der Auseinandersetzung mit der englischen Land Art und der Performance-Kunst auf und überzeugt bis heute durch einen immensen Reichtum an überraschenden Formerfindungen und -konstellationen. Craggs Werke zeichnen sich durch unermüdliches Forschen über die Möglichkeiten von Form, Material und Oberflächengestaltung aus. Zukunft ist für Cragg die Suche nach der idealen Verbindung von Material und Form.

Das TMoCA gibt eine umfangreiche Übersicht von geschichteten, gegossenen, geformten, gefrästen und geschliffenen Skulpturen aus Holz, Glas, Stahl, Bronze, Kunststoff und Keramik. So unterschiedlich Craggs Arbeiten auch auf den ersten Blick erscheinen, so spürt man doch eine innere Verwandtschaft. Der Besucher wird überrascht von einem Universum mit abstrakten, gegenständlichen und figurativ anmutenden Motiven. Begleitend werden Arbeiten auf Papier ausgestellt, die Entstehungsprozesse von der Formfindung bis zur Realisierung der Skulpturen dokumentieren.

Museum mit einer einzigartigen Skulpturensammlung

Das 1977 eröffnete TMoCA gilt weltweit als eines der bedeutendsten Museen für zeitgenössische Kunst. Auf einem 7.000 m² großen Gelände hat der iranische Architekt Kamran Diba ein weitläufiges Gebäude gebaut, das mittlerweile von einem prächtigen Skulpturengarten, in dem Werke von berühmten Künstlern wie Henry Moore, Alberto Giacometti, Max Ernst und Parviz Tanavoli stehen, umgeben ist. Zum Auftakt der Ausstellung wird sich zu dieser Sammlung ein Werk von Tony Cragg gesellen: eine extra für das TMoCa geschaffene Marmorskulptur wird erstmals am 24. Oktober der Öffentlichkeit präsentiert und anschließend in Sichtweite der beiden Henry More-Skulpturen aufgestellt werden.

Die Ausstellung TONY CRAGG – ROOTS AND STONES ist das fünfte Ausstellungsprojekt der Galerie Breckner im Iran. Seit 2011 initiieren Till Breckner und Afshin Derambakhsh internationale Ausstellungsprojekte im Iran, um das Verständnis der Kulturen zu unterstützen. Dabei ist die enge und vertrauensvolle Zusammenarbeit mit dem TMoCA die Hauptstütze. Im Mittelpunkt der Ausstellungen steht immer die Kunst, da sie erlaubt, die Gesellschaft über Themen, die nicht im Fokus der Öffentlichkeit stehen, zu informieren und aufzuklären. Nach bereits erfolgreich realisierten Projekten wie Günther Uecker – Verletzungen, Verbindungen (2012), Otto Piene – Rainbow (2015) oder Günther Uecker – Huldigung an Hafez (2016) freut sich das Team der Galerie Breckner besonders über die kommende Ausstellung im Iran mit Tony Cragg.

TONY CRAGG. ROOTS & STONES

Tehran Museum of Contemporary Art, Teheran

24. Oktober 2017 bis 12. Januar 2018

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Es war ein faszinierender Abend! Rund 200 Gäste waren anwesend, als Markus Lüpertz den Grafik-Zyklus „Arkadien“ und sein neues Buch „Arkadien oder Die Avantgarde hat noch nicht begonnen“ mit einer Lesung und einem exklusiven Konzert seiner Free Jazz-Formation TTT in der Galerie Breckner der Öffentlichkeit vorstellte. Mit einem ebenso starken wie in vielen Teilen harmonisch-verspielten Jazz-Intro begann dieses Kunstevent der Extraklasse. Markus Lüpertz am Flügel gab den Takt vor, die Musiker um Basslegende Frank Wollny begeisterten sich gegenseitig – ein absoluter Genuss für jeden Free Jazz Fan. Danach las Markus Lüpertz kurze Passagen aus seinem neuen Buch, Gedichte – eigentlich Gesänge – die eine philosophische Idee von dem entwerfen, was wir seit der Antike als Arkadien, dem Sehnsuchtsort aller Wünsche und Utopien, kennen. Lüpertz‘ Arkadien-Entwurf indes ist weit weniger verklärend, als es das Thema vermuten ließe. Er nennt es ein „ganz bescheidenes Verlangen nach Hoffnung“ und auch eine „Imagination, ein mit Atmosphäre belastetes Wort“.

An diesem Abend in der Galerie Breckner wurde überdies allemal deutlich, dass Markus Lüpertz nicht nur ein herausragender Maler und Zeichner ist – die Technik der Lithografie, die er für seinen Arkadien-Zyklus gewählt hat, kommt ihm wunderbar zupass –, sowie ein Musiker und, wie ein großer, handbemalter Gips, der Kopf des Maler Genius beweist, der in die Ausstellung als Alter Ego integriert wurde, auch ein maßgeblicher Bildhauer unserer Zeit, Lüpertz ist auch ein stimmgewaltiger Interpret seiner eigenen Texte. Die Vernissage in der Galerie Breckner am 29. November 2015 kam damit einem Gesamtkunstwerk sehr, sehr nahe!

