Eine aus 200 000 Satellitenaufnahmen animierte Medieninstallation zeigt das, was das bloße menschliche Auge nicht sieht: die Oberfläche der Sonne. Katharina Sieverding nahm hochaufgelöste 4k-Fotografien der NASA und schuf daraus zwei Filmloops in leuchtendem, ja glühendem Rot und Blau. Diese heliozentrischen Filmbilder liegen den beiden quadratischen Prints zugrunde. Den Titel „Die Sonne um Mitternacht schauen“ verwendet die Düsseldorferin seit den Sechzigerjahren immer wieder für maßgebliche Werkblöcke, so gab sie etwa einer Reihe paradigmatischer Selbstporträts mit goldenem Gesicht aus dem Jahr 1973 ebenfalls diesen Namen.

Sieverding ist eine der einflussreichsten Künstlerinnen unserer Zeit, ihre Werke sind in den Sammlungen der großen Moderne-Museen von New York bis Paris vertreten, mehrfach nahm sie an der documenta und der Venedig-Biennale teil, im Juli wurde ihr in Berlin der Käthe-Kollwitz-Preis verliehen. In ihrem zentralen Medium, der Fotografie, hat sich die heute 72-Jährige früh an das Großformat gewagt und die Grenzen der fotografischen Bildgebung ausgelotet. Als Frau im Kunstbetrieb war sie damit lange eine Ausnahmeerscheinung. Doch dem »Differenzfeminismus«, der auf das Anderssein des Weiblichen besteht, stellte sie die Durchlässigkeit männlicher wie weiblicher Anteile in jedem von uns entgegen – auch darin ihrer Zeit voraus. Thematisch nimmt sie seit je das große Ganze in den Blick: Politik und deutsche Geschichte, Geschlechteridentität und die Macht der Bilder im digitalen Zeitalter.

Katharina Sieverding
DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (RED)

2017
Fotografie
Archival Print
auf Brilliant Museum Satin Matte White 300g
50 Exemplare
80 cm x 80 cm

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Katharina Sieverding
DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (BLUE)

2017
Fotografie
Archival Print
auf Brilliant Museum Satin Matte White 300g
50 Exemplare
80 cm x 80 cm

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Der Beitrag Katharina Sieverding – DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA, 2017 erschien zuerst auf Kunstverlag Till Breckner - Günther Uecker, Heinz Mack, Otto Piene, ....

Düsseldorf-Pempelfort, 26. Februar 2018. In ihrem Showroom, der sich unweit von ihrem Studio in einem klassischen Backsteinbau befindet, bin ich heute mit Katharina Sieverding verabredet. Das Gebäude dient sowohl als Depot und Präsentationsfläche ihrer Arbeiten wie auch als Treffpunkt für ihre Öffentlichkeitsarbeit. Wir betreten gemeinsam den Eingangsbereich, schlängeln uns vorsichtig an den an der Wand lehnenden Arbeiten vorbei und befinden uns zunächst im wunderschön gestalteten Treppenhaus. Bereits hier sind einzelne ihrer berühmten Selbstportraits zu sehen. Der Showroom selbst verkörpert dann das, was Katharina Sieverding mit Raumkunst umschreibt. Die gigantischen Großformate entfachen eine Wirkung wie cineastische Leinwände und saugen den Betrachter geradezu in sich hinein. Auch der für das Kino typische Subtitle ist hier präsent, jedoch nicht unter, sondern mitten auf der Bildfläche.

Die vollständige Magie umwehen schließlich im Nebenraum die Monumentalprints der Arbeit „DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN“, 2010 – 2017, die üblicherweise als 5m x 5m Projektionen präsentiert werden. Die Motive der einmal in strahlendem Blau und einmal in strahlendem Rot animierten, rotierenden Sonne haben etwas von Filmpostern eines Science-Fiction-Films.

