Erwin Wurm Skulptur Düsseldorf – Ein bedeutendes Kunstwerk für den öffentlichen Raum Am 5. November 2026 wurde auf dem Gustaf-Gründgens-Platz in Düsseldorf ein neues Kapitel der Kunst im öffentlichen Raum aufgeschlagen.

Die monumentale Skulptur GATE des österreichischen Künstlers Erwin Wurm wurde im Beisein des Künstlers und des Düsseldorfer Oberbürgermeisters Dr. Stephan Keller feierlich enthüllt. Mit der Schenkung des Werkes an die Landeshauptstadt erhält Düsseldorf eine außergewöhnliche künstlerische Bereicherung, die künftig dauerhaft das Stadtbild prägen wird.

Rund vier Meter hoch erhebt sich die Skulptur vor dem Düsseldorfer Schauspielhaus. Ihre ungewöhnliche Erscheinung zieht unmittelbar die Aufmerksamkeit auf sich. Was zunächst wie ein monumentales Tor wirkt, entpuppt sich bei näherer Betrachtung als eine überraschende Verbindung von menschlichem Körper und architektonischer Form. Erwin Wurm gelingt es, zwei scheinbar unterschiedliche Gestaltungselemente zu einer irritierenden und zugleich faszinierenden plastischen Einheit zusammenzuführen.

GATE – Zwischen menschlichem Körper und Architektur

Die 2021 entstandene Skulptur gehört zur Werkserie Skins, in der sich Erwin Wurm intensiv mit der menschlichen Gestalt, ihrer äußeren Erscheinung und ihrer Beziehung zum Raum auseinandersetzt. Für GATE diente ein Abguss des Körpers des Schauspielers Lars Eidinger als Grundlage. Ausgehend von dieser körperlichen Vorlage entwickelte Wurm eine außergewöhnliche Form, in der der menschliche Torso zu einem architektonisch anmutenden Durchgang transformiert wird. Arme und Beine wirken verdreht, die vertrauten Proportionen werden aufgelöst. Die entstehende Form bewegt sich zwischen Abstraktion und Figuration, zwischen körperlicher Präsenz und scheinbarer Auflösung. Trotz ihrer monumentalen Dimension besitzt die Skulptur eine überraschende Fragilität.

Erwin Wurm – Ein Künstler, der die Grenzen der Skulptur erweitert

Erwin Wurm, 1954 im österreichischen Bruck an der Mur geboren, zählt zu den international bedeutendsten Vertretern der zeitgenössischen Bildhauerei. Seit den 1980er-Jahren hinterfragt er auf ebenso humorvolle wie tiefgründige Weise die traditionellen Vorstellungen von Skulptur und plastischer Gestaltung. Alltagsgegenstände, Architektur und menschliche Körper werden verfremdet, überdehnt oder in unerwartete Zusammenhänge gebracht. Das scheinbar Gewöhnliche erhält dadurch eine neue Bedeutung.

Internationale Bekanntheit erlangte Wurm mit seinen One Minute Sculptures. In diesen Arbeiten werden Menschen durch einfache Handlungsanweisungen selbst zu Akteuren des Kunstwerkes. Körper, Bewegung und Zeit werden dabei zu wesentlichen Elementen seiner künstlerischen Sprache.

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Stephan Balkenhol Skulptureneditionen – Literarische und mythologische Figuren in der unverwechselbaren Bildsprache von Stephan Balkenhol

Mit drei außergewöhnlichen Bronzeskulpturen widmet sich Stephan Balkenhol 2026 einigen der faszinierendsten Figuren der europäischen Literatur- und Kulturgeschichte. Hamlet, Eurydike und Parzival stehen für unterschiedliche menschliche Erfahrungen und existenzielle Fragen: Zweifel und Verantwortung, Liebe und Verlust sowie die Suche nach Erkenntnis und innerer Orientierung. In seiner charakteristischen Bildsprache überführt der international renommierte Bildhauer diese überlieferten Gestalten in eine zeitgenössische plastische Form.

Balkenhol Bronze Hamlet – Zwischen Zweifel und Verantwortung
Hamlet, die zentrale Figur aus William Shakespeares gleichnamiger Tragödie, gehört zu den bekanntesten Charakteren der Weltliteratur. Der dänische Prinz steht für die Auseinandersetzung mit Wahrheit, Gewissen und Verantwortung. Sein Zweifel ist dabei nicht Ausdruck von Schwäche, sondern Ausgangspunkt einer tiefgreifenden Reflexion über menschliches Handeln.