Bis zum 2. Januar 2016

MARKUS LÜPERTZ – ARKADIEN

Galerie Till Breckner

Altestadt 6+7

40213 Düsseldorf

Mo.–Fr. 09:00–13:00 Uhr und 14:00–18:00 Uhr, Sa. 10:00–15:00 Uhr

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1954-1957 Studien an der University of Cincinnati, an der Boston Museum School sowie an der Ohio University in Athens.

1957 Bachelor of fine Arts.

1958-1959 Lehrer in Patchogue (Long Island); noch 1958 Umzug nach New York, wo er an der privaten Rhodes School arbeitet. Dine lernt Allan Kaprow und Claes Oldenburg kennen.

1959 gemeinsam mit Claes Oldenburg (*1929), Marc Ratliff (*1935) und Tom Wesselmann (1931-2004) Gründung der Judson Gallery in New York; Teilnahme an den ersten Happenings in New York.

1960 erste Ausstellung in der Reuben Gallery, New York.

1960-1965 Gastprofessor an verschiedenen amerikanischen Universitäten, u.a. an der Yale University, New Haven.

1962 Bekanntschaft mit den Arbeiten von Garry Winogrand (1928-1984), einem Vertreter der amerikanischen street photography, und von Diane Arbus (1923-1971), deren Arbeiten als erste einer amerikanischen Fotografin auf der Biennale von Venedig präsentiert wurden (1972). Dine begegnet Ileana Sonnabend (1914-2007), eine wenn nicht sogar die bedeutendste Galeristin für Moderne Kunst im letzten Jahrhundert („Mom of Pop“).

1964 Teilnahme an der Biennale von Venedig.

1966-1971 Dine lebt in London; Zusammenarbeit mit dem britischen Pop-Art-Künstler Eduardo Paolozzi (1924-2005).

1966 Illustrationen (Fotografien, Zeichnungen und Collagen) für „Le poète assassiné“ („Der gemordete Dichter“) von Guillaume Apollinaire (1880-1918).

1968 Teilnahme an der 4. documenta in Kassel.

1970 Retrospektive im Whitney Museum of American Art, New York.

1971 Dine kehrt in die USA zurück und lässt sich in Putney (Vermont) nieder.

1977 Teilnahme an der documenta VI in Kassel.

1978 Ausstellung zur Druckgrafik im Museum of Modern Art.

Seit 1980 Mitglied der American Academy and Institute of Arts and Letters, New York.

1984-1985 Retrospektive im Walker Art Center, Minneapolis.

1985 Umzug nach New York.

Von 1993 bis 1997 lehrt Dine an der Sommerakademie in Salzburg.

1994 Gastprofessur an der Hochschule der Künste, Berlin, Dine arbeitet mit Fotografien.

Seit 1997 Mitglied der Akademie der Künste, Berlin.

1999 Ausstellung im Guggenheim Museum, New York.

Seit 2001 lebt Jim Dine einen Teil des Jahres in Paris.

2004 Ausstellung in de rNational Gallery of Art, Washington D.C.

2014 Ausstellung in der SK Stiftung Kultur, Köln.

2015-2016 Ausstellung „Jim Dine. About the Love of Printing. Grafik 1960-2015“, Museum Folkwang, Essen.

Jime Dine lebt und arbeitet Paris und Walla Walla (Washington).

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Jan Henderikse © Galerie Till Breckner, Foto Robbert Fortgens

Jan Henderikse wird am 22. Januar 1937 in Delft (Niederlande) geboren. Beide Eltern waren Fabrikarbeiter. Er studiert an der Freien Akademie Den Haag.

1952 trifft er seinen späteren Freund und Mentor Jan Schoonhoven. Henderikse beginnt zu malen.

1955 erste Ausstellungsbeteiligung mit der Künstlergruppe De Kring im Museum Het Prinsenhof in Delft.

1958 Auf Hendrikses Initiative findet in der Delfter Universität die erste Ausstellung informeller Kunst statt. Teilnehmer waren u.a. die späteren Gründer der Nederlandse Informele Groep Kees van Bohemen, Henk Peeters, Armando, Jan Schoonhoven sowie Bram van den Boogaard, Rik Jager, Cor de Nobel und Fred Sieger.

1959 Gründung der Nederlandse Informele Groep (Niederländische Informelle Gruppe), die ein knappes Jahr später in die Gruppe nul übergeht, einer parallelen Bewegung zur deutschen ZERO.