Bild 1_Installationsansicht: ARTE Y CAPITAL_Fototeca de Cuba_La Habana, Cuba_November 2017_Links: GLOBAL DESIRE II, 2017_Digitaldruck auf Vliesrückenpapier_252 x 356 cm_Rechts: LOOKING AT THE SUN AT MIDNIGHT SDO/NASA (BLUE), 2011_Digitaldruck auf Vliesrückenpapier_ 252 x 356 cm_© Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst Bonn 2018_Foto : © Klaus Mettig, VG Bild-Kunst Bonn 2018_Bild 2_Installationsansicht: ARTE Y CAPITAL_Fototeca de Cuba_La Habana, Cuba_November 2017_Links: LOOKING AT THE SUN AT MIDNIGHT SDO/NASA (RED), 2011_digital print on fleece-backed paper_252 x 356 cm_Rechts: KONTINENTALKERN VI, 1987_digital print on fleece-backed paper_252 x 356 cm_© Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst Bonn 2018_Foto : © Klaus Mettig, VG Bild-Kunst Bonn 2018

Das Spektrum der Themenfelder, in dem sich die Arbeiten von Katharina Sieverding bewegen, scheint endlos. Ebenso die Auseinandersetzung mit dem, was mit dem Medium der Fotografie möglich ist. Ihre jüngste internationale Einzelausstellung führte sie nach Kuba, wo anlässlich des NOVIEMBRE FOTOGRÁFICO 2017 in der Fototeca de Cuba in Havanna ein Überblick ihrer seriellen Fotoarbeiten von 1980 bis heute präsentiert wurde. Versorgt mit heißem Tee beginnen wir unser Gespräch und setzen thematisch dort an.

Katharina Sieverding im Gespräch mit Elke Backes, Foto: Nick Wagner

Das Programm des Fotofestivals umfasste einen längeren Zeitraum, so dass Sie mehrere Wochen auf Kuba waren. Sind Sie während eines solchen Aufenthalts mit der Kamera unterwegs und entwickeln Ideen für neue Arbeiten?

Sieverding: „Eine Kamera habe ich immer dabei. Ob und was sich aus dem Fotomaterial dann entwickelt, zeigt sich meistens erst später. Grundsätzlich schafft mir ein längerer Aufenthalt im Rahmen einer Ausstellung die besten Arbeitsbedingungen. Hierbei schätze ich vor allem die Gespräche mit einheimischen Künstlern. Indem sie von ihren eigenen Situationen erzählen, erfahre ich vieles über die politischen und kulturellen Bedingungen hinter den Kulissen.“

Haben Sie schon eine konkrete Idee, was aus dem Fundus der Kuba-Bilder entstehen könnte?

Sieverding: „Ja. Die Idee steht im Zusammenhang der Manifesta 12 Palermo, zu der ich als Teilnehmerin eingeladen bin. Palermo ist als Kulturhauptstadt 2018 der diesjährige Gastgeber. Mit dieser Einladung wurden mir erstaunliche Parallelen zwischen den Städten Havanna und Palermo bewusst. Beispielsweise sind beide durch den Verfall der historischen Altstädte geprägt und durch Korruptions- und Flüchtlingsprobleme belastet. Solcherart Kontexte, die ich noch intensiver recherchieren werde, möchte ich über die Montage- und Multilayerprozesse von Bildern zum Ausdruck bringen. Ähnlich der Beispiele aus GLOBAL DESIRE.“

GLOBAL DESIRE I, 2017_Farbfotografie, Acryl, Stahlrahmen_260 x 375 cm_© Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst Bonn 2018_Foto : © Klaus Mettig, VG Bild-Kunst Bonn 2018

Die permanente Auseinandersetzung mit dem, was auf nationaler wie globaler Ebene ökonomisch und kulturell passiert, begleitet Ihr gesamtes Werkschaffen. Mit Ihren schonungslosen Statements riskieren Sie immer wieder aufs Neue, dass Sie auf Unverständnis stoßen. Können Sie gut damit umgehen?

Sieverding: „Manchmal finde ich es sogar gut, wenn eine Arbeit verrissen wird. Als Dauerzustand würde mir das natürlich nicht gefallen (lacht). Wie ausdauernder Widerstand ausgehalten werden kann, habe ich sehr früh in meiner Zeit am Theater kennengelernt [Katharina Sieverding studierte unter anderem von 1964 – 1967 Bühnenbild bei Teo Otto]. Die meist ungewöhnlich innovativen, daher zeitintensiven Inszenierungen überforderten häufig das klassische Abonnement-Publikum und riefen entsprechend heftigste Proteste hervor. Doch mit dem Bewusstsein, eine gute Performance geboten zu haben, ertrug man die fliegenden Eier, Tomaten – und ich weiß nicht, was noch alles flog … Die Zeit am Theater hat mich insgesamt sehr geprägt. On-Stage, Life-Size, Teamproduktion, das faszinierte und prägte mich und spiegelte sich dann auch als Voraussetzung in meinen Arbeiten.“

Vor allem in Ihren Selbstportraits, die neben den politischen Statements einen wichtigen Part in Ihrer künstlerischen Laufbahn einnehmen. Hier kam dann neben der Begeisterung für die Bühne auch die Begeisterung für das Close-up des Kinos hinzu?

TRANSFORMER, 1973/1974 Installatiosansicht: San Francisco Museum of Modern Art, 2008_analoge 8-Kanal-Diaprojektion_© Katharina Sieverding, VG Bild-Kunst Bonn 2018_Foto: © Ian Reeves

Sieverding: „Ja genau. Die Suggestion des Close-ups hatte für mich einen Wow-Effekt. Es war zum einen die grundsätzlich suggestive Kinoproduktion, die ich zum Experiment für die Formatfrage machte, und zum anderen die sehr starke Oberflächenästhetik, die mich zu der Frage herausgefordert hat, wie über diese Oberfläche etwas über das Innere des Menschen visualisiert werden kann. Und speziell diese Frage habe ich dann mittels unterschiedlichster Experimente von Selbstportraits zu beantworten gesucht.

In den 1970er Jahren ein durchaus gewagtes Experiment für eine weibliche Künstlerin.

Sieverding: „In der Tat. Künstlerinnen, vor allem diejenigen, die sich im Genre der Malerei bewegten, wurden wenig anerkannt. Das war die Domäne männlicher Genies. Dass ich dann mit großformatigen Selbstportraits, Fotografie, Film und Performance agiert und installiert habe, kam einer feministischen Strategie gleich. Deutlicher konnte ich das: ,die Künstlerin ist anwesend’ nicht zum Ausdruck bringen … geradezu eine Dekonstruktion des Genie-Begriffs.“

Sehen Sie sich selbst als Feministin?

Sieverding: „Der Differenzfeminismus mit seinem „hier ist der Mann, da ist die Frau“ hat mich nicht interessiert. Eine Emanzipation des Weiblichen konnte ich mir gegen oder ohne Männer gar nicht vorstellen. Unter Emanzipation verstehe ich, dass man kritisch mit sich selbst und seiner Umwelt umgehen und eine eigene Haltung entwickeln muss. Nur so können wir mit der komplexen Verantwortung für ein Menschenbild umgehen, die unsere besondere analog-digitale Zeitenwende mit sich bringt, beziehungsweise herausfordert.“

Könnte man entsprechend die Entwicklung Ihrer großen Themenfelder auf diese Aussage übertragen? Die Selbstportraits als Experimentierfeld auf der Suche nach der eigenen Identität und die politischen Arbeiten als Experimentierfeld, um die eigene Position innerhalb der globalen gesellschaftspolitischen Strukturen zu entwickeln?

Sieverding: „Das kann man durchaus. Es geht immer um die Reflexion von Subjektivität und Objektivität. So wie ich selbst haben sich natürlich auch meine Themenfelder verändert. Unverändert steht hierbei aber der kritische Umgang mit Bildern und Informationen im Mittelpunkt meiner Arbeit, der im Zeitalter der Digitalisierung wichtiger geworden ist denn je.“

„Ein solcher kritischer Umgang umfasst bei Ihnen neben der wissenschaftlichen Recherche zu Ihren jeweiligen Themen auch das buchstäbliche Zerlegen medial veröffentlichen Bild- und Textmaterials. Über das handwerkliche Auseinandernehmen überprüfen Sie die visuelle Oberfläche unter anderem nach Mustern von Instrumentalisierung und Manipulation, selektieren das Material und stellen es mittels unterschiedlichster Montagetechniken neu zusammen. Entsteht im Ergebnis eine Art neue These?“

Sieverding: „Ich nenne es lieber künstlerisches Statement, da meine Thesen im Gegensatz zur wissenschaftlichen Forschung nicht durch Theorien legitimiert werden müssen, was ein ungeheures Privileg dieses Berufes ist. Einer der wenigen professionellen Bedeutungsräume, in dem man sich markt-unabhängig entscheiden und künstlerisch artikulieren kann.“

Für manchen Wissenschaftler vermutlich eine beneidenswerte Vorstellung … Ihr allumfassendes Interesse schließt auch das Interesse an der Arbeit der nachfolgenden Künstlergeneration mit ein. Man trifft Sie häufig als Besucherin von Ausstellungseröffnungen, Sie engagieren sich in Fragen der Lehre und stellen sich unterschiedlichsten Themen auf Podiumsdiskussionen. Aus meiner Erfahrung ist es eher ungewöhnlich, wenn Künstler nicht nur ihre eigenen Ausstellungseröffnungen besuchen …

Sieverding: „Das wundert mich auch. Gerade hier am Standort der Staatlichen Düsseldorfer Kunstakademie interessieren mich doch selbstverständlich die Arbeiten der jungen Künstler und vor allem der Austausch mit ihnen. Das war auch stets ein wesentlicher Bestandteil meiner eigenen Lehre. Immer stand der Diskurs über die Arbeiten der Studenten im Mittelpunkt und nicht der über meine eigenen.“

[Katharina Sieverding lehrte u.a. in den 1970er Jahren in den USA und Kanada, 13 Jahre an der Internationalen Sommerakademie für bildende Künste in Salzburg, an der Academy of Fine Arts in Hangzhou (China), gehörte zum Universitätsrat der Akademie der bildenden Künste Wien und lehrte an der Graduiertenschule der Universität der Künste Berlin, wo sie ebenfalls von 1992 – 2010 den Lehrstuhl für Visual Culture gründete, im Teamteaching mit mit Sabeth Buchmann, Katja Diefenbach, Klaus Biesenbach, Frank Bartsch und Bodo Schlack.]

Stichwort Engagement in Düsseldorf. Sie nehmen teil an dem Projekt von Markus Ambach. Es hat den Titel ,Von fremden Ländern in eigenen Städten’ und ist ein Großprojekt im öffentlichen Raum. Was haben Sie hierfür geplant?“

Sieverding: „Das wird die größte Arbeit meiner bisherigen Laufbahn werden. Über eine Fläche von 200 Metern Länge und 4 Metern Höhe werde ich einen Image-Fries mit aneinandergereihten Statements für die Fassade der Alten Paketpost am Hauptbahnhof für voraussichtlich 1 Jahr gestalten, in der gerade das Schauspielhaus stationär untergebracht ist.“

Demnach eine künstlerische Auseinandersetzung mit einem brisanten kulturpolitischen Thema der Stadt Düsseldorf. Gönnt Ihr interdisziplinärer Forschergeist Ihnen auch schon mal eine kleine Pause?

„Ich bin eine Hochleistungsstudentin, 24 Stunden im Einsatz“, verrät Katharina Sieverding zum Abschluss lachend.

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Mit den mächtigen fotografischen Selbstporträts »Die Sonne um Mitternacht schauen III/196« eroberte Katharina Sieverding in den Siebzigern eine männliche Bastion – und inszenierte sich als Vorbotin einer neuen Zeit.

KATHARINA SIEVERDING, DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN I I I/196, 1973

So blicken eigentlich nur Halbgötter aus dem Totenreich zurück: mit ebenmäßigen, in Gold getauchten Zügen, die alles Menschliche in sich zu vereinen scheinen. In diesem Antlitz liegt gleich viel Männliches und Weibliches und dazu die ausdruckslose Güte eines Spiegels, der uns einen flüchtigen Blick in die nächste Welt gewährt. Es leuchtet auf uns herab wie eine milde Sonne, auf die man schauen kann, ohne das Augenlicht zu verlieren.

Als Katharina Sieverding 1973 ihr Gesicht wie die goldene Totenmaske des Pharaos Tutanchamun inszenierte, war sie vom altägyptischen Gottkönig so weit entfernt wie jeder andere Absolvent der Kunstakademie Düsseldorf. Aber die Selbstdarstellung als androgynes Mischwesen hatte Sieverding schon geübt. Während des Studiums arbeitete die 1944 in Prag geborene Künstlerin hinter dem Tresen einer Düsseldorfer Altstadtkneipe und trat beinahe jeden Abend in einer neuen, zwischen den Geschlechtern changierenden Kostümierung auf. »Irgendwann«, so Sieverding, »wurde ich von einem der Typen an der Bar gefragt, wie ich heiße, und ich sagte ›Karl‹.«

Aus ihrer Doppelexistenz als Karl und Katharina schuf Sieverding dann ein Schlüsselwerk der modernen Kunstgeschichte. Sie puderte ihr Gesicht mit Goldstaub aus dem Theaterfundus des »Crazy Horse«, fotografierte sich mit einer Polaroidkamera und machte diese Aufnahmen zum Ausgangsmaterial ihrer Serie Die Sonne um Mitternacht schauen III/196: 56 überlebensgroße Selbstporträts, 28 gespiegelte Diptychen, auf denen nichts als das angeschnittene, den Rahmen komplett ausfüllende und dem Betrachter frontal zugewandte Gesicht der Künstlerin zu sehen ist. Der Goldstaub wirkt wie eine Maske, die jede Regung verbirgt, und da auch die Attribute der klassischen Porträtkunst, Kleidung und Umgebung, fehlen, wird Sieverdings Gesicht hier zu so etwas wie einer absoluten Idee. Mit ihm beginnt und endet ihre Kunst.

Es ist schwer zu sagen, was 1973 die größere Provokation darstellte: dass die nicht einmal 30-jährige Sieverding sich selbst, ihr Gesicht, zum Kern ihres künstlerischen Schaffens machte. Oder dass sie gar nicht erst versuchte, sich, wie etwa der große Rembrandt, zu erforschen, sondern ihre Selbstporträts lediglich mit der Aura antiker Herrscher auflud, um sie zu entleeren. Auf den Goldbildern erfahren wir wenig über die abgebildete Frau, aber sehr viel darüber, welch herausragende Bedeutung das Gesicht für das menschliche Selbstverständnis hat. Sieverding wagte also nichts weniger, als sich selbst zur Projektionsfläche der Kunstgeschichte, ja der Gesamtheit der menschlichen Kommunikation zu machen.

MUSEUM LUDWIG IN BUDAPEST 2006: DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN III/196, 1973

Sowohl kulturhistorisch als auch anthropologisch lässt sich die Bedeutung des Gesichts kaum überschätzen: Am Spiegelbild erkennen wir uns selbst und unsere Gegenüber am Gesicht. Das Gesicht steht im Zentrum der menschlichen Kommunikation, und natürlich wussten die Menschen seit jeher, dass Gesichter trügen können – entweder weil sich der andere verstellt oder weil wir seinen Ausdruck missverstehen. Außerdem verändert sich die Mimik in einem fort, sodass man nie wirklich wissen kann, welches der vielen Gesichter eines Menschen das wahre ist. Die Kunst schien eine Lösung für dieses Problem anzubieten, indem sie das lebendige Antlitz im richtigen Moment einfror und so lesbar machte. Aber auch diese Lösung war trügerisch: Um das Gesicht entziffern zu können, musste die Kunst das Leben anhalten – und um der Wahrheit willen täuschen.

Dieser Zweifel begleitet die Porträtkunst bis heute und machte das Selbstporträt zur Königsdisziplin der Malerei. Diente das Selbstbildnis im Mittelalter noch vornehmlich als Visitenkarte, mit der Maler zeigten, wie gut sie das Handwerk der Nachahmung verstanden, wurde es mit dem Aufstieg der Künstler zu bewunderten Genies zum wesentlichen Bestandteil eines Starkults. In Extremform schlug sich diese Wandlung bei Albrecht Dürer nieder, der sich auf seinem berühmten Selbstbildnis im Pelzrock (1500) so malte, wie es sonst Jesus Christus vorbehalten war: das Bildformat füllend und dem Betrachter frontal zugewandt.

KUNSTHALLE GIESSEN 2015: O. T. I, 1996, 300 X 500 CM (PIGMENTTRANSFER AUF METALL); DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (BLUE), 2010/13 (FILMPROJEKTION)

Mit ihren Fotoserien führte Katharina Sieverding diese Tradition fort, um sie ins Monumentale zu vergrößern und gleichzeitig zu vervielfältigen. So zeigte sie, dass die Vorstellung einer unwandelbaren Identität eine Konstruktion ist, und zwar eine, die es aus ihrer Sicht zu überwinden gilt. Anfang der siebziger Jahre war das ein doppelter Akt der Emanzipation: Zum einen beanspruchte Sieverding einen Platz in der Ahnenreihe männlicher Genies. Und zum anderen setzte sie sich von der feministischen Fixierung auf den Körper ab. Sieverding wollte die Frage nach der weiblichen Identität nicht auf das Geschlechtliche reduzieren, sondern ins Kosmische erweitern. Mit ihrem Serientitel Die Sonne um Mitternacht schauen zitierte sie ganz bewusst den Anthroposophen Rudolf Steiner (1861 bis 1925), der in der Sonnenverehrung einen der vier »Einweihungsschritte« hin zu einer ganzheitlichen Welterfahrung sah. Erst wenn die Sonne versinkt, so Steiner, kann sie als geistiges Kraftzentrum in uns aufgehen und uns dabei helfen, die Grenzen zwischen Mensch und Natur, Ich und Du, Tod und Leben als Illusionen eines verengten Weltbilds zu begreifen. Wie ernst es Sieverding mit Steiners Lehre eines ganzheitlichen Kosmos ist, zeigt auch ihr 2013 entstandener Film Die Sonne um Mitternacht schauen SDO/NASA (BLUE): Für ihn verwendete sie blau eingefärbte NASA-Bilder von Sonneneruptionen, um Sonne und Erde (»der Blaue Planet«) symbolisch
miteinander zu verschmelzen. Sieverding selbst nennt dies »die Sonne durch die Erde hindurch imaginieren«.

In gewisser Hinsicht muss man die Goldporträts der Künstlerin wohl als anthroposophisches Glaubensbekenntnis verstehen. Allerdings nur in dem Sinne, dass sie Steiners Zweifel an den scheinbar unumstößlichen letzten Wahrheiten der modernen Weltsicht teilt. Sie fragte, ob die Welt wirklich nur ist, was wir sehen und verstehen können, und fand Ende der sechziger Jahre in der Fotografie ein Medium, das wie für sie gemacht schien: Einerseits schaltet der Fotoapparat das menschliche Auge aus, um es durch die Objektivität der Technik zu ersetzen; andererseits ließ sich die Fotografie auch schon im analogen Zeitalter auf vielfältige Weise manipulieren. In beiden Fällen zeigt die Fotografie Wirklichkeit anders, als wir sie kennen.

Die Goldporträts aus der Serie Die Sonne um Mitternacht schauen sind vielfach manipuliert. Sieverding spiegelte die einzelnen Aufnahmen, sodass uns jedes Gesicht auf unheimliche Weise zweimal anblickt; sie stellte von den Polaroids Kleinbildnegative her und vergrößerte diese auf 190 mal 125 Zentimeter; und sie blendete auf einem Teil der Serie je zwei Aufnahmen ihres Gesichts übereinander. Letzteres ist seit der Avantgardefotografie ein klassischer Hinweis darauf, dass niemand mit sich selbst identisch ist. In der ebenfalls 1973 entstandenen Transformer-Serie steht die Doppelbelichtung sogar im Zentrum des Werks: Hier legte Sieverding ihr eigenes Gesicht über das ihres Lebensgefährten Klaus Mettig und schuf so androgyne Mischwesen, die, wie die Goldmasken, durchaus menschlich, aber zugleich überindividuell erscheinen. Bei anderen Serien ließ Sieverding die »Magie« der Dunkelkammer noch viel deutlicher für sich arbeiten: Für den Stauffenberg-Block (1969) etwa belichtete sie die Negative so lange, bis sich die eigentlich dunklen Partien durch Überbelichtung aufhellen – der sogenannte Solarisationseffekt. Und weil
Bilder im chemischen Entwicklerbad der analogen Fotografie ganz allgemein wie Geister der Vergangenheit auf dem Fotopapier erscheinen, lässt sich Sieverdings titelgebende Identifikation mit dem Widerstandskämpfer Graf von Stauffenberg auch so erklären: Das Licht der Fotografie hebt die Geschichte in die Gegenwart.

KUNSTHALLE GIESSEN 2015: O. T. I, 1996, 300 X 500 CM (PIGMENTTRANSFER AUF METALL); DIE SONNE UM MITTERNACHT SCHAUEN SDO/NASA (BLUE), 2010/13 (FILMPROJEKTION)

Zu einem gewissen Grad ist Sieverdings Neigung, der Fotografie eine »magische« Wirkung zuzuschreiben, sogar biografisch zu erklären: Ihr Vater war von Beruf Röntgenarzt, konnte also mithilfe unsichtbarer Strahlen feste Körper durchleuchten und deren Innenleben auf Fotoplatten bannen. In der anthroposophischen Bibliothek ihres Onkels stieß Sieverding dann auf viele Argumente dafür, dass es auch so etwas wie die nur mithilfe bestimmter Medien wahrnehmbare Ausstrahlung eines Menschen gibt; und schließlich fand sie an der Düsseldorfer Kunstakademie in Joseph Beuys einen Lehrer, der ganz offensichtlich ebenfalls an die Existenz einer menschlichen Aura glaubte. Auf ihren Selbstporträts versucht sie diese allerdings nur mit ästhetischen Mitteln zu reproduzieren: Statt farbige Energiewolken auf die Bilder zu zaubern, verlässt sie sich auf die Strahlkraft des menschlichen
Gesichts.

Mit ihren Selbstporträts schuf Sieverding eine perfekte Projektionsfläche für das, was sie selbst einmal »Anspruch auf Travestie« nannte. Auf ihren Bildern verliert das Subjekt seine Konturen, um in etwas Größerem aufzugehen – und diese Verwandlung versteht die Künstlerin als Einladung an die Betrachter, sich für besondere Erfahrungen zu öffnen. Gleichzeitig gab die Künstlerin der feministischen Selbstreflexion der siebziger Jahre mit ihren Fotoserien buchstäblich ein Gesicht und wurde so auch zur Ahnfrau für die Rollenspiele einer Cindy Sherman oder der aktuellen Selfie-Kultur. Und während andere Künstlerinnen im Körper einen glaubwürdigeren Zeugen sehen, weil sich dieser weder verstellen noch die Geschlechterdifferenz verleugnen kann, interessiert sich Katharina Sieverding weiterhin für die Kommunikation von Angesicht zu Angesicht. Sie will wissen, was beim Augenkontakt geschieht, auch wenn sie den Blick auf ihren Goldporträts nach innen richtet. //

Lesen Sie diesen spannenden Artikel von Michael Kohler auch in der aktuellen Ausgabe der ART (03/2018).

Der Beitrag Katharina Sieverding Ausstellung: Die Göttliche (ART Magazin) erschien zuerst auf Kunstverlag Till Breckner - Günther Uecker, Heinz Mack, Otto Piene, ....