Balkenhol Skulptur Eurydike – Liebe, Erinnerung und Verlust
Eurydike gehört zu den bewegenden Gestalten der griechischen Mythologie. Ihre Geschichte ist untrennbar mit Orpheus verbunden, der sich aus Liebe zu ihr auf den Weg in die Unterwelt begibt, um sie zurück ins Leben zu führen. Der Mythos erzählt von der Macht der Liebe, von Hoffnung und von der Unumkehrbarkeit des Verlustes. Eurydike wird zu einem Sinnbild menschlicher Verletzlichkeit und emotionaler Verbundenheit.

Stephan Balkenhol Skulptur Parzival – Die Suche nach Erkenntnis
Mit Parzival greift Stephan Balkenhol eine der bedeutendsten Figuren der mittelalterlichen Literatur auf. Bekannt geworden durch Wolfram von Eschenbachs gleichnamiges Versepos, verkörpert Parzival den Menschen auf der Suche nach Erkenntnis, Orientierung und innerer Reife. Parzival wird zum Sinnbild menschlicher Entwicklung und der Suche nach einer eigenen Haltung gegenüber der Welt.

Die charakteristische Bildsprache in den Figuren von Stephan Balkenhol

Stephan Balkenhol zählt zu den prägenden Vertretern der zeitgenössischen figurativen Bildhauerei. Seit Jahrzehnten beschäftigt er sich mit der Darstellung des Menschen und entwickelt dabei eine unverwechselbare künstlerische Handschrift.

Typisch für seine Arbeiten ist die Verbindung einer bewusst reduzierten Formensprache mit einer zurückhaltenden, zugleich ausdrucksstarken Farbigkeit. Balkenhols Skulpturen lassen viel Raum für eigene Assoziationen und Interpretationen. Auch in den drei Bronze-Skulpturen Hamlet, Eurydike und Parzival zeigt sich diese künstlerische Haltung.
Die Figuren werden nicht zu bloßen Illustrationen literarischer oder mythologischer Vorlagen, ihre Bedeutung entsteht aus dem Zusammenspiel von überliefertem Motiv, plastischer Gestaltung und individueller Wahrnehmung.

Die drei Skulpturen entstanden 2026 als eigenständige Bronzeedition und wurden im Zusammenhang mit dem Kunstprojekt „Là ci darem la mano“ von Stephan Balkenhol in Salzburg präsentiert. Die kleinformatigen Bronzen ergänzen die monumentalen Opernfiguren des Künstlers und verbinden unterschiedliche Bereiche seines bildhauerischen Schaffens.

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Pegasus Skulptur Markus Lüpertz 2026 – Eine außergewöhnliche Verbindung von Mythologie, Kunstgeschichte und zeitgenössischer Bildhauerei

Mit der Pegasus-Skulpturenedition 2026 präsentiert Markus Lüpertz eine eindrucksvolle Interpretation einer der bekanntesten mythologischen Gestalten der europäischen Kulturgeschichte. Der geflügelte Hengst Pegasus steht seit der Antike für Inspiration, Freiheit und die schöpferische Kraft der Kunst. In seiner unverwechselbaren Formensprache verwandelt Markus Lüpertz dieses traditionsreiche Motiv in eine eigenständige Bronzeskulptur von außergewöhnlicher Ausdruckskraft.

Eine Hommage an Leonardo da Vinci

Die künstlerische Idee nimmt Bezug auf Leonardo da Vincis berühmtes Projekt des monumentalen Pferdedenkmals für die Mailänder Herrscherfamilie Sforza. Mit seinem sogenannten Gran Cavallo verfolgte Leonardo im späten 15. Jahrhundert die Vision, ein außergewöhnliches Reiterstandbild zu schaffen. Obwohl das monumentale Vorhaben seinerzeit nicht vollendet werden konnte, gehört es bis heute zu den faszinierendsten Kapiteln der Kunstgeschichte.

Die Pegasus-Bronzeedition 2026

Die 2026 entstandene Skulpturenedition zeichnet sich durch unterschiedliche Farbgestaltungen aus, die dem mythologischen Motiv jeweils eine eigene Charakteristik verleihen.

Die zwölf arabisch nummerierten Exemplare verfügen über blau gefasste Flügel. Die acht römisch nummerierten Exemplare sind hingegen vollständig in Gold ausgeführt. Ergänzt wird die Edition durch zwei Künstlerexemplare.

Während das Blau der Flügel die Vorstellung von Himmel, Bewegung und Freiheit aufgreift, verleiht die vollständige Goldfassung dem Pegasus eine besonders repräsentative und nahezu ikonische Erscheinung. Beide Ausführungen setzen unterschiedliche Akzente innerhalb derselben künstlerischen Konzeption. Mit ihren Maßen von circa 68 × 40 × 25 cm besitzt die Bronzeskulptur eine eindrucksvolle räumliche Präsenz.

Hier können Sie die Skulptur direkt bestellen.

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Jörg Immendorff Galerie Breckner – Ausstellung bis 27. Oktober. Begleitend zu der umfassenden Retrospektive von Jörg Immendorff im Museum Kunstpalast Düsseldorf freuen wir uns, Ihnen parallel dazu, das grafische Werk des Künstlers präsentieren zu dürfen.

Immendorffs Grafik ist untrennbar mit seinem Gesamtwerk verknüpft, in ihr stellt der Künstler sein persönliches bildnerisches Vokabular in verschiedenen Formaten und Techniken auf die Probe.
Dabei wird deutlich, dass die Arbeiten auf Papier den Gemälden auf Leinwand im künstlerischen Ausdruck und narrativer Kraft ebenbürtig sind.

Wir freuen uns darauf, Sie bei uns in der Ausstellung begrüßen zu dürfen.

Jörg Immendorff Galerie Breckner
Ausstellung vom 25.09. – 27.10.2026

Öffnungszeiten: Mo. – Fr. 9-13, 14-18 Uhr
und nach Vereinbarung

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Katharina Sieverding Schloss Moyland – Als Bühnenbildnerin ausgebildet, verlor Katharina Sieverding schon früh jede Angst vor dem großen Format, als Studentin von Joseph Beuys übte sie sich darin, ihre schöpferische Energie konsequent für politische Belange einzusetzen. Und als Fotografin reizte sie gekonnt die vielfältigen technischen Möglichkeiten des Mediums aus.

Katharina Sieverding
Schichtseite nach unten VIII 1971/2007, 2007
Farbfotografie
© VG Bild-Kunst, Bonn 2026
Foto: Klaus Mettig
© VG Bild-Kunst, Bonn 2026

Die Ausstellung im Museum Moyland erweitert nun die öffentliche Wahrnehmung des Werks der Künstlerin um weitere Facetten. Ein Aspekt als Gegenüberstellung von Beuys und Sieverding konzipierten Ausstellung ist es, die politischen und gesellschaftlichen Themen der beiden Künstlerpersönlichkeiten während der 1970er Jahre an der Düsseldorfer Kunstakademie zu erkunden. Anhand von Zeichnungen und Fotos wird dokumentiert, inwieweit sich Beuys und Sieverding ihres gewählten Images bedienen, um ihre Selbstinszenierung über Kleidung zu vermitteln und somit einen ikonischen Status als Künstler und Künstlerin zu erreichen.

In der neuesten Filmarbeit „Eigenbewegung“ von Katharina Sieverding versammelt die Künstlerin aus der gleichnamigen 233-teiligen Fotoarbeit von 1969 alle wesentlichen prägenden Wegbegleiter jener Jahre an der Düsseldorfer Kunstakademie wie Joseph Beuys, Imi Knoebel, Blinky Palermo und Jörg Immendorff.
Sieverdings Kunst bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Individuum und Gesellschaft, dabei nutzt die Künstlerin häufig das Prinzip der Montage, um Transformationsprozesse anzuregen. Sie appelliert an die Verantwortung des Einzelnen im Kontext des Politischen. Medienbilder, wissenschaftliche Aufnahmen und allen voran Selbstporträts nutzt die Künstlerin für ihre vielschichtigen Serien, die stets das aktuelle Zeitgeschehen kommentieren und Fragestellungen nach sich ziehen. Eindeutig sind ihre Arbeiten nicht, sie oszillieren zwischen dem Dargestellten und Imaginierten, zwischen Betrachtung und Partizipation. Als eine der herausragenden weltweit erfolgreichen Künstlerinnen hat Katharina Sieverding schon früh die Macht der Bilder und ihrer Selbstportraits für ihre Arbeit erkannt und auf neuem Terrain der Fotografie weiterentwickelt. Die Ideen des Gesamtkunstwerks und die monumentale Serialität sind nur zwei Aspekte im Werk einer Künstlerin, die über Dekaden hinweg „cool“ und relevant geblieben ist. Nach ihrer Überzeugung ist „Fotografie keine Dokumentation, keine Erinnerung, keine Geschichte.“ Damit positioniert sich Katharina Sieverding gegen die vermeintliche Oberflächlichkeit des Mediums Fotografie, die sie in ihren Arbeiten historisch, politisch und persönlich auf eine neue Bedeutungsebene erhebt.

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Ai Weiwei Bode Museum – Im Frühjahr 2027 begegnen sich zwei historische und zeitgenössische Kunstwelten: die jahrhundertealte Sammlung und Architektur des Berliner Bode-Museums und die gesellschaftlich und politisch geprägte Kunst von Ai Weiwei.

Auf der Museumsinsel wird der international renommierte Künstler kurz vor seinem 70. Geburtstag 2027 eine Ausstellung mit circa 100 ausgewählten Positionen entwickeln, die sich unmittelbar mit den Sammlungen, der Geschichte und den Räumen des Hauses auseinandersetzen und zugleich die universellen Fragen von Kultur, Identität und Zugehörigkeit verhandeln wird.
Ai Weiwei zählt zu den einflussreichsten Künstlern der internationalen Gegenwartskunst. Sein vielseitiges Schaffen umfasst Skulptur, Installation, Fotografie, Film und Architektur. Häufig verbindet er traditionelle Materialien und historische Formen mit aktuellen gesellschaftlichen Fragestellungen. Dabei interessiert ihn nicht nur das einzelne Kunstwerk, sondern ebenso dessen politischer, sozialer und kultureller Kontext.

Ai Weiweis formuliert in seiner Kunst Überzeugungen in Bezug auf Redefreiheit und demokratische Werte und zeigt seine aktivistische Motivation, vorherrschende politische Verhältnisse scharf zu kritisieren. Als Künstler positioniert er sich unermüdlich gegen autoritäre Systeme, die Freiheit und Menschlichkeit einschränken und Menschen brutal unterdrücken. Dabei wählt Ai Weiwei eine herausragende poetische Bildsprache, die universell verständlich ist und berührt. Ai Weiwei, der nunmehr seit drei Dekaden seine künstlerische Sichtweise und auf beeindruckende Weise in die Welt trägt, hat dafür eine Reihe von Strategien entwickelt, die radikal und mutig sind.

In seiner künstlerischen Laufbahn hat Ai Weiwei die Eindrücke von Konzeptkunst und Pop Art für seine Arbeitsweise fruchtbar gemacht, die auf eine kritische Betrachtung von Kulturgeschichte und globalen gesellschaftlichen Entwicklungen zielt.

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Günther Uecker Zwischen den Elementen: Die Ausstellung in der Landesbibliothek Mecklenburg-Vorpommern in Schwerin widmet sich den elementaren Kräften der Natur: Feuer, Wasser, Erde und Luft.

© LBMV GU

Ueckers Verhältnis zur Natur ist eng mit seiner Biografie verbunden. Die Landschaft um Wustrow wurde zu einem prägenden Ort, an den der Künstler immer wieder zurückkehrte.
Bereits in seinen frühen Aktionen definierte Uecker den Kunstbegriff um , in dem er darin der menschlichen Erfahrung und kreativen Handlungen einen wesentlichen Platz einräumte.

Im Laufe seines Schaffens gewinnt die Auseinandersetzung mit der Natur zunehmend an gesellschaftlicher und existentieller Bedeutung. Die Erfahrung von Umweltzerstörung und insbesondere die Katastrophe von Tschernobyl finden ihren Niederschlag in den sogenannten Aschebildern. Natur erscheint hier nicht mehr als unerschöpflicher Lebensraum, sondern als verletzliches System, dessen Zerstörung unmittelbar mit der Existenz des Menschen verbunden ist.

Die Ausstellung in Schwerin verbindet diese unterschiedlichen Facetten und macht zugleich die besondere Beziehung Ueckers zu Mecklenburg sichtbar. Von den Landschaften seiner Kindheit führte sein künstlerischer Weg zu den Küsten Flanderns, in die Wüsten Arizonas und Libyens, nach Island und an zahlreiche weitere Orte, an denen er den elementaren Kräften der Natur begegnete.
„Zwischen den Elementen“ zeigt damit nicht nur einen wichtigen Ausschnitt aus dem Werk eines der bedeutendsten deutschen Künstler der Nachkriegszeit. Die Ausstellung verdeutlicht vielmehr, wie konsequent Uecker die Grenzen zwischen Kunst und Leben, Mensch und Natur sowie Vergänglichkeit und Dauer nicht nur hinterfragt, sondern neu gesetzt hat.

Günther Uecker Zwischen den Elementen
Ausstellung vom 31.08. bis zum 06.10.2026

Landesbibliothek Mecklenburg-Vorpommern Günther Uecker
Johannes-Stelling-Str. 29
19053 Schwerin
Telefon: 0385-588 79 220
E-Mail: lb@lakd-mv.de 

Öffnungszeiten: Mo.- Mi.: 13-19 Uhr, Fr. 9-13 uhr

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Jörg Immendorff Kunstpalast Düsseldorf – Ausstellung vom 25. September 2026 bis 10. Januar 2027. Jörg Immendorff (geboren 1945 in Bleckede, gestorben 2007 in Düsseldorf) gehört weltweit zu den prägenden Künstlerpersönlichkeiten der deutschen Nachkriegskunst. Politisch engagiert, gesellschaftlich kontrovers und stets auf der Suche nach neuen kreativen Ausdrucksformen, entwickelte der Maler ein vielschichtiges Œuvre, das bis heute nachhallt. Immendorff, ausgebildeter Bühnenbildner und Kunsterzieher, hat eine wiederkehrende Ikonographie aus Affe, Biene, Adler, Stern, Pinsel und Kartoffel erschaffen, auch sein eigenes Porträt taucht in diesem Kosmos der persönlichen Symbole immer wieder auf.

Der Kunstpalast Düsseldorf widmet dem bedeutenden Künstler, dessen Leben und Werk eng mit der Stadt verbunden sind, nun eine umfassende und mit Spannung erwartete Retrospektive. Zu sehen sind rund 20 Jahre nach Immendorffs Tod circa 120 Werke aus 5 Jahrzehnten, darunter großformatige Gemälde, Skulpturen sowie Zeichnungen und Archivmaterial.

Als Beuys Schüler und Kunstprofessor entwickelte Immendorff früh eine eigenständige künstlerische Haltung. Besonders eindringlich zeigt sich dies in der Werkgruppe „Café Deutschland“, die ab Ende der 1970er Jahre entstand. Vorausgegangen war Immendorffs Teilnahme an der Biennale von Venedig im Jahr 1976, die seinen endgültigen internationalen Durchbruch bedeutete. Für Aufruhr sorgte Immendorff damals mit einer politischen Flugblattaktion, in der er für internationalen Künstleraustausch und gegen das antidemokratische System in der DDR protestierte.

Das imaginäre Café wird zur Bühne eines geteilten Landes: Figuren aus Ost und West, Politiker wie Erich Honecker und Helmut Schmidt, Künstler wie Joseph Beuys und A.R. Penck treffen darin neben vielen anderen historischen Persönlichkeiten aufeinander. Realität und Fiktion, persönliche Erinnerung und deutsche Geschichte verbinden sich zu einer komplexen, theatralischen Bildwelt, in der die Akteure miteinander im Dialog sind.

Die Retrospektive im Kunstpalast Düsseldorf betrachtet das Werk Immendorffs mit zeitlichem Abstand neu. Die Arbeiten zeigen, dass zentrale Fragen und präzise Beobachtungen des Künstlers – nach gesellschaftlicher Verantwortung, deutscher Identität, Macht und der Rolle der Kunst – keineswegs abgeschlossen sind. Zwischen Politik und Poesie, persönlicher Erfahrung, verbunden mit Kontroversen und Skandalen, und gesellschaftlicher Wirklichkeit entstand ein Werk von außergewöhnlicher Dichte und Eigenständigkeit, das aktueller denn je ist. Oder wie Jörg Immendorff es in einem Interview selbst formulierte: “Kapieren Sie es endlich, Kunst bedeutet Menschwerdung, weiter nix!“

Jörg Immendorff Kunstpalast Düsseldorf
Ausstellung vom 25.09.2026 bis zum 10.01.2027

Museum Kunstpalast, Ehrenhof 4-5
40479 Düsseldorf

Öffnungszeiten: Di. – So.: 11:00 – 18:00 , Do: 11:00 – 21:00
Mo: geschlossen

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Heinz Mack St. Matthäus- Mit „Spectrum Mundi“ widmete sich Heinz Mack einem der elementarsten Themen seines jahrzehntelangen Schaffens: dem Zusammenspiel von Licht und Farbe. In der Kunstkirche St. Matthäus am Berliner Kulturforum präsentierte der Künstler eine Folge von 24 neuen Gemälden, die den Verlauf eines Tages in farbigen Transformationen nachzeichneten – vom ersten hellen Licht des Morgens bis zu den tiefen Tönen der Nacht.

Heinz Mack, Spectrum Mundi, Ausstellungsansicht St. Matthäus-Kirche © VG Bild-Kunst, Bonn 2026; Foto: © Leo Seidel

Die 2025 und 2026 entstandenen Arbeiten wurden im weiß gehaltenen Kirchenraum platziert und traten in einen unmittelbaren Dialog mit dessen Architektur. Jedes Gemälde der Werkreihe steht für eine andere Tagesstunde und entwickelt aus Farbe, Licht, Struktur und Rhythmus eine eigene Atmosphäre. Die Farbe selbst als Resonanzraum wird zum Gegenstand der Betrachtung.
Diese neueren Arbeiten zeigen, dass das Werk von Heinz Mack nach wie vor eine unendliche Vielzahl an Möglichkeiten bereithält, Licht, Vibration und Resonanz zu interpretieren.

Der Künstler erzeugt in diesen Farb- und Lichtexperimenten eine sinnliche Gegenwart, in der Abstraktion und Rhythmus in perfekter Harmonie ausbalanciert sind. Die Bilder vibrieren in ihren unendlichen Farbvariationen und vermitteln dabei eine spirituelle Aura. Es ist die Verbindung von Kunst, Poesie und Natur im Zusammenspiel mit physikalischen Phänomenen, die sich durch Heinz Macks Werk zieht. Daraus entsteht eine unverkennbare Bildsprache des Künstlers, die eine besondere ästhetische Kraft entfaltet

Ausstellung noch bis zum 13. September

Heinz Mack fächert in „Spectrum Mundi“ das gesamte Farbspektrum auf und vermittelt dabei eine harmonische Dynamik und sinnliche Gegenwart, da die Farben der Arbeiten unmerklich und nuancenreich ineinander übergehen. Es ist, als würden die Werke von innen heraus leuchten und schweben, sie sind somit in der Lage, die Erfahrung des Betrachters von bloßer Anschauung hin zu einem geistigen Erleben zu überführen.

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Markus Lüpertz Naumburg – Einweihung von zwei Kirchenfenster. „Wenn ich in einer Kirche tätig bin und Glasmalerei schaffe, dann weiß ich, dass dies ein Werk für die Ewigkeit ist. Ein Gemälde in einem Museum oder einer Galerie kann jederzeit abgehängt werden – zwei Chorfenster von fast elf Metern Höhe bleiben.“ Kaum ein Satz beschreibt das Selbstverständnis von Markus Lüpertz treffender. Seine neuen Glasfenster im Ostchor des Naumburger Doms sind weit mehr als ein weiterer Werkzyklus eines der bedeutendsten deutschen Gegenwartskünstler. Sie sind eine Auseinandersetzung mit Zeit, Glauben und der Kraft des Lichts.

Innerhalb eines Jahres entstanden zwei monumentale Fenster, die sich einem der ältesten Themen der Menschheitsgeschichte widmen: Verdammnis und Erlösung. Das nach Norden ausgerichtete Fenster erzählt von Untergang und Gericht, das südliche von Hoffnung und Erlösung. Ergänzt wird das Ensemble durch ein kleineres Fenster mit dem Erzengel Michael – jenem himmlischen Kämpfer zwischen den Welten.

Markus Lüpertz greift dabei Motive auf, die seit Jahrhunderten die europäische Kunstgeschichte prägen. Man denkt an Hieronymus Bosch, an Peter Paul Rubens oder Lucas Cranach. Doch seine Bildsprache bleibt unverkennbar gegenwärtig. Im Fenster der Verdammnis jagen die apokalyptischen Reiter mit eruptiver Wucht durch den Raum. Krieg erscheint als Soldat in moderner Uniform, das Schwert bereits erhoben. Hunger reitet auf dem schwarzen Pferd mit der Waage als Sinnbild des Mangels, während der Tod als Skelett im leuchtend roten Mantel das Zentrum der Komposition beherrscht. Lüpertz erzählt nicht naturalistisch, sondern mit der expressiven Kraft seiner charakteristischen Formensprache: Figuren werden gedehnt, verdreht und rhythmisiert. Farbe wird zum Träger existenzieller Erfahrung.

Ganz anders wirkt das Fenster der Erlösung. Es erschließt sich nicht auf den ersten Blick. Erst das wechselnde Tageslicht setzt die Komposition in Bewegung. Während die grauen Gestalten der Unerlösten im unteren Bereich verharren, öffnen sich darüber lichte Farbwelten aus Blau, Grün und Gold. Die Geretteten steigen dem Licht entgegen. Hoch über ihnen erscheint das langgezogene Antlitz Christi; darunter verweisen seine ausgebreiteten Arme mit den Wundmalen auf das zentrale Versprechen des christlichen Glaubens. Das Fenster verändert sich mit jeder Stunde des Tages und macht das Licht selbst zum eigentlichen Mitgestalter des Kunstwerks.

Dass diese Wirkung entsteht, ist nicht allein Lüpertz‘ Entwurf zu verdanken. Entscheidend ist ebenso die außergewöhnliche Präzision der Glasmalereiwerkstatt Derix, die die komplexen Entwürfe des Künstlers mit beeindruckender handwerklicher Meisterschaft in Glas übersetzt. Hier verschmelzen künstlerische Vision und jahrhundertealte Handwerkskunst zu einer Einheit.

©VG Bild-Kunst, Markus Lüpertz 2026, Foto: Giulio Coscia, Mönchengladbach

Die neuen Fenster stehen zugleich in einer langen Reihe sakraler Arbeiten des Künstlers. Markus Lüpertz versteht seine Beschäftigung mit religiösen Themen nicht als Ausflug, sondern als kontinuierlichen Teil seines Schaffens. Schon als junger Mann verbrachte er Zeit im Kloster Maria Laach, später entstanden Glasfenster für St. Andreas in Köln, die Elisabethkirche in Bamberg, das Reformationsfenster der Marktkirche Hannover, die Rosette von St. Ulrich in Regensburg und zahlreiche weitere Arbeiten. Immer wieder sucht Lüpertz den Dialog zwischen zeitgenössischer Kunst und sakralem Raum.

Damit steht er keineswegs allein. Kirchen gehören heute zu den wenigen Orten, an denen Gegenwartskunst eine unmittelbare Begegnung mit Geschichte und Spiritualität eingehen kann. Künstler wie Marc Chagall, Gerhard Richter, Imi Knoebel, Neo Rauch, Sean Scully oder zuletzt Olafur Eliasson haben gezeigt, dass sakrale Architektur weit mehr ist als historische Kulisse. Sie ist Resonanzraum für die großen Fragen menschlicher Existenz.

Gerade im Naumburger Dom entfaltet dieser Dialog eine besondere Intensität. Das UNESCO-Weltkulturerbe zählt zu den bedeutendsten Bauwerken der Spätromanik und beherbergt mit den berühmten Stifterfiguren um die Uta von Naumburg Ikonen europäischer Bildhauerkunst. Dass nun Glasfenster des 21. Jahrhunderts neben mittelalterlichen Verglasungen ihren Platz finden, ist mehr als eine Ergänzung des Bestands. Es ist ein bewusstes Bekenntnis dazu, dass ein Dom kein abgeschlossenes Museum ist, sondern ein lebendiger Ort, an dem jede Generation ihre eigene Bildsprache entwickeln darf.

In diesem Sinne erzählen die Fenster nicht nur von Verdammnis und Erlösung. Sie sprechen von der bleibenden Kraft der Kunst selbst. Glas verwandelt Licht in Farbe, Farbe wird zu Erzählung, Erzählung zu Erfahrung. Wer den Ostchor des Naumburger Doms betritt, begegnet nicht allein zwei neuen Kunstwerken. Er erlebt, wie sich Vergangenheit und Gegenwart im Licht begegnen – und wie ein Künstler seinen Anspruch auf Ewigkeit in Glas eingeschrieben hat.

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Der Beitrag Licht, Farbe, Ewigkeit – Markus Lüpertz im Naumburger Dom erschien zuerst auf Kunstverlag Till Breckner - Günther Uecker, Heinz Mack, Otto Piene, ....