Von 1959 bis 1962 lebt Jan Henderikse in Köln, danach bis 1963 in Düsseldorf, wo er neben Gotthard Graubner und Joseph Beuys am Drakeplatz in Oberkassel wohnt. Deutschland kannte Henderikse schon zuvor aus seiner Tätigkeit als „Reiseführer auf einem Rheindampfer“ wie er berichtet.

1960 signiert Henderikse die Oberkasseler Brücke in Düsseldorf.

Zwischen 1963 und 1967 lebt Henderikse auf Curaçao; 1963 erhält er eine Einzelausstellung im Museum Curaçao.

1967/1968 Übersiedelung in die USA (Manhattan/New York); Einzelausstellungen im Museo de Bellas Artes Caracas (Venezuela) und im Stedelijk Museum Amsterdam.

Ab den 1970er Jahren vermehrte Beschäftigung mit Fotografie und Film.

Ende der 1980er Jahre geht Henderikse auf Einladung des DAAD nach Berlin, wo er bis 2000 ebenfalls ein Atelier betreibt.

1992 Vorträge an der Berliner Sommerakademie.

Werke von Jan Henderikse sind in zahlreichen öffentlichungen Sammlungen vertreten, so u.a. in Stedelijk Museum Amsterdam; Deutsch-Russisches Museum Berlin-Karlshorst, Berlin; Daimler Kunst Sammlung, Stuttgart/Berlin; Museo de Bellas Artes, Caracas; Stedelijk Museum Het Prinsenhof, Delft; DOK Delft; Stedelijk Van Abbemuseum, Eindhoven; Galerie der Stadt Esslingen, Villa Merkel, Esslingen; Groninger Museum, Groningen; Kunsthalle Kiel; Berardo-Museum, Lissabon; Bayerische Staatsgemäldesammlung, Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne, München; Museum Het Valkhof, Nijmegen; Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam; Staatsgalerie Stuttgart; Staatliches Museum Schwerin; Centraal Museum Utrecht.

Jan Henderikse lebt und arbeitet heute in Brooklyn/New York und Antwerpen.

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Otto Piene: RAINBOW – Inflatables. TMOCA, Teheran. Photo by Mahnaz Sahaf

Schon an den ersten beiden Tagen der Otto Piene Teheran Ausstellung Rainbow im TEMOCA   wurden jeweils mehr als 1.000 Gäste gezählt! Die am 24. Februar 2015 in Teheran in Beisein des Deutschen Botschafters Michael Freiherr von Ungern-Sternberg eröffnete Ausstellung zeigt rund 90 Werke des im Juli 2014 im Alter von 86 Jahren verstorbenen ZERO-Mitbegründers. Die Ausstellung, die vom Künstler noch selbst konzipiert wurde, war für Piene eine Herzensangelegenheit. „Otto Piene hielt die Möglichkeit, in dieser seit Jahren eher abgeschlossenen iranischen Gesellschaft auszustellen, für eine große Chance“, sagte denn auch Joachim Jäger, Kurator der Schau und stellvertretender Direktor der Nationalgalerie Berlin. Der Direktor des Museums, Madschid Mollanorusi, sprach in seiner Eröffnungsrede davon, dass „diese Ausstellung als Brücke dem kulturellen Austausch zwischen dem Iran und Deutschland dienen“ kann.

Otto-Piene – TMOCA, Teheran 2015, Foto: Till Breckner

Die Besucher wurden gleich am Eingang des Museums mit einem Sky Event  empfangen: Zwei riesige, mit Helium gefüllte Plastik-Schläuche wölben sich dort als Regenbögen in den Himmel. Insgesamt werden über 90 Arbeiten präsentiert, darunter die eigens von Otto Piene für Teheran geschaffene „Lichtgeister“, die mit ihrer Farbigkeit auf die blau-grünlichen Mosaike der Imam-Moschee in Isfahan Bezug nehmen, späte Keramiken oder auch die suggestive Präsentation „Proliferation of the Sun“, die 2014 in der Berliner Nationalgalerie re-installiert wurde. Weitere Leihgaben aus Privatbesitz bzw. aus den Beständen unserer Galerie vervollständigen das Projekt.

Otto Piene: RAINBOW – Proliferation of the Sun. TMOCA, Teheran. Photo by Till Breckner

Der umfangreiche Katalog mit aktuellen Bildern aus der Ausstellung sowie mit Texten von Eshan Aghaei, Joachim Jäger und Raimund Stecker, einem Gespräch zwischen Hans Ulrich Obrist und Otto Piene sowie einer Synopse von Babette Werner erscheint demnächst. Die Ausstellung ist bis zum 25. Mai 2015 zu sehen.

Wir haben Ihnen auf unserer Webseite eine Fotostrecke zur Ausstellung und darüber hinaus verschiedene Artikel der Presse zusammengestellt.